融1为混合室内乐队而作贾达群上海音乐学院出版社教材9787806923085 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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贾达群 著

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• 混合室内乐
• 室内乐
• 贾达群
• 上海音乐学院出版社
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• 高等教育

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出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787806923085

商品编码：29859841655

页数：38

图书基本信息
书名：	融1：为混合室内乐队而作
丛书名：	中国现代室内乐作品系列
作者/主编：	贾达群
出版社：	上海音乐学院出版社
ISBN号：	9787806923085
出版年份：	2007年7月

版次：	第1 版
总页数：	38页
开本：	16
图书定价：	28元
实际重量：	240 g
新旧程度：	正版全新

贾达群，上海音乐学院教授、博士生导师、国务院学位委员会艺术学科评议组成员、全国艺术硕士学位教育指导委员会委员，上海音乐学院研究生部主任。其作品在国内外经常被演出并获得广泛好评，《弦乐四重奏》(1988)在日今东京“第十二届IRINO室内乐作曲比赛”中荣获大奖；被评为“20世纪华人经典”；《回旋曲》(1984)、《龙凤图腾》(1985)、《两乐章交响曲》(1986)、《巴蜀随想》(1996)等在作曲比赛中获奖。主要创作有交响曲、协奏曲、各种编制的室内乐数十部以及有关音乐分析和结构理论研究的论文数篇。

 通过使用不同的地域的代表性乐器，作品以严格文本演奏与即兴演奏交叉对置，准确控制与随机偶然相互作用，从而试图营造一种新的音乐风范并以此呈现出多元文化的融合。

好的，下面是一份详细的图书简介，内容不涉及您提到的那本书籍： 弦音之境：二十世纪中后期西方室内乐的创新与演变 导论：时代的脉动与室内乐的革新 本书旨在深入探讨二十世纪中后期（约1945年至2000年）西方室内乐在创作技法、演奏实践以及美学观念上所经历的深刻变革。这是一个充满剧烈社会动荡、技术飞速发展和艺术观念多元化的时代。传统的奏鸣曲结构和调性体系受到前所未有的挑战，作曲家们以前所未有的自由度探索声音的本质、空间的感知以及时间感知的重构。室内乐，作为一种介于独奏与大型管弦乐队之间的独特体裁，因其紧密的互动性、清晰的织体和对演奏家技艺的极高要求，成为了试验这些前沿思想的最佳载体。 本研究将聚焦于那些推动室内乐发展进入新纪元的关键流派、核心人物及其代表性作品，揭示技术创新如何服务于更深层次的音乐表达需求。 --- 第一部分：战后初期的探索与激进主义（1945-1960s） 二战后的欧洲和美国，弥漫着对既有秩序的反思与重建的渴望。这直接催生了对前卫音乐的追求，其中，序列主义（Serialism）占据了核心地位。 1. 序列主义的扩展与异化 勋伯格的十二音体系在战后被布列格（Pierre Boulez）、施托克豪森（Karlheinz Stockhausen）等继承并极端化，发展为十二音序列主义和总体序列主义（Total Serialism）。在室内乐领域，这意味着不仅音高，连音值、力度、音色乃至演奏法都被纳入严密的数学结构进行控制。 重点分析： 布列格的《为三位演奏者而作的结构》（Structures I & II）： 尽管主要针对钢琴和声乐，但其对矩阵和比例的运用深刻影响了彼时所有室内乐的构思方式。室内乐作品开始出现极端的节奏不对称和音区划分，要求演奏者具备超乎寻常的精准控制力。 施托克豪森的早期电子与声学融合： 在一些早期为少数乐器（如小提琴、单簧管和钢琴）而作的作品中，他试验将纯粹的声学演奏技巧与电子音乐的理念相结合，探索乐器发声的极限，为后来的“扩展技巧”（Extended Techniques）奠定了基础。 2. 噪音与偶然性：对“可控性”的反叛 与序列主义的严密逻辑相对立的，是约翰·凯奇（John Cage）带来的颠覆性影响。偶然性音乐（Aleatoric Music）彻底解放了作曲家对作品最终声音的控制权。 案例研究： 凯奇的《为任何乐器组合而作的音乐》（Music for...?）： 虽然这类作品不固定乐器组合，但它深刻地影响了主流室内乐团对“乐器”本身的认知。演奏者开始被视为声音的发现者而非单纯的再现者。 厄特勒尔（Morton Feldman）的静默空间： 费尔德曼则通过极简的音符密度、漫长的休止符和对音色细节的极端关注，创造出一种近乎冥想的室内乐体验。他的作品（如一些为弦乐四重奏而作的片段）要求听众和演奏者进入一种对时间流逝极其敏感的状态。 --- 第二部分：新调性、极简主义与声场重塑（1970s-1980s） 随着前卫主义的狂热逐渐冷静，音乐界开始转向寻求更具可听性、更贴近听觉感受的领域，室内乐也随之分化出多条路径。 1. 新调性与新浪漫主义的回声 对二十世纪初以来无调性写作的反思，促使部分作曲家重新引入或重新诠释调性元素，但这次的调性往往是片段式的、受限制的，或被赋予了非传统的情感色彩。 极简主义的渗透： 特里·莱利（Terry Riley）、史蒂夫·赖希（Steve Reich）和菲利普·格拉斯（Philip Glass）的极简主义美学开始进入室内乐。通过重复的动机、缓慢的相位移动（phasing）和简洁的材料，室内乐获得了强大的驱动力和一种近乎催眠的内省特质。 赖希的《为六人演奏的音乐》（Music for 18 Musicians）中的室内乐精神： 虽然是大型作品，但其核心的室内乐交织逻辑，影响了大量小型合奏团的作品，强调乐器间精确的对位和节奏的微妙变化。 2. 扩展技巧的常态化与色彩的拓宽 到了七十年代，使用非传统演奏方式——如在弦乐器上用弓背拉奏、在铜管乐器中吹奏非音高的气流声、或在木管乐器中发出喉音——不再是“噱头”，而是被系统地纳入作曲语言。 “语音学”的引入： 作曲家们开始将声音的“物理性”置于“音高”之上。室内乐团必须具备极高的多功能性，能够同时是传统的演奏群体和声音的发生实验室。例如，为长笛、单簧管、小提琴、大提琴和钢琴（五重奏）设计的作品，往往要求钢琴发出类似打击乐器的清脆声响，或要求弦乐器模仿人声的呼吸起伏。 --- 第三部分：后现代的并置与语境的重构（1990s至今） 进入九十年代，音乐思潮进入后现代阶段，作曲家们不再执着于发明全新的、排他性的系统，而是热衷于对历史进行引用、解构和融合。 1. 室内乐的剧场化与视觉参与 随着对听觉体验边界的不断探索，许多室内乐作品开始强调其在空间中的位置和演奏者的身体行为。 空间音乐（Spatial Music）： 乐器被分散放置于演奏厅的不同位置，声音的混合不再依赖于一个固定的声场中心，而是要求观众在移动中体验声音的交织。这种对声学空间的关注，是室内乐打破传统四方围坐模式的重要一步。 文本与表演的结合： 一些作品将音乐与剧本、独白或复杂的舞台指示结合起来，模糊了音乐会与戏剧的界限。室内乐团成为了一个微缩的戏剧实体，演奏家们的非音乐性行为（如静默凝视、特定走位）成为作品不可分割的一部分。 2. 微观结构与极度细节化 与宏大叙事和极端序列主义相对，一些作曲家转向了对极微小时间段内声音的极致分析和描绘，有时被称为“新复杂性”（New Complexity）或“谱系音乐”（Spectral Music）的室内乐应用。 谱系学的影响： 作品倾向于模拟复杂的物理声学现象，如泛音列的展开、共振的衰减或特定材料的微小震动。这要求演奏家对乐器音色的控制达到分子级别的精确，例如，精准控制一个低音提琴弓弦与琴码之间的摩擦力，以产生特定的“嘶嘶”或“沙砾”般的质感，而非清晰的音高。 结语：跨越流派的共性 二十世纪中后期的室内乐，是一个充满张力的熔炉。无论是高度结构化的序列主义，还是完全开放的偶然性；无论是极简主义的重复节奏，还是后现代的语境并置，这些作品共同指向了一个核心目标：扩展声音表达的可能性，并重新定义演奏家与乐器、作品与听众之间的关系。 室内乐凭借其规模的适中性，成为了这些激进观念得以清晰、有力呈现的理想平台。本书通过分析这些重要的转折点和代表性作品，勾勒出这一时期室内乐如何从一个古典的传统体裁，蜕变为当代音乐创新的前沿阵地。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是让人眼前一亮，封面那种沉稳又不失艺术感的色调搭配，让人立刻联想到音乐的深邃与室内乐的精致。内页的纸张质量也相当不错，手感温润，阅读起来非常舒适，即便是长时间翻阅也不会感到疲劳。我特别欣赏出版社在排版上的用心，字体大小和行距的把握恰到好处，使得乐谱的展示清晰明了，即便是复杂的对位部分也能一目了然。而且，装订工艺非常扎实，完全不用担心书本用久了会散架，这对于经常需要翻找和使用的乐谱来说，简直是福音。从整体来看，这本书的物理形态已经超越了一本普通教材的范畴，更像是一件值得收藏的艺术品。它在细节上体现出的专业素养，让人对内容本身也充满了期待。我甚至会花一些时间去研究它封面设计背后的理念，想知道这和音乐作品本身是否有某种内在的联系，这种对细节的关注，体现了出版方对音乐教育的尊重与敬畏。

评分☆☆☆☆☆

初次接触这本书的曲目时，我最大的感受是那种扑面而来的现代气息，它似乎毫不留恋传统和声的窠臼，大胆地探索了声音的边界。演奏者在面对这些作品时，无疑需要极高的技术掌控力和对非传统音响概念的理解。那些快速的、不规则的节奏型，以及要求乐器在非正常音域内发声的段落，都对演奏者的乐感提出了严峻的挑战。这绝不是一本可以轻松“拿来”就能演奏的教材，它更像是一份邀请函，邀请音乐家们进入一个充满未知声响和结构的游戏场。我反复听着CD中的示范（如果附带了的话，或者在网络上寻找相关录音），试图捕捉作曲家笔下那些看似矛盾却又和谐共存的听觉体验。这套教材不仅仅是训练技巧，更像是在重塑我们对“室内乐”这一概念的认知，它迫使我们跳出舒适区，去倾听和理解那些被学院派传统略微忽视的声音可能性。

评分☆☆☆☆☆

最让我感到惊喜的是，这本书仿佛搭建起了一座连接学术研究与舞台实践的桥梁。它不仅仅是给演奏系学生准备的，对于音乐理论和作曲专业的学生来说，也是一份极具价值的参考资料。通过分析这些专为特定乐队组合而作的作品，我们可以深入洞察二十世纪末及当代室内乐的组织方式、配器法以及对室内乐“对话”精神的新诠释。比如，它会展示如何用三种看似不相关的乐器，通过特定的空间布局和时间处理，营造出一种单一乐器组难以达到的声场效果。这种从实践中提炼出的理论视角，远比纯粹的文本论述来得生动有力。它迫使我们思考，在现代音乐的语境下，室内乐的“亲密性”和“互动性”究竟是如何被重新定义和构建的，这对于任何一个致力于探索当代音乐前沿的人来说，都是一份不可多得的宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材编排逻辑，透露出一种深思熟虑的教学梯度。它不像有些教材那样，要么过于晦涩难懂，要么过于浅显无用，而是巧妙地将难度层层递进，引导学习者逐步适应作曲家的创作语汇。第一部分的练习也许还能看到一些古典的影子，但越往后读，那种结构上的复杂性和织体上的密度就呈几何级数增长。这对于指导教师来说，是一个极好的工具，因为他们可以根据学生的实际水平，灵活选取不同深度的练习片段进行剖析和讲解。我特别喜欢其中关于如何处理“噪音”与“音高”之间模糊界限的提示，这些往往是学生在演奏现代作品时最容易感到困惑的地方。它没有给出僵硬的答案，而是通过具体的音乐片段，提供了一种思考框架，让学生学会自己去建构对作品的解释体系，这才是真正意义上的“授人以渔”。

评分☆☆☆☆☆

从我个人的学习经历来看，优秀的音乐教材应该具备高度的“可操作性”，而不仅仅是理论的堆砌。这本教材在这一点上做得相当出色。每一个练习段落后面，往往附带着简短但极其精辟的演奏提示，这些提示往往是作曲家或资深演奏家多年舞台经验的凝练。比如，它会提醒你如何在快速的对位中保持声部平衡，或者在极弱音下如何控制弓弦的摩擦以获得特定的音色质感。我发现，仅仅是按照这些提示去微调演奏方式，我的音色和音乐表现力就有了显著的提升，这种立竿见影的效果是非常鼓舞人心的。它不是空泛地要求“要更富表现力”，而是具体指出了实现这种表现力的技术路径，让抽象的音乐概念变得具体可感，大大缩短了从“理解”到“实现”之间的距离。