全新正版视唱教程 单声部视唱教程(下)(修订版) 上海音乐出版社 视唱教材 音乐理论教材单声部视唱教 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 视唱教程
• 单声部视唱
• 音乐理论
• 教材
• 上海音乐出版社
• 音乐教学
• 视唱练习
• 修订版
• 音乐基础
• 乐理学习

店铺： 策马扬鞭图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787805531809

商品编码：29806182218

丛书名： 单声部视唱教程 (下)

开本：16开

出版时间：2002-07-01

音乐理论与实践系列：和声学原理与实例分析 出版社： 音乐之声文化传播 作者： 张明轩 教授 装帧： 精装，附赠习题解析手册 页数： 680页 定价： 188.00 元 --- 内容简介：深入探索西方音乐的骨架与灵魂 《和声学原理与实例分析》是一部为音乐专业学生、作曲家、理论研究者以及资深音乐爱好者量身打造的、全面而深入的和声学教材。本书旨在系统梳理和阐释西方音乐自巴洛克时期至浪漫主义晚期（涵盖大小调体系的建立与发展）的核心和声语言，并辅以大量的实例分析，帮助读者从“知道”和声规则上升到“理解”和声逻辑和“运用”和声技巧的高度。 第一部分：基础构建——调性与和弦的逻辑 本书开篇即详尽回顾了十二平均律体系下的音高关系与调性概念，为后续和声分析奠定坚实的基础。重点内容包括： 音程、三和弦与七和弦的结构分析： 深入探讨了稳定与不稳定和弦的内在构成，区分了协和与不协和音响的听觉心理学基础。 功能和声的基石——主、属、下属功能群的界定与相互转换： 详细解析了T、S、D三大家族在调性进行中的核心作用，包括它们的转位形式及其在不同音乐织体中的功能体现。 调性内部的和声进行规律： 系统讲解了级进与跳进的连接规则，尤其侧重于导向性（Tendency）的分析，即为什么某些进行听起来“自然”而另一些则需要特定的处理。 变音与和声的色彩变化： 探讨了变化音的使用如何丰富和声的色彩，包括增减五度、减七和弦的特定功能与连接方式，为进入转调做铺垫。 第二部分：调性扩展与色彩增添——转调与远关系和声 本部分聚焦于如何扩大和声的调性范围，使音乐语言更加丰富和复杂。 转调技法精讲： 全面梳理了平行调、关系调、主和弦转调、属七和弦转调等经典方法，并辅以巴赫赋曲、莫扎特奏鸣曲中的具体范例进行剖析，展示转调在乐段连接中的结构作用。 七和弦之外的扩展和弦： 深入研究了九和弦、十一和弦、十三和弦的构成、功能和解决方式。特别关注了属九和弦的导向性特质及其在印象派前奏中的应用潜力。 半音进行与和声的模糊化： 详述了那不勒斯六和弦、经过性和弦、以及减七和弦在半音进行中充当的“桥梁”角色，揭示它们如何暂时打破严格的调性中心。 第三部分：超越功能——浪漫主义的语汇与和声的拓展 进入19世纪，和声的自由度大大增加，本书对此进行了深入的专题探讨。 增植和声与和弦的“重构”： 分析了李斯特、瓦格纳等作曲家如何使用非功能性的和弦连接来营造情绪张力，如著名的“特里斯坦和弦”的结构与语境分析。 平行和声与非功能性连接： 探讨了德彪西等作曲家如何大量使用平行五度、平行七度和弦（特别是平行三度与六度的自由运用）来创造声响的色彩效果，而非严格遵循传统功能解决。 调式与和声的交织： 系统梳理了大小调体系与古代调式（如多利亚、弗里吉亚等）在和声织体中的复苏与应用，分析了它们如何为后浪漫主义音乐注入古朴或异域的色彩。 第四部分：综合分析与作曲实践 本书最核心的价值在于其“实例分析”部分。 自巴赫到德彪西的经典乐段深度透视： 选取了不同时期、不同体裁（如赋格、奏鸣曲呈示部、艺术歌曲等）的乐谱片段，逐一进行和声功能标记、转调路径图解和和声色彩评注。例如，对贝多芬奏鸣曲中戏剧性的属和弦的持续使用进行结构功能层面的解析。 织体与和声的相互作用： 探讨了不同复调（如对位、模仿）与主调和声在实际写作中的结合方式，分析了和声进行如何服务于旋律线条的流畅性。 习题与思考题设计： 每章末尾均附有大量针对性的分析练习和配和声作业，旨在巩固理论知识，引导学生将理论应用于实际创作。随书附赠的《习题解析手册》提供了详细的解题步骤和作曲思路指导，确保学习的有效闭环。 本书特色： 1. 历史语境化： 强调和声规则是历史演进的结果，而非僵死的教条，帮助读者理解“为什么是这样”。 2. 图表化呈现： 大量使用和声功能图、调性关系图谱和和弦树状结构图，使复杂的概念直观易懂。 3. 注重听觉培养： 穿插有听觉辨识训练的建议，鼓励读者在学习理论的同时，强化对不同和声色彩的敏感度。 本书是音乐学院本科生和研究生和声学课程的理想主教材，也是严肃音乐学习者提升音乐理解深度的必备参考书。通过对本书的学习，读者将能够建立起一个完整、系统且富有洞察力的和声学知识体系，从而更有效地分析、欣赏和创作音乐。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我最大的启发在于它对“音乐性”的强调，而非仅仅是机械性的视唱训练。很多教程侧重于让你把音高和节奏“点”出来，但唱出来是否悦耳、是否有表情，则是另一个层面的问题。这本《单声部视唱教程(下)》在曲目选择和练习设计中，巧妙地融入了力度记号、表情术语和速度标记的训练。它不像那些老掉牙的教材，只是简单地标上“f”或“p”，而是会引导你思考：在一个特定的调式或调性背景下，这个渐强是如何建立情绪张力的？这个连音线意味着什么样的气息支持？我记得有一组练习，要求在连续的模唱中保持极弱的音量，同时音准却要绝对稳定，这对气息控制和听觉辨别能力是极大的考验。通过这样的训练，我发现自己的演唱不再是平铺直叙的“念谱子”，而是开始尝试去“歌唱”这些旋律，理解作曲家想要表达的情感色彩。对于那些渴望从“技术型”视唱者转型为“艺术型”歌唱者的人来说，这本书提供了必要的桥梁和工具。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对很多音乐教材的排版和设计都感到头疼，它们往往印刷质量不高，字体密密麻麻挤在一起，读起来特别费劲，时间一长眼睛就酸胀。然而，这本上海音乐出版社的修订版在视觉体验上做得非常出色。首先，纸张的质感就很棒，摸起来舒服，而且不易反光，即使在灯光下练习也感觉很舒适。其次，版面设计简直是教科书级别的典范。音符、休止符、拍号、谱号，所有标记都清晰可辨，行距和字号的设置拿捏得恰到好处，使得乐谱的“呼吸感”很强，哪怕是面对密集的十六分音符组，视线也能顺畅地引导，不容易“迷路”。这种对细节的关注，对于需要高度集中注意力的视唱练习来说，简直是福音。我过去经常需要用铅笔在书上做各种标记，但这本书的留白处理得很好，预留了足够的空间供学习者书写批注。整体感觉就是，编写者不仅精通音乐，还懂得如何将复杂的知识以最友好的方式呈现给读者，这份用心是很多出版社无法比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我对这本书中引入的一些现代视唱理念非常感兴趣，它显然没有墨守成规于传统的僵化训练。在视唱教学中，我们常常遇到一个问题：学生能够准确唱出谱子上的音符和节奏，但一旦要求他们进行听写或移调，就立刻抓瞎，这说明他们的内听觉和视唱能力是脱节的。这本书巧妙地通过一些设计精巧的“听唱结合”练习来打破这种壁垒。比如，在某些章节的末尾，它会附带一些简短的、需要即兴模唱的听觉小片段，要求学习者在听完后立即用教材中的音高和节奏模式进行模仿。这种练习迫使大脑必须实时地将听觉输入转化为视觉符号的输出，再转化为发声器官的动作，极大地锻炼了反应速度和对音高的内在感知能力。这种互动性远超单纯的阅读和练习，它将视唱从一项静态的识谱活动，变成了一个动态的音乐反应训练，这对于培养真正具有“音乐耳朵”的演奏者来说，是至关重要的一环。这本书无疑是走在了时代前沿的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育工作者，我深知教材的适用性和连贯性至关重要。过去我用过好几套下册的教材，但常常发现它们与上册的衔接有些生硬，仿佛是两套独立编写的体系拼凑起来的。然而，这本修订版在内容逻辑的衔接上处理得非常平滑自然。它清晰地回顾了下册中可能需要用到的核心难点，比如复杂的变音记号应用、调性转换的瞬时反应训练，并在此基础上扩展了更具挑战性的内容，比如对装饰音的准确处理和更长的乐句的呼吸规划。更重要的是，它对前一册教材中相对宽泛的概念进行了深化和细化。例如，如果说上册教了“什么是三连音”，那么下册则会教你“如何在实际演唱中将三连音唱出流畅的律动感”。这种层层递进、螺旋上升的教学设计，极大地提高了教学效率，也让学生在上进阶课程时感觉负担减轻了许多。对于老师来说，这意味着备课时间可以更集中于个别辅导，而非花费大量精力去弥补教材间的知识断层。

评分☆☆☆☆☆

这本《全新正版视唱教程 单声部视唱教程(下)(修订版)》真是让我眼前一亮。我之前学视唱的时候，总是觉得教材要么太枯燥，要么就是为了凑页数塞了很多与实际练习无关的理论。但这本书完全不同，它在内容编排上非常注重循序渐进，从基础的音程、节奏型过渡到复杂的多声部织体，每一步都走得扎扎实实。尤其值得称赞的是，它对节奏的讲解深入浅出，不仅仅是停留在识谱层面，还加入了许多关于如何“唱准”节奏的技巧指导，比如如何处理附点、切分和复杂的复节奏。书中的例曲选择也很有品味，不像有些教材那样都是些生硬的练习曲，这里面的旋律大多取自经典的艺术歌曲或歌剧咏叹调的片段，这使得我们在练习视唱的同时，也在潜移默化地接受音乐审美的熏陶。我个人觉得，对于已经掌握了基础视唱技巧，希望在准确性、流畅性和音乐性上都有所突破的进阶学习者来说，这本书无疑提供了一个非常坚实且富有启发性的平台。它不是那种让你囫囵吞枣的教材，而是要求你真正投入思考和练习，才能体会到其中精妙之处。