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赵维平 编

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店铺： 土星图书专营店

出版社： 上海音乐

ISBN：9787552308518

商品编码：29738854069

开本：16

出版时间：2015-08-01

基本信息

• 商品名称：中国古代音乐史简明教程
• 作者：赵维平
• 定价：48
• 出版社：上海音乐
• ISBN号：9787552308518

其他参考信息（以实物为准）

• 出版时间：2015-08-01
• 印刷时间：2018-05-01
• 版次：1
• 印次：3
• 开本：16开
• 包装：平装
• 页数：161

内容提要

赵维平著的《中国古代音乐史简明教程》是一本 以历史发展脉络为线索，以史料为依据，实录性地反 映我国音乐历史发展的音乐通史教材。
     本教材由中国的固有音乐积淀时期、多元音乐融 合时期与民族文化绽放时期三大部分构成，共七章。
    笔者试图通过音乐史实录的形式，从音乐发展脉络着 手，贴近历史事实，真实地再现我国音乐历史发展的 进程。
    

目录

**阶段 固有音乐积淀时期
第一章 远古夏商时期的音乐(史前—公元前1046年)
第一节 概述
第二节 音乐的起源
第三节 远古夏商时期的乐舞
第四节 远古时期的乐器
第五节 宫廷乐师与音乐家
思考练习题
第二章 周秦时期的音乐(公元前1046年—公元前206年)
第一节 概述
第二节 宫廷音乐
第三节 乐器及乐律的发展
第四节 音乐思想及音乐理论
思考练习题
第二阶段 多元音乐融合时期
第三章 两汉三国时期的音乐(公元前206年—公元265年)
第一节 概述
第二节 音乐机构——汉乐府
第三节 音乐的体裁
第四节 乐器与乐律理论
思考练习题
第四章 两晋南北朝时期的音乐(265年—589年)
第一节 概述
第二节 民间音乐
第三节 西域音乐的东流
第四节 古琴音乐
第五节 乐律学的发展
思考练习题
第五章 隋、唐、五代时期的音乐(581年—960年)
第一节 概述
第二节 山歌、小曲与诗乐
第三节 宫廷音乐
第四节 音乐机构
第五节 乐曲与乐器
第六节 记谱体系与乐律学的发展
第七节 音乐家
第八节 外来的音乐家与对外交流
思考练习题
第三阶段 民族文化绽放时期
第六章 宋元时期的音乐(960年—1368年)
第一节 概述
第二节 曲子及词乐的发展
第三节 说唱音乐
第四节 歌舞大曲的演进与戏曲、杂剧音乐的发展
第五节 器乐
第六节 音乐理论的发展
思考练习题
第七章 明清时期的音乐(1368年—1911年)
第一节 概述
第二节 民间小曲

《唐宋词研究：格律、意象与风骨》 作者： [虚构作者姓名，例如：李清照研究专家 王守仁] 出版社： [虚构出版社名称，例如：华夏文化出版社] 出版日期： [虚构出版日期，例如：2023年11月] --- 内容提要 本书系一套深度聚焦于中国古典文学瑰宝——唐宋词的专著。它并非对音乐史进行宏观梳理，而是将研究的焦点精准地投向宋代文学的巅峰成就，旨在通过精细的文本分析、严谨的格律考证和深刻的文化阐释，揭示唐宋词在美学、技巧和精神层面上的独特魅力与演变轨迹。全书共分六卷，脉络清晰，论证详实，适合古典文学专业研究人员、高阶文史爱好者以及希望深入理解宋代文人精神世界的读者阅读。 第一卷：词体的生成与早期演变（初唐至晚唐） 本卷追溯了“曲子词”这一文体从民间歌筵走向文人案头的复杂历程。重点探讨了燕乐、宴乐的体制对词牌格式的早期制约，分析了霓裳羽衣曲等重要乐曲与词体的关系。我们详细考辨了温庭筠、韦庄等早期词人的风格形成，着重分析了他们如何将诗歌的意境融入新兴的词体，并为后世的豪放、婉约定下了初步的基调。特别之处在于，本书通过对敦煌、燕京等地出土的残谱和词钞的交叉比对，重构了部分失传的早期词作的可能面貌。 第二卷：北宋词坛的勃兴与流派分野 本卷是全书的基石，聚焦于北宋词坛的黄金时代。着重剖析了以柳永为代表的“都市词人”群体如何拓展词的表现领域，将市民生活、羁旅行役融入词中，并系统梳理了慢词（长调）的成熟过程及其在结构上对诗歌的超越。在范仲淹、欧阳修、苏洵等人的作品中，我们探讨了士大夫文人如何“以诗为词”，力图提升词的文学品格。 第三卷：苏轼与豪放词的哲学重塑 苏轼是词史上的一个分水岭。本卷专门辟出章节，深入分析苏轼“以诗为词”的理论主张如何落实到具体创作中。我们不再将“豪放”简单等同于气势磅礴，而是深入挖掘其背后的道家、禅宗思想对词境的开拓。通过对《念奴娇·赤壁怀古》、《水调歌头·明月几时有》的细读，展示了苏轼如何将哲理思考、历史感与自然景观完美熔铸，实现了词体从“艳科”向“大雅”的质变。 第四卷：婉约词的精微与集大成 本卷聚焦于李清照、周邦彦等人的成就。对于李清照，本书强调其词作中蕴含的女性个体经验的深度，而非仅仅停留在“易安体”的格律层面。我们详细考察了她对传统意象的革新，如“帘卷西风，人比黄花瘦”中主客体的交融。对于周邦彦，则着重分析其“格律大师”的地位，通过对“词谱”的细致比对，揭示他如何将复杂的句读、平仄运用到极致，形成了精工细密、变化万方的“周氏格律”。本书认为，周邦彦的集大成，为后世词风的延续提供了技法上的保障。 第五卷：南宋词的承继与变异 南宋词坛在北伐无望、国势日颓的背景下，呈现出复杂的情绪张力。本卷分析了辛弃疾如何继承苏轼的豪放传统，却融入了更多的“忠君爱国”的政治激情与身世之感，形成“以文为词”的独特路径。同时，我们审视了姜夔、吴文英等“格律派”在词境上的探索，他们如何以音乐的精微、香奁的雅致来对抗外部世界的残酷，形成了“以意逆转”的审美倾向。本书特别关注了宋末遗民词人，探讨了亡国之痛如何投射到词境的苍凉与孤绝之中。 第六卷：唐宋词的审美范式与流变中的诗性 结语部分，本书对唐宋词的研究进行系统性总结。我们提出，唐宋词的魅力并非孤立存在，而是与唐诗的盛唐气象、宋代理学的兴起有着密集的互动关系。本卷重点论述了词的“含蓄”与“不尽之意”，分析了“赋比兴”等诗歌基本表现手法在词中的转化与运用，并探讨了宋词对元曲、乃至近现代文学的影响，为理解中国古典诗性传统提供了一个坚实的理论框架。 --- 核心特色 1. 格律的还原与分析： 区别于仅关注主题的阐释，本书基于宋词的音乐本质，利用现存的词谱和乐府遗存，对关键词作的句读、平仄进行了详细的声韵分析，力求恢复作品在演唱时的原始美感。 2. 意象的溯源与转化： 系统梳理了“杨柳”、“残月”、“东风”等核心意象在唐诗、五代词、北宋词、南宋词中的意义流变，揭示其背后社会心态的悄然变化。 3. 文本细读的深度： 每一章的分析都建立在对重要词作进行逐字逐句的细致考察之上，避免了空泛的概括，强调文学技巧与情感表达的统一性。 4. 文化背景的嵌入： 将词作置于理学思潮、科举制度、院体与民间音乐的互动背景中进行考察，使读者能更全面地理解词人创作的时代语境与精神困境。 --- 本书与其他研究的根本分野 本书严格聚焦于唐宋词体的文学本体研究、格律技法与审美范式的演变，其核心关切在于文学形式的成熟、意境的塑造以及文人精神的表达。它不涉及对古代乐器形制、音阶理论、五音七律等音乐本体论的系统性介绍，也不涵盖从先秦到明清的整个音乐史时间线。本书将音乐视为一种“隐性结构”或“潜在的格律支撑”，而非研究的主体，致力于为读者提供一部立足于文学批评视角的唐宋词巅峰之作的深度解析。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一开始对“简明教程”这类定名的书籍抱持着一种审慎的态度，生怕它只是走马观花、蜻蜓点水。然而，这本书成功地颠覆了我的预期。它在“简明”与“详实”之间找到了一个近乎完美的平衡点。在涉及如隋唐九部乐、宋代大曲等复杂音乐制度时，作者没有采用堆砌资料的方式，而是提炼出核心的结构特征和功能差异，辅以清晰的图表（尽管这里只是文字描述，但其结构清晰可见），使得复杂的体系能够被迅速建立起大致的框架。对于那些晦涩难懂的古代音乐理论术语，书中总能提供当下易于理解的注脚或类比，极大地提升了阅读的流畅性。这本书的价值在于，它不仅是知识的传递者，更像是一位高明的向导，在你初入这座历史迷宫时，为你指明了最主要的主干道，让你能够高效地建立起知识体系，而非被旁枝末节所困扰。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的民族乐器爱好者，我对音乐史的关注点通常集中在乐器和演奏技巧的发展线上。这本书在这方面的处理可以说是细致入微，又巧妙地避免了陷入技术细节的泥潭。它清晰地勾勒出了古琴、琵琶乃至筚篥等关键乐器在不同历史时期的角色转变和构造演变，让人对乐器“活的生命史”有了更深刻的理解。尤其是在介绍唐代燕乐的合奏体系时，作者对不同声部配置的分析，既有理论的严谨性，又不失对听觉感受的描述，这种平衡把握得恰到好处。更难得的是，书中对一些失传的乐律和记谱法的讨论，虽然是基于有限的考古发现和文献考据，但其推测过程逻辑严密，展示了扎实的学术功底，让人在感到知识的浩瀚之余，也对古代工匠和乐师的智慧油然而生敬意。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国古代音乐史的入门读物，确实在很多方面给了我耳目一新的感觉。尤其欣赏作者在梳理历史脉络时的那种宏大叙事能力，它不像某些教科书那样枯燥地罗列年代和人名，而是将音乐的发展与当时的社会文化背景紧密地结合起来。比如，它对先秦时期礼乐制度的论述，就非常生动地展现了音乐在维护宗法秩序中的核心地位，让人能真切地感受到“礼”与“乐”是如何相互渗透、共同构建起早期文明的骨架。书中对不同历史阶段音乐风格的流变，例如从汉代的雅乐到魏晋玄学的清淡空灵，再到唐代燕乐的雍容华贵，那种过渡和因果关系的阐释，逻辑清晰，论证有力，读起来仿佛能听到历史的回响。作者似乎深谙如何用最凝练的语言勾勒出最复杂的图景，对于初学者来说，这种由浅入深、层层递进的讲解方式，极大地降低了入门的门槛，让人在享受知识吸收过程的同时，也对中国音乐的深厚底蕴有了更直观的认识。

评分☆☆☆☆☆

我花了相当长的时间来寻找一本既有学术深度又兼顾可读性的中国古代音乐史资料，直到接触到这本书，才算找到了理想的伴侣。这本书最让我赞叹的是，它并没有仅仅停留在对乐器形制和记谱法的介绍上，而是大胆地将目光投向了音乐背后的“人”和“情”。书中对于某些著名乐曲或音乐家的侧面描写，虽然篇幅不长，但往往能捕捉到那个时代特有的精神气质。例如，对宋代文人音乐的探讨，不再是简单的将词牌与曲调对应，而是深入剖析了市民阶层兴起、理学思潮的影响下，音乐如何从宫廷的庄重走向士人的内省与闲适。这种由“物”及“人”，再由“人”及“境”的叙事路径，使得原本冰冷的历史材料变得鲜活起来，充满了人性的温度和历史的张力。阅读过程中，我时不时会停下来，想象当时的演奏场景，那种沉浸式的体验是其他同类书籍难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我感到惊喜的是其开阔的国际视野，这在传统的中国音乐史著作中并不多见。作者在论述隋唐时期音乐的兼容并蓄时，并没有将焦点仅仅停留在本土的发展上，而是非常精妙地穿插了中外文化交流的元素。例如，对于西域传入的曲调、乐器对唐代宫廷音乐的改造，乃至于其对周边国家（如日本、朝鲜半岛）音乐体系产生的深远影响，都有着令人信服的论述。这种将中国古代音乐置于更广阔的东亚文化圈和世界音乐交流史背景下来审视的态度，极大地丰富了我们对“中国音乐”这一概念的理解。它不再是一个孤立的存在，而是一个活跃的、不断与外部世界进行互动和融合的动态系统。这种宏大的历史观，让阅读体验上升到了一个更高的层次，使人不仅学习了历史事实，更领悟了一种文化交流的普遍规律。