欧洲音乐简史第二版钱仁康高等教育出版社9787040213904 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钱仁康 著

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• 欧洲音乐史
• 音乐史
• 西方音乐
• 钱仁康
• 高等教育出版社
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• 古典音乐
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出版社： 高等教育出版社

ISBN：9787040213904

商品编码：29859862621

出版时间：2007-06-30

页数：217

图书基本信息
书名：	欧洲音乐简史（第二版）
丛书名：	普通高等教育“十一五”规划教材
作者/主编：	钱仁康
出版社：	高等教育出版社
ISBN号：	9787040213904
出版年份：	2007年

版次：	第2版
总页数：	217页
开本：	1/16
图书定价：	30.70元
实际重量：	440g
新旧程度：	正版全新

《欧洲音乐简史(第2版)》是普通高等教育“十一五”规划教材,高等院校音乐系列教材之一。 钱仁康，男，1914年生，江苏无锡人。上海音乐学院教授，音乐理论家。1941年毕业于国立音乐专科学校本科，20世纪40年代后期致力于音乐理论研究。学术研究领域包括：音乐创作、中国音乐研究（中国作曲家及作品、乐曲考源、翻译古谱）、外国音乐研究（外国作曲家及作品、为外曲译词配曲）、世界研究、中西音乐比较研究．迄今为止，主要成果为：创作歌剧2部、出版著作22部、撰写文章300多篇、译词配曲1000多首。2001年5月获由中国文联和中国音协颁发的首届中国音乐金钟奖（音乐的高荣誉和终身奖），同年获得第二届区永熙音乐教育奖。

前言章 古希腊古罗马音乐节 古希腊生活中的音乐第二节 荷马史诗、抒情诗和颂歌第三节 悲剧与喜剧第四节 音阶调式和记谱法第五节 古希腊的乐器第六节 古希腊的音乐哲学第七节 古罗马音乐 第二章 中世纪教会音乐节 基督教歌曲的形成第二节 格列高利圣咏第三节 教会调式第四节 圭多与记谱法第五节 复调音乐的萌芽与发展 第三章 中世纪世俗音乐节 流浪艺人第二节 法国的游吟诗人第三节 德国的爱情歌手第四节 中世纪的乐器第五节 古艺术与新艺术 第四章 文艺复兴时期的音乐节 勃艮第乐派第二节 佛兰德乐派第三节 威尼斯乐派和罗马乐派第四节 宗教改革与新教音乐 第五章 巴罗克时期的声乐音乐节 歌剧的诞生与威尼斯歌剧乐派第二节 那不勒斯歌剧乐派与正歌剧第三节 清唱剧和康塔塔 第六章 巴罗克时期的器乐音乐节 巴罗克时期的乐器第二节 巴罗克奏鸣曲第三节 巴罗克协奏曲第四节 巴罗克序曲第五节 管风琴音乐 第七章 巴罗克音乐大师节 约翰·塞巴斯蒂安·巴赫第二节 乔治·弗里德里克·亨德尔 第八章 前古典主义时期音乐节 典雅风格和动情风格第二节 趣歌剧和喜歌剧第三节 格鲁克的歌剧改革第四节 交响曲和曼海姆乐派 第九章 维也纳古典乐派节 弗朗茨·约瑟夫·海顿第二节 沃尔夫冈·阿马德乌斯·莫扎特第三节 路德维希·范·贝多芬 第十章 早期浪漫主义乐派节 卡尔·玛里亚·冯·韦伯第二节 弗朗茨·舒伯特第三节 埃克托·柏辽兹第四节 费利克斯·门德尔松第五节 罗伯特·舒曼第六节 弗雷德里克·肖邦 第十一章 中期浪漫主义乐派节 弗朗茨·李斯特第二节 理查德·瓦格纳第三节 安东·布鲁克纳第四节 约翰内斯·勃拉姆斯第五节 塞扎尔·弗朗克第六节 彼得·伊里奇·柴科夫斯基 第十二章 后期浪漫主义乐派节 胡戈·沃尔夫第二节 古斯塔夫·马勒第三节 理查德·施特劳斯第四节 谢尔盖·瓦·拉赫玛尼诺夫第五节 亚历山大·尼·斯克里亚宾 第十三章 法国和意大利的浪漫主义歌剧节 法国大歌剧第二节 法国喜歌剧、趣歌剧和抒情歌剧第三节 意大利歌剧：从罗西尼到威尔第第四节 真实主义歌剧 第十四章 民族乐派节 俄国民族乐派第二节 波希米亚（捷克）民族乐派第三节 匈牙利民族乐派第四节 波兰和罗马尼亚民族乐派第五节 挪威和芬兰民族乐派第六节 英国和西班牙民族乐派 第十五章 20世纪音乐节 印象主义音乐第二节 表现主义音乐第三节 新原始主义和新古典主义音乐第四节 序列主义音乐第五节 具体音乐和电子音乐第六节 机遇音乐和概率音乐第七节 苏联音乐后记

 《欧洲音乐简史(第2版)》是普通高等教育“十一五”规划教材。第二版在原版的基础上，全面吸收了学科新的研究成果，以欧洲音乐的发展为主线，分阶段对欧洲各时期音乐的发展脉络进行梳理，对各个历史时期的重要音乐风格、作曲家和作品进行精要介绍。

作者是的欧洲音乐史学家，其语言阐述极其精练、准确、而概括，对于非音乐史的教学，《欧洲音乐简史(第2版)》篇幅适当，较为适合课时安排。书中还附有珍贵的作曲家肖像、乐器、表演图片，是读者了解欧洲音乐发展历程的轻松而简明的读物。
《欧洲音乐简史(第2版)》除可供高等院校音乐使用外，也是考研的参考书，同时也可作为广大音乐爱好者的普及性读物。

西方音乐的宏伟画卷：从古希腊到二十世纪的流变与探索 一、 序曲：奠基与曙光——西方音乐的远古回响与中世纪的信仰之声 本卷聚焦于西方音乐文明的源头活水与漫长中世纪的深邃沉淀。我们首先探寻古希腊的音乐哲学与实践，理解“和谐”（Harmonia）概念如何成为西方美学思考的基石，从毕达哥拉斯的音程奥秘到柏拉图对音乐伦理的论述，揭示音乐在古代社会中“教化人心”的崇高地位。 继而，视角转向罗马帝国的衰落与基督教的兴起。中世纪的音乐生活，几乎完全依附于教会的仪式与赞美。本书将详细梳理格里高利圣咏的形成与发展，分析其单音音乐（Monophony）的特征、不同调式（Modes）的运用及其对后世音乐结构思维的深远影响。通过对早期记谱法——纽姆符号（Neumes）的演变过程的细致考察，读者将得以一窥音乐从口头传承走向精确记录的历史性飞跃。 中世纪晚期，世俗音乐力量开始觉醒。本书将深入剖析游唱诗人（Troubadours）与“洒脱诗人”（Trouvères）在法国南部和北部创作的爱情叙事诗与歌谣，以及德语区的“吟游诗人”（Minnesänger）。这些作品不仅是研究中世纪社会风俗的珍贵史料，也标志着音乐表现主题从纯粹的神圣转向了对世俗情感的细腻捕捉。同时，我们也将关注早期复调音乐的突破，如奥尔加农（Organum）的出现，以及巴黎圣母院乐派（Notre Dame School）中佩罗坦（Pérotin）等人如何将严格的节奏概念引入音乐，为西方复调艺术的未来铺设了坚实的理论和实践基础。 二、 辉煌的重生：文艺复兴的和谐之梦与对位法的精湛雕琢 文艺复兴时期是人文主义精神照亮艺术的时代。音乐摆脱了教会的绝对桎梏，开始以人为中心进行探索。本部分着重分析“复兴古典精神”如何体现在音乐创作中，即追求清晰、平衡与表达人类情感的合理性。 我们将系统梳理十五世纪布兰迪亚（Binchois）、杜飞（Dufay）等“勃艮第乐派”的风格过渡，直至约瑟夫·奥克冈（Josquin des Prez）将“模仿复调”（Imitative Counterpoint）推向成熟的巅峰。奥克冈的作品标志着对位法技巧达到了前所未有的复杂与精妙，旋律线条的交织如同织锦般缜密。 此外，世俗音乐的繁荣催生了新的体裁：法国香颂（Chanson）和意大利的“俗谣”（Frottola）。这些作品以更清晰的文本处理和更具情感色彩的和声而著称。宗教音乐方面，弥撒曲和经文歌（Motet）的创作风格也趋于统一，强调文本的可理解性，这与特伦特会议（Council of Trent）的精神不无关系。 十六世纪中叶，音乐的变革加速。意大利牧歌（Madrigal）的兴起，体现了对歌词情感（Word Painting）的极致追求，音乐与诗歌的结合达到了高度的戏剧性。晚期文艺复兴的音乐大师如帕莱斯特里纳（Palestrina）及其所代表的罗马乐派，以其纯净、平滑的复调风格，成为宗教音乐的典范。本书将细致对比这些不同地域和体裁音乐在织体、和声语言以及表情处理上的差异。 三、 戏剧性的爆发：巴洛克的激情、炫技与宏伟叙事 巴洛克时期（约1600-1750年）是西方音乐史上最富于戏剧张力和技术创新的一个阶段。本章将重点解析“巴洛克精神”的核心特征：对情感的强烈表达（Affekti）、对对比手法的偏爱，以及“通奏低音”（Basso Continuo）作为骨架的织体革新。 开篇探讨蒙特威尔第（Monteverdi）如何通过《奥尔费奥》（L'Orfeo）等作品，确立了歌剧（Opera）这一新的综合艺术形式，将戏剧冲突、音乐抒情与舞台表演完美融合。随后，我们将追踪歌剧在意大利、法国和德国的地域性发展，分析法国歌剧的“咏叙调-咏叹调”结构与芭蕾元素的结合，以及德国歌剧对宗教题材的偏爱。 器乐领域同样风起云涌。协奏曲（Concerto）体裁的成熟，特别是科雷利（Corelli）和维瓦尔第（Vivaldi）对大协奏曲（Concerto Grosso）和独奏协奏曲的贡献，确立了快-慢-快的三乐章结构范式。奏鸣曲（Sonata）和组曲（Suite）的创作也日益精湛。 巴赫（J.S. Bach）和亨德尔（G.F. Handel）是巴洛克艺术的集大成者。本书将深入分析巴赫对对位法和赋格曲（Fugue）的巅峰运用，考察其键盘作品如《平均律钢琴曲集》如何系统性地探索所有大小调的可能性。同时，也将解析亨德尔在清唱剧（Oratorio）领域的成就，特别是其宏大合唱的史诗气魄。对巴洛克时期精湛的“装饰音技巧”和“即兴演奏传统”也将进行必要的阐述。 四、 典雅与清晰的追求：古典主义的均衡之美与形式的规范 古典主义时期（约1730-1820年）标志着音乐从巴洛克的复杂装饰转向了对清晰、平衡和普适性美的追求。这与启蒙运动的理性思潮紧密相关。 本部分聚焦于“奏鸣曲式”（Sonata Form）——古典主义音乐最核心的结构原理。我们将详细剖析海顿（Haydn）如何被称为“交响曲之父”，他在确立四乐章交响曲和弦乐四重奏的规范中所起的作用。莫扎特（Mozart）的音乐则展现了旋律的完美无瑕和情感表达的内敛优雅，其歌剧，如《费加罗的婚礼》，展现了对人物心理入木三分的刻画。 高潮部分自然是路德维希·凡·贝多芬（Beethoven）的伟大创新。他的作品既继承了古典主义的严谨形式，又以强大的内心驱动力，突破了既有界限。从早期的和谐到中期的英雄气概，再到晚期的深刻冥想，贝多芬的工作室如何逐渐将个人意志注入到宏大的音乐叙事中，成为浪漫主义的先声，本书将进行细致的分析。同时，对钢琴音乐（如奏鸣曲）和室内乐在这一时期的显著发展也将给予充分的关注。 五、 情感的喷薄：浪漫主义的个体叙事与民族色彩的浮现 随着十九世纪的到来，音乐的主题从“普适性美”转向“个体经验”与“无限的渴望”。浪漫主义（Romanticism）强调想象力、情感的深度体验、对自然的崇拜以及对超自然世界的向往。 本章将探讨“抒情性”在音乐中的主导地位，以及旋律、和声色彩和配器技术的空前发展。舒伯特（Schubert）对艺术歌曲（Lied）的创新，如何将诗歌的意境与钢琴伴奏融为一体，是本阶段的标志性成就。 随着音乐会的普及，大型管弦乐队得到空前发展，柏辽兹（Berlioz）的“标题音乐”（Program Music）概念，如《幻想交响曲》，以及李斯特（Liszt）对“交响诗”（Symphonic Poem）的开创，标志着音乐叙事能力的极大拓展。 民族乐派（Nationalism）的兴起是浪漫主义后期的重要趋势。我们将考察俄罗斯五人组（Mighty Handful）、捷克的德沃夏克（Dvořák）和斯美塔那（Smetana）等作曲家，如何从民间音乐、传说和历史中汲取灵感，构建具有独特民族身份的音乐语言。同时，晚期浪漫主义的巨匠如瓦格纳（Wagner）对“主导动机”（Leitmotif）的系统运用及其“整体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的理念，将作为对歌剧传统的颠覆性探索进行深入剖析。 六、 破碎与重构：二十世纪音乐的多元探索与技法革命 进入二十世纪，西方社会剧变，音乐也随之进入了一个“多元化”和“不和谐”的时代。旧有的调性体系在瓦解，作曲家们以前所未有的自由探索声音的可能性。 本部分将系统梳理二十世纪初的几次重大“主义”运动。首先是后浪漫主义的延伸，如马勒（Mahler）对管弦乐潜能的榨取，以及理查·施特劳斯（R. Strauss）在交响诗中对管弦乐色彩的精微描绘。 接着，我们将进入对传统调性的彻底反叛：勋伯格（Schoenberg）在自由无调性（Free Atonality）阶段的探索，以及其后建立的十二音体系（Twelve-Tone Technique）的严格逻辑。斯特拉文斯基（Stravinsky）的《春之祭》所带来的原始节奏的爆发力，标志着对传统“美感”的颠覆。 中叶之后，音乐的疆界进一步被拓宽：德彪西（Debussy）和拉威尔（Ravel）的印象主义如何通过模糊的和声色彩捕捉瞬间的听觉感受；野口（Varèse）对噪音和非音高元素的研究；以及战后先锋派的激进尝试，如序列主义（Total Serialism）、随机音乐（Aleatoric Music）的出现。 最后，本书将简要回顾电子音乐、具体音乐（Musique concrète）的诞生，以及极简主义（Minimalism）对重复与过程的关注，展示二十世纪音乐在“形式”、“声音”和“功能”上所经历的彻底重构，为当代音乐的发展描绘出清晰的脉络。

评分☆☆☆☆☆

从学术深度和广度的角度来看，这本书的参考文献和注释体系做得非常扎实，这对于任何想要进行更进一步研究的读者来说，都是至关重要的。随便翻开一页，你会发现脚注里充满了对其他重要论著的引用和对比分析，这表明作者在撰写过程中做了海量的案头工作，绝非信手拈来。更难能可贵的是，这些注释并没有打断阅读的流畅性，它们被巧妙地放置在页脚，需要时可以查阅，不影响整体阅读的节奏。这种严谨的态度，也让这本书在面对一些音乐史上的争议性问题时，能够提供多角度的参考，而不是武断地下结论。它更像是一个可靠的向导，引导你去探索更广阔的知识领域，而不是简单地提供标准答案。这份学术上的诚意，是衡量一本优秀教材的关键标尺。

评分☆☆☆☆☆

这本书在跨文化和技术演进的结合点上，提供了非常精彩的论述。它没有将音乐仅仅视为纯粹的艺术品，而是将其置于当时的社会、技术和哲学思潮的大背景下进行考察。例如，当讲到管弦乐队编制的变革时，作者会顺带提及当时乐器制作材料和技艺的进步，以及这种进步如何反过来影响了作曲家的创作手法，比如对音色和动态范围的拓展。又比如，在讨论浪漫主义时期民族乐派的兴起时，作者也联系到了当时欧洲的民族主义思潮和民间音乐的收集整理工作。这种多维度的交叉分析，使得音乐史不再是孤立的一门学科，而是与其他社会科学紧密相连的有机整体。通过这种方式，读者不仅听到了“音乐”本身，更理解了“为什么是这样的音乐”在那个特定的历史时刻发生。

评分☆☆☆☆☆

我尤其关注那些关于“小人物”和“非主流”音乐家的论述，因为很多通史往往会把焦点过度集中在那些名垂青史的巨匠身上，导致我们对那个时代整体音乐生态的认知出现偏差。这本书在这方面做得非常平衡。它不只是罗列了那些耳熟能详的名字，更花了相当的篇幅去探讨那些在特定区域或特定流派中做出贡献的作曲家、演奏家，甚至是乐器制造商。比如，对于早期歌剧发展中那些地方性流派的描写，就显得尤为细致和有洞察力。这让读者得以窥见一个更加立体、更加多元的音乐世界，理解到音乐的进步从来都不是单线前进的，而是无数次尝试、错误、融合与突破的结果。这种对细节的挖掘，让这本书的厚重感和权威性都大大增强，不再是那种流于表面的“快餐式”音乐史阅读体验。

评分☆☆☆☆☆

作者在叙事上的功力，简直是教科书级别的示范。他没有采用那种干巴巴的、堆砌史实的冷漠口吻，而是像一位老教授在壁炉边，娓娓道来那些尘封已久的音乐故事。听他讲巴赫的赋格如何精妙绝伦，听他描述莫扎特创作《安魂曲》时的心境，你会觉得那些遥远的年代突然就鲜活了起来，仿佛能亲耳听到当年的音乐是如何在特定的历史背景下诞生的。这种“讲故事”的能力，极大地降低了古典音乐史的门槛。很多严肃的学术著作读起来像在啃石头，硬邦邦的，但这本书却充满了人情味和对艺术的深切热爱。我尤其欣赏作者对不同时期风格演变脉络的梳理，那种逻辑上的连贯性和层次感，让人在脑海中构建起了一张清晰的欧洲音乐发展的时间轴，而不是零散的知识点。这种叙事的高明之处在于，它既满足了深度学习的需要，又照顾到了初学者对背景和情感铺垫的渴望。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版实在让人眼前一亮，开本拿在手里分量适中，纸张的质感也相当不错，阅读体验瞬间提升了好几个档次。特别是那些乐谱的插图部分，印刷得非常清晰，即便是那些复杂的对位和和声进行，也能一眼看清，这对于我们这些业余爱好者来说简直是福音。我记得上次看到一本音乐史，那些黑白印刷的乐谱简直是模糊得让人抓狂，很多细节都看不清楚，简直是在考验读者的视力。但这一本完全没有这个问题，出版社在细节上的用心程度可见一斑。而且，装帧设计也很有品味，封面低调中透着古典的韵味，放在书架上也是一件赏心悦目的藏品。装订方面也处理得很好，翻阅起来很顺畅，不用担心书本很快就会散架，感觉能陪我度过很长一段时间的学习时光。对于一本需要反复查阅的工具书来说，好的物理形态本身就是一种无形的加分项，它能让人更愿意亲近和使用它，而不是束之高阁。