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店铺： 蔚蓝书店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562185109

商品编码：29727484010

商品基本信息，请以下列介绍为准
商品名称：	声乐教学练声曲集 音乐 书籍
作者：	胡郁青主编
定价：	29.0
出版社：	西南师范大学出版社
出版日期：	2018-05-01
ISBN：	9787562185109
印次：
版次：
装帧：
开本：	16开

内容简介

本教材系“全国普通高等院校音乐专业教材”，以系统、规范、循序渐进的训练方式将声乐练声的学习层级逐层分解，从易到难。全书共六章，包括歌唱发声练习的目的和要求、歌唱发声练习的步骤、歌唱发声练习的选用与组合、歌唱发声器官的构造和歌唱姿势等内容。

音乐之声：西方艺术歌曲赏析与表演实践 书籍简介 本书旨在为音乐学习者、声乐教师以及所有对西方艺术歌曲（Lied und mélodie）抱有浓厚兴趣的读者，提供一套系统、深入且富于实践指导的理论与技巧整合教程。不同于侧重于基础声乐技巧训练的练习曲集，本书的核心聚焦于艺术歌曲这一独特的音乐体裁的深度剖析、历史演变、风格把握与舞台呈现。 第一部分：西方艺术歌曲的历史脉络与美学基石 本部分将带领读者穿越时空，追溯西方艺术歌曲从其萌芽到鼎盛时期的发展历程。我们将从巴洛克时期早期的清唱剧咏叹调和通奏低音伴奏的声乐小品入手，探究其在古典主义时期向“艺术歌曲”这一独立体裁过渡的关键节点。 1. 德语艺术歌曲（Lied）的黄金时代： 重点剖析了自舒伯特（Franz Schubert）开始，经过舒曼（Robert Schumann）、勃拉姆斯（Johannes Brahms）直至雨果·沃尔夫（Hugo Wolf）的辉煌发展。我们将详细阐述“德语艺术歌曲”的独特内涵，即诗歌与音乐的完美融合，探讨“诗为乐纲，乐为诗魂”的核心美学理念。分析不同作曲家如何处理诗歌的韵律、意象和情感深度，例如舒伯特的叙事性与抒情性对比，舒曼对内心挣扎的描摹，以及沃尔夫对文学文本的极致忠诚。 2. 法国艺术歌曲（Mélodie）的浪漫与印象： 法国艺术歌曲以其精致的语言色彩和独特的和声语言著称。本书将梳理从柏辽兹（Hector Berlioz）、古诺（Charles Gounod）到法雅（Manuel de Falla）在法国的创作实践。特别着墨于德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）如何运用印象派的和声手法，捕捉瞬息万变的自然景象和朦胧的情感氛围，探讨其对音色和节奏处理的革新。 3. 俄国与东欧的民族色彩： 考察柴可夫斯基、穆索尔斯基等作曲家如何将民族民间音乐元素融入艺术歌曲创作，形成具有强烈地域特色的声乐作品。 第二部分：文本解读与音乐诠释 艺术歌曲的精髓在于“声画合一”。本部分是本书的实践核心，指导读者如何从文学角度介入音乐分析，从而实现更具说服力的舞台演绎。 1. 诗歌的结构分析： 教导读者如何识别诗歌的体裁（十四行诗、民歌体、自由体）、韵律结构、意象群落以及潜在的叙事线索。理解诗歌的“骨架”是构建音乐理解的第一步。 2. 音乐与文本的对应关系： 细致分析作曲家如何运用音乐语言来“翻译”诗歌内容。这包括： 和声的象征意义： 黑暗、光明、忧郁、希望等情感如何通过调性转换和特定和弦进行来体现。 旋律的轮廓与文本的张力： 旋律线条如何模仿说话的自然起伏，或在关键情感爆发点上形成戏剧性的跳跃或压抑。 节奏与速度的文学性处理： 如何通过特定的节奏型来再现水流、马蹄或心跳等具象元素。 3. 钢琴伴奏的独立地位： 艺术歌曲中，钢琴并非简单的和声支撑。本书将深入探讨钢琴伴奏在叙事、烘托气氛、甚至扮演“第二位歌者”的角色。分析舒曼钢琴声部的复杂织体，以及德彪西钢琴声部对水波纹理的模拟。学习如何与伴奏者建立起无缝的音乐对话。 第三部分：演唱技巧与舞台呈现 艺术歌曲的演唱要求极高的技术精准度与深厚的艺术表现力，它介于歌剧的宏大叙事与纯声乐练习的技巧打磨之间。 1. 声音的平衡与适应性： 探讨如何在保持声乐技术稳定性的前提下，灵活调整音量和音色以适应不同室内乐环境（如小型沙龙与大型音乐厅）。强调共鸣的集中性与声音的穿透力，而非单纯的音量。 2. 德语与法语的发音与咬字： 针对声乐演唱的特殊要求，提供德语R音的控制、元音的圆化与前置处理，以及法语鼻音在美声唱法中的融入技巧。确保语言的清晰度和歌唱的流畅性得到统一。 3. 情感的内化与外化： 区分“模仿情感”与“体验情感”。指导读者通过深入文本理解，实现情感的自然流露，避免夸张的戏剧化表演。探讨如何通过眼神、面部表情与肢体语言的克制，来增强歌曲的内在张力。 第四部分：经典曲目选析与表演指南 本部分将精选自舒伯特、舒曼、勃拉姆斯、沃尔夫、德彪西、拉威尔等作曲家的代表作品，进行逐曲的深度解析，并提供具体的演唱建议。 1. 周期性作品的整体把握： 以舒伯特的《冬之旅》、舒曼的《妇女的爱情与生活》为例，分析声乐套曲（Song Cycle）的内在逻辑和整体结构安排，指导演唱者如何规划整场演出的情绪起伏和技术负荷。 2. 特定难度曲目的应对策略： 针对技巧难度高的作品（如沃尔夫的《意大利歌本》中对快速切换情绪的要求），提供针对性的技术练习方向和诠释思路。 3. 舞台实践与排练流程： 提供一套从初步学习到正式演出的实践流程，包括如何与钢琴家进行有效的沟通、如何进行舞台调度以及如何应对音乐会现场的突发状况。 结语 本书不提供简单的“音符与歌词”的堆砌，而是致力于培养读者对西方艺术歌曲这一音乐宝库的深度理解力与精湛的表演能力。通过对历史、文学和美学的综合探讨，旨在让每一位学习者都能真正领悟到艺术歌曲中蕴含的永恒魅力与细腻情感。它是一本面向未来艺术家的工具书，也是一扇通往十九、二十世纪欧洲音乐思想殿堂的坚实门户。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐理论，特别是和声学应用有着极高要求的学习者，这本关于音乐的理论书籍，以其独特的视角和深入的剖析能力，彻底刷新了我对传统和声学的认知。它并没有停留在“功能和声”的层面打转，而是大胆地引入了二十世纪以来，特别是德彪西、拉威尔等印象派大师是如何“解构”并“重建”和声逻辑的案例分析。书中对“色彩和声”的探讨极为详尽，通过大量乐谱实例，清晰地展示了如何利用九和弦、十一和弦、十三和弦，甚至是增六和弦的非传统用法，来营造特定的听觉氛围。编者对每一个和弦的“张力”和“解决”路径有着极其精准的把握，并辅以清晰的图表来辅助理解那些复杂的音响结构。我尤其欣赏它在讲解“转调”时所采用的非功能性转调手法，这对于我们进行即兴创作和配器分析时，提供了全新的思维框架。阅读这本书的过程，就像是攀登一座知识的高峰，每攻克一个章节，都能获得一次思维的飞跃。它不是用来快速翻阅的，需要沉下心来，反复推敲每一个案例，但投入的时间绝对是值得的，它为你打开了通往更深层音乐理解的大门。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴曲集简直是为那些渴望在指尖上探索浪漫主义巅峰的演奏者量身定做的！我拿到手的时候，首先被它精美的装帧和清晰的乐谱排版所吸引。厚实的纸张拿在手里就有种沉甸甸的满足感，而且印刷质量极高，即便是复杂和弦下的细微表情记号也一览无余，这对于练习那些注重细节的肖邦或李斯特作品来说，简直是福音。曲目选择上，它并没有仅仅停留在那些耳熟能详的“大路货”，而是巧妙地穿插了一些略微冷门但艺术价值极高的中篇作品，这极大地丰富了我的曲目库。比如，其中收录的几首斯克里亚宾的前期练习曲，那种独特的色彩感和和声进行，在其他同类曲集中很少能见到如此完整和准确的呈现。翻阅时，我发现编者在一些关键技术难点处给出了非常到位的指法提示，虽然是针对钢琴的，但那种对音乐结构的处理思路，对任何乐器演奏者都具有启发性，它教会你如何“思考”音乐，而非仅仅是“演奏”音符。特别是其中对踏板使用的建议，细致入微，仿佛有一位经验丰富的大师在你身边低语指导，让那些原本晦涩难懂的乐段变得豁然开朗。这本书不仅仅是一本曲集，更像是一部微型的钢琴艺术史和技术宝典的结合体，它能让你的练习从机械重复提升到富有洞察力的艺术再创造。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得，音乐史的学习常常陷入到僵硬的年代划分和人名罗列中，缺乏对“风格演变”内在驱动力的探究。然而，这本我最近翻阅的书籍，却以一种极为流畅和富有叙事性的笔触，将巴洛克到浪漫主义时期的音乐美学变迁描绘得淋漓尽致。它不像是一本标准的学术专著，而更像是一部引人入胜的“音乐社会学史”。作者成功地将当时的政治气候、哲学思潮与音乐形式的创新紧密地联系起来，例如，它解释了为何古典主义时期对“清晰与平衡”的追求，与启蒙运动的精神内核是何其一致。更具启发性的是，它对“体裁”的演变分析得非常透彻，比如，从歌剧咏叹调到奏鸣曲快板乐章，其结构上的相似性是如何在不同的艺术目标下被重塑的。这本书的文字功底极其深厚，大量运用了文学性的描述，使得即便是对于不太熟悉的听众，也能通过对时代精神的理解，来“听懂”音乐背后的逻辑。它让我意识到，伟大的音乐作品从来都不是孤立存在的，而是特定时代精神的结晶，这种宏观视野的构建，是任何单一乐器或声乐技巧书籍所无法给予的。

评分☆☆☆☆☆

对于长期从事管弦乐队排练的指挥者来说，一本好的总谱集或排练指南是至关重要的。这本我手上的音乐书籍，虽然表面上看起来像是一本普通的乐谱集，但其内在的编排逻辑和对“合奏”技巧的侧重，使其远远超出了普通曲谱的范畴。它似乎是专门为提升团队协作效率而设计的。其中收录的几部室内乐作品的编配方式非常独特，它清晰地标示了不同声部之间的动态平衡点，哪些地方需要A声部稍微让步给B声部，哪些地方又是C声部需要凸显其旋律线，这些细节在很多标准总谱上是缺失的。而且，它对不同乐器组的音色特性有着深刻的理解，例如，它会建议在某个特定的辉煌段落，铜管组的弱奏应该如何处理才能既不过于突兀，又能保持清晰度。这种“场域感”的把握，是教科书上难以传授的。它就像是一个“排练导演手册”，帮助指挥者预判排练中可能出现的问题，并提前准备好解决方案。对于提升乐团的整体音乐性和演奏的统一性，这本书提供了一种实战化的、高度聚焦的训练路径。

评分☆☆☆☆☆

我最近在寻找一套能真正提升我视奏和快速学习新作品能力的教材，而这本关于声乐的教材恰好提供了我所期盼的严谨性与实践性。它的结构设计非常巧妙，从最基础的音准训练开始，循序渐进地引入了不同时期、不同风格的声乐练习片段。令我印象深刻的是，它对气息控制和共鸣腔体的讲解，采用了非常形象化的比喻，这比那些枯燥的解剖学术语要有效得多。例如，它描述横膈膜运动时，用到了“像一艘平稳航行的船只”的比喻，一下子就抓住了核心要领。更重要的是，书中附带的音频资源（虽然我这里说的是书本身，但它的设计理念与此书的“练”相关），提供了标准范唱和伴奏分离的版本，这让我在独自练习时也能清晰地听到自己的瑕疵，并进行即时修正。它对于不同声部（高音、中音、低音）在处理特定音区时的技巧侧重点划分得非常清晰，避免了“一刀切”的教学误区。我特别喜欢其中关于“情感表达与技术结合”的章节，它不是空泛地谈论艺术，而是给出了一套可操作的流程，教你如何将歌词的内涵融入到发声的每一个微小变化中去，真正做到“声情并茂”。对于一个专业声乐学习者来说，这本书是构建坚实技术基石和提升舞台表现力的重要工具。