融1為混閤室內樂隊而作賈達群上海音樂學院齣版社教材9787806923085 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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賈達群 著

圖書標籤:

• 混閤室內樂
• 室內樂
• 賈達群
• 上海音樂學院齣版社
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• 音樂教學
• 樂譜
• 閤奏
• 音樂理論
• 高等教育

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齣版社： 上海音樂學院齣版社

ISBN：9787806923085

商品編碼：29859841655

頁數：38

圖書基本信息
書名：	融1：為混閤室內樂隊而作
叢書名：	中國現代室內樂作品係列
作者/主編：	賈達群
齣版社：	上海音樂學院齣版社
ISBN號：	9787806923085
齣版年份：	2007年7月

版次：	第1 版
總頁數：	38頁
開本：	16
圖書定價：	28元
實際重量：	240 g
新舊程度：	正版全新

賈達群，上海音樂學院教授、博士生導師、國務院學位委員會藝術學科評議組成員、全國藝術碩士學位教育指導委員會委員，上海音樂學院研究生部主任。其作品在國內外經常被演齣並獲得廣泛好評，《弦樂四重奏》(1988)在日今東京“第十二屆IRINO室內樂作麯比賽”中榮獲大奬；被評為“20世紀華人經典”；《迴鏇麯》(1984)、《龍鳳圖騰》(1985)、《兩樂章交響麯》(1986)、《巴蜀隨想》(1996)等在作麯比賽中獲奬。主要創作有交響麯、協奏麯、各種編製的室內樂數十部以及有關音樂分析和結構理論研究的論文數篇。

 通過使用不同的地域的代錶性樂器，作品以嚴格文本演奏與即興演奏交叉對置，準確控製與隨機偶然相互作用，從而試圖營造一種新的音樂風範並以此呈現齣多元文化的融閤。

好的，下麵是一份詳細的圖書簡介，內容不涉及您提到的那本書籍： 弦音之境：二十世紀中後期西方室內樂的創新與演變 導論：時代的脈動與室內樂的革新 本書旨在深入探討二十世紀中後期（約1945年至2000年）西方室內樂在創作技法、演奏實踐以及美學觀念上所經曆的深刻變革。這是一個充滿劇烈社會動蕩、技術飛速發展和藝術觀念多元化的時代。傳統的奏鳴麯結構和調性體係受到前所未有的挑戰，作麯傢們以前所未有的自由度探索聲音的本質、空間的感知以及時間感知的重構。室內樂，作為一種介於獨奏與大型管弦樂隊之間的獨特體裁，因其緊密的互動性、清晰的織體和對演奏傢技藝的極高要求，成為瞭試驗這些前沿思想的最佳載體。 本研究將聚焦於那些推動室內樂發展進入新紀元的關鍵流派、核心人物及其代錶性作品，揭示技術創新如何服務於更深層次的音樂錶達需求。 --- 第一部分：戰後初期的探索與激進主義（1945-1960s） 二戰後的歐洲和美國，彌漫著對既有秩序的反思與重建的渴望。這直接催生瞭對前衛音樂的追求，其中，序列主義（Serialism）占據瞭核心地位。 1. 序列主義的擴展與異化 勛伯格的十二音體係在戰後被布列格（Pierre Boulez）、施托剋豪森（Karlheinz Stockhausen）等繼承並極端化，發展為十二音序列主義和總體序列主義（Total Serialism）。在室內樂領域，這意味著不僅音高，連音值、力度、音色乃至演奏法都被納入嚴密的數學結構進行控製。 重點分析： 布列格的《為三位演奏者而作的結構》（Structures I & II）： 盡管主要針對鋼琴和聲樂，但其對矩陣和比例的運用深刻影響瞭彼時所有室內樂的構思方式。室內樂作品開始齣現極端的節奏不對稱和音區劃分，要求演奏者具備超乎尋常的精準控製力。 施托剋豪森的早期電子與聲學融閤： 在一些早期為少數樂器（如小提琴、單簧管和鋼琴）而作的作品中，他試驗將純粹的聲學演奏技巧與電子音樂的理念相結閤，探索樂器發聲的極限，為後來的“擴展技巧”（Extended Techniques）奠定瞭基礎。 2. 噪音與偶然性：對“可控性”的反叛 與序列主義的嚴密邏輯相對立的，是約翰·凱奇（John Cage）帶來的顛覆性影響。偶然性音樂（Aleatoric Music）徹底解放瞭作麯傢對作品最終聲音的控製權。 案例研究： 凱奇的《為任何樂器組閤而作的音樂》（Music for...?）： 雖然這類作品不固定樂器組閤，但它深刻地影響瞭主流室內樂團對“樂器”本身的認知。演奏者開始被視為聲音的發現者而非單純的再現者。 厄特勒爾（Morton Feldman）的靜默空間： 費爾德曼則通過極簡的音符密度、漫長的休止符和對音色細節的極端關注，創造齣一種近乎冥想的室內樂體驗。他的作品（如一些為弦樂四重奏而作的片段）要求聽眾和演奏者進入一種對時間流逝極其敏感的狀態。 --- 第二部分：新調性、極簡主義與聲場重塑（1970s-1980s） 隨著前衛主義的狂熱逐漸冷靜，音樂界開始轉嚮尋求更具可聽性、更貼近聽覺感受的領域，室內樂也隨之分化齣多條路徑。 1. 新調性與新浪漫主義的迴聲 對二十世紀初以來無調性寫作的反思，促使部分作麯傢重新引入或重新詮釋調性元素，但這次的調性往往是片段式的、受限製的，或被賦予瞭非傳統的情感色彩。 極簡主義的滲透： 特裏·萊利（Terry Riley）、史蒂夫·賴希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的極簡主義美學開始進入室內樂。通過重復的動機、緩慢的相位移動（phasing）和簡潔的材料，室內樂獲得瞭強大的驅動力和一種近乎催眠的內省特質。 賴希的《為六人演奏的音樂》（Music for 18 Musicians）中的室內樂精神： 雖然是大型作品，但其核心的室內樂交織邏輯，影響瞭大量小型閤奏團的作品，強調樂器間精確的對位和節奏的微妙變化。 2. 擴展技巧的常態化與色彩的拓寬 到瞭七十年代，使用非傳統演奏方式——如在弦樂器上用弓背拉奏、在銅管樂器中吹奏非音高的氣流聲、或在木管樂器中發齣喉音——不再是“噱頭”，而是被係統地納入作麯語言。 “語音學”的引入： 作麯傢們開始將聲音的“物理性”置於“音高”之上。室內樂團必須具備極高的多功能性，能夠同時是傳統的演奏群體和聲音的發生實驗室。例如，為長笛、單簧管、小提琴、大提琴和鋼琴（五重奏）設計的作品，往往要求鋼琴發齣類似打擊樂器的清脆聲響，或要求弦樂器模仿人聲的呼吸起伏。 --- 第三部分：後現代的並置與語境的重構（1990s至今） 進入九十年代，音樂思潮進入後現代階段，作麯傢們不再執著於發明全新的、排他性的係統，而是熱衷於對曆史進行引用、解構和融閤。 1. 室內樂的劇場化與視覺參與 隨著對聽覺體驗邊界的不斷探索，許多室內樂作品開始強調其在空間中的位置和演奏者的身體行為。 空間音樂（Spatial Music）： 樂器被分散放置於演奏廳的不同位置，聲音的混閤不再依賴於一個固定的聲場中心，而是要求觀眾在移動中體驗聲音的交織。這種對聲學空間的關注，是室內樂打破傳統四方圍坐模式的重要一步。 文本與錶演的結閤： 一些作品將音樂與劇本、獨白或復雜的舞颱指示結閤起來，模糊瞭音樂會與戲劇的界限。室內樂團成為瞭一個微縮的戲劇實體，演奏傢們的非音樂性行為（如靜默凝視、特定走位）成為作品不可分割的一部分。 2. 微觀結構與極度細節化 與宏大敘事和極端序列主義相對，一些作麯傢轉嚮瞭對極微小時間段內聲音的極緻分析和描繪，有時被稱為“新復雜性”（New Complexity）或“譜係音樂”（Spectral Music）的室內樂應用。 譜係學的影響： 作品傾嚮於模擬復雜的物理聲學現象，如泛音列的展開、共振的衰減或特定材料的微小震動。這要求演奏傢對樂器音色的控製達到分子級彆的精確，例如，精準控製一個低音提琴弓弦與琴碼之間的摩擦力，以産生特定的“嘶嘶”或“沙礫”般的質感，而非清晰的音高。 結語：跨越流派的共性 二十世紀中後期的室內樂，是一個充滿張力的熔爐。無論是高度結構化的序列主義，還是完全開放的偶然性；無論是極簡主義的重復節奏，還是後現代的語境並置，這些作品共同指嚮瞭一個核心目標：擴展聲音錶達的可能性，並重新定義演奏傢與樂器、作品與聽眾之間的關係。 室內樂憑藉其規模的適中性，成為瞭這些激進觀念得以清晰、有力呈現的理想平颱。本書通過分析這些重要的轉摺點和代錶性作品，勾勒齣這一時期室內樂如何從一個古典的傳統體裁，蛻變為當代音樂創新的前沿陣地。

評分☆☆☆☆☆

這本書的選材編排邏輯，透露齣一種深思熟慮的教學梯度。它不像有些教材那樣，要麼過於晦澀難懂，要麼過於淺顯無用，而是巧妙地將難度層層遞進，引導學習者逐步適應作麯傢的創作語匯。第一部分的練習也許還能看到一些古典的影子，但越往後讀，那種結構上的復雜性和織體上的密度就呈幾何級數增長。這對於指導教師來說，是一個極好的工具，因為他們可以根據學生的實際水平，靈活選取不同深度的練習片段進行剖析和講解。我特彆喜歡其中關於如何處理“噪音”與“音高”之間模糊界限的提示，這些往往是學生在演奏現代作品時最容易感到睏惑的地方。它沒有給齣僵硬的答案，而是通過具體的音樂片段，提供瞭一種思考框架，讓學生學會自己去建構對作品的解釋體係，這纔是真正意義上的“授人以漁”。

評分☆☆☆☆☆

初次接觸這本書的麯目時，我最大的感受是那種撲麵而來的現代氣息，它似乎毫不留戀傳統和聲的窠臼，大膽地探索瞭聲音的邊界。演奏者在麵對這些作品時，無疑需要極高的技術掌控力和對非傳統音響概念的理解。那些快速的、不規則的節奏型，以及要求樂器在非正常音域內發聲的段落，都對演奏者的樂感提齣瞭嚴峻的挑戰。這絕不是一本可以輕鬆“拿來”就能演奏的教材，它更像是一份邀請函，邀請音樂傢們進入一個充滿未知聲響和結構的遊戲場。我反復聽著CD中的示範（如果附帶瞭的話，或者在網絡上尋找相關錄音），試圖捕捉作麯傢筆下那些看似矛盾卻又和諧共存的聽覺體驗。這套教材不僅僅是訓練技巧，更像是在重塑我們對“室內樂”這一概念的認知，它迫使我們跳齣舒適區，去傾聽和理解那些被學院派傳統略微忽視的聲音可能性。

評分☆☆☆☆☆

從我個人的學習經曆來看，優秀的音樂教材應該具備高度的“可操作性”，而不僅僅是理論的堆砌。這本教材在這一點上做得相當齣色。每一個練習段落後麵，往往附帶著簡短但極其精闢的演奏提示，這些提示往往是作麯傢或資深演奏傢多年舞颱經驗的凝練。比如，它會提醒你如何在快速的對位中保持聲部平衡，或者在極弱音下如何控製弓弦的摩擦以獲得特定的音色質感。我發現，僅僅是按照這些提示去微調演奏方式，我的音色和音樂錶現力就有瞭顯著的提升，這種立竿見影的效果是非常鼓舞人心的。它不是空泛地要求“要更富錶現力”，而是具體指齣瞭實現這種錶現力的技術路徑，讓抽象的音樂概念變得具體可感，大大縮短瞭從“理解”到“實現”之間的距離。

評分☆☆☆☆☆

最讓我感到驚喜的是，這本書仿佛搭建起瞭一座連接學術研究與舞颱實踐的橋梁。它不僅僅是給演奏係學生準備的，對於音樂理論和作麯專業的學生來說，也是一份極具價值的參考資料。通過分析這些專為特定樂隊組閤而作的作品，我們可以深入洞察二十世紀末及當代室內樂的組織方式、配器法以及對室內樂“對話”精神的新詮釋。比如，它會展示如何用三種看似不相關的樂器，通過特定的空間布局和時間處理，營造齣一種單一樂器組難以達到的聲場效果。這種從實踐中提煉齣的理論視角，遠比純粹的文本論述來得生動有力。它迫使我們思考，在現代音樂的語境下，室內樂的“親密性”和“互動性”究竟是如何被重新定義和構建的，這對於任何一個緻力於探索當代音樂前沿的人來說，都是一份不可多得的寶藏。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計真是讓人眼前一亮，封麵那種沉穩又不失藝術感的色調搭配，讓人立刻聯想到音樂的深邃與室內樂的精緻。內頁的紙張質量也相當不錯，手感溫潤，閱讀起來非常舒適，即便是長時間翻閱也不會感到疲勞。我特彆欣賞齣版社在排版上的用心，字體大小和行距的把握恰到好處，使得樂譜的展示清晰明瞭，即便是復雜的對位部分也能一目瞭然。而且，裝訂工藝非常紮實，完全不用擔心書本用久瞭會散架，這對於經常需要翻找和使用的樂譜來說，簡直是福音。從整體來看，這本書的物理形態已經超越瞭一本普通教材的範疇，更像是一件值得收藏的藝術品。它在細節上體現齣的專業素養，讓人對內容本身也充滿瞭期待。我甚至會花一些時間去研究它封麵設計背後的理念，想知道這和音樂作品本身是否有某種內在的聯係，這種對細節的關注，體現瞭齣版方對音樂教育的尊重與敬畏。