律动乐器 社群舞蹈指导手册 杰克琳 卡莉 上海音乐出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 海源阁图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311631

商品编码：29868465590

丛书名： 社群舞蹈指导手册

目录

 

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罗伊斯顿·马尔顿的简介罗伊斯顿·马尔顿的前言作者的前言章 准备工作 一、何谓社群舞蹈？ 二、我是否能胜任社群舞蹈项目？ 三、如何开启一次社群舞蹈项目？ 四、在社区的中心舞蹈第二章 具体实践 一、纪律 (一)前摄纪律 (二)应对扰乱行为 (三)贯彻纪律的手段 (四)和教师或者其他相关责任人易引起的摩擦点 二、实践中的凝神练习 三、舞蹈工作坊中的即兴编舞练习——破冰和热身训练 四、针对团体以演出为目的的即兴发挥练习 五、技能与挑战 六、登台演出 (一)给初涉编舞者的一些建议 (二)针对团体的建议 (三)演出服装 (四)照明 (五)宣传和新闻发布会第三章 后续思考 一、持久性：我究竟何去何从？ 二、持续性：举例、建议、期望值 (一)赢得观众， (二)舞蹈节 (三)“社区中的舞蹈艺术家”：社群舞蹈领域的相关固定岗位 (四)指导 (五)有志向的儿童和团体 (六)资金支持第四章 附录 附录一 社群舞蹈项目要求自检清单 附录二 支持社群舞蹈在中小学中设立舞蹈课程的几个论点 附录三 网络链接和参考文献 (一)网络连接 (二)参考文献 作者简介

 

内容提要

 

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什么是社群舞蹈？舞蹈如何改变人们的生活—— 不论其年龄、身体素质或社会背景？舞蹈是否有可能 走出（芭蕾）舞蹈工作室，走进社会、走进学校，并 从中孕育出一部舞蹈作品？ 罗伊斯顿·马尔顿不仅因获奖纪录片《舞动柏林 》闻名于世，*是因为其作为社群舞蹈的带头人和领 军人物而为人熟知。杰克琳·卡莉*的《社群舞蹈指 导手册(原版引进)》的出版，终于让读者有机会认识 和了解他的舞蹈理念和工作方式。
这本书涵盖了关于舞蹈和社群舞蹈*基本、普遍 的原理和理念，包括工作原则、热身建议和相关配套 练习，还回答了“作品首秀之后应该做什么？”这个 问题。
这本书提供了许多社群舞蹈的实践案例，与此同 时，也在社群舞蹈项目建立、管理和执行等方面给出 了非常详实的建议和提示。
社群舞蹈是一个新兴并在不断壮大的舞蹈领域， 本书旨在为那些对该领域感兴趣的群体提供帮助和参 考，包括舞蹈编导、舞蹈艺术家、舞蹈教育者以及教 师等群体。

 

《乐舞交织：从古至今的舞蹈与器乐互动探源》 引言：听见律动，看见形体 音乐与舞蹈，如同孪生子般，自人类文明伊始便紧密相连，相互激发，共同演化。本册深入探讨的并非某一特定流派的教学实践，而是追溯音乐（特别是器乐）如何成为舞蹈的骨架、血肉与灵魂的过程，以及舞蹈形态在不同历史时期对乐器使用、演奏方式乃至音乐创作产生的反作用力。我们将跨越地理、文化与时间，审视这些“无声的对话”如何塑造了人类的集体记忆与个体表达。 第一章：史前回响与仪式之舞——鼓点与原始律动 在文字出现之前，律动便是交流的方式。本章聚焦于人类早期社群中，简单而强有力的器乐形式——主要是打击乐器（如石块、木棒、原始鼓）——如何直接驱动身体的集体运动。 祭祀与狩猎：身体的模仿与祈愿： 探讨史前壁画和人类学研究中反映出的，舞蹈如何作为模仿狩猎过程或祭祀自然的仪式载体。此时的器乐，其作用并非提供复杂的旋律，而是确立统一、稳定的节拍基础，用以协调群体动作，增强社群凝聚力。节奏即是命令，节奏即是信仰。 早期簧片与骨笛：旋律的萌芽： 考察已知最早的吹奏乐器（如骨笛）在仪式中的角色。它们发出的单一或有限的音高，如何为相对复杂的、叙事性的舞蹈提供情感基调的铺垫，而不是作为纯粹的伴奏。 第二章：古典文明的舞台——礼制、美学与管弦的构建 进入古典时代，随着社会结构的复杂化和哲学思想的兴起，音乐和舞蹈开始被纳入更严谨的理论体系。 古希腊的“乐舞同源”： 深入分析柏拉图和亚里士多德哲学中对“乐（Mousikē）”的定义，它涵盖了诗歌、音乐和舞蹈的统一体。重点分析基塔拉琴（Kithara）与阿夫洛斯管（Aulos）在戏剧（尤其是悲剧中）中对叙事节奏的精确引导。舞蹈在此阶段开始承担道德教化的功能，器乐的选择直接服务于此目标。 东方典雅的规范：中国雅乐与“中和之美”： 考察周代礼乐制度下，编钟、编磬与雅乐舞的关系。重点阐释“中正平和”的审美如何要求舞蹈动作必须与严格的宫调体系保持对应，器乐的编制（如八音的配置）直接决定了舞蹈队伍的规模和队列结构。 第三章：中世纪的钟声与宫廷的方寸——信仰与世俗的张力 中世纪的欧洲，音乐和舞蹈的叙事重心从公共祭祀转向教会与封建贵族的私人空间。 教堂的圣咏与信徒的静默： 探讨在弥撒中，人声合唱如何成为主导，乐器（尤其是在早期）的缺失或受限，如何迫使舞蹈行为退居次席，或者演化为更加内敛、符号化的肢体语言（如宗教游行）。 游吟诗人的鲁特琴与骑士之舞： 分析鲁特琴（Lute）和维奥尔琴（Vielle）的兴起如何为世俗舞蹈提供了更轻盈、更具抒情性的伴奏。本节会解析早期宫廷“化装舞会”或“圆舞曲”的雏形中，器乐的织体如何从简单的旋律线发展为更复杂的对位，以支撑更具互动性的舞伴动作。 第四章：巴洛克与古典主义的交响——精确的机械与情感的爆发 17世纪至18世纪，器乐的复调技术达到顶峰，这为舞蹈艺术提供了前所未有的“结构化”基础。 巴洛克时期：赋格与芭蕾的对位： 详细分析巴赫、亨德尔的作品中，严谨的对位法如何被应用于芭蕾舞的编排。例如，大提琴组曲或协奏曲中旋律线的交织，如何对应舞者在舞台上的空间移动、追逐与分离。我们关注特定乐器组（如弦乐四重奏）的音色变化如何标记舞蹈情绪的转折点。 古典主义的清晰：奏鸣曲式与舞蹈结构： 探讨海顿和莫扎特的音乐中，清晰的呈示部、发展部和再现部如何成为贵族舞蹈（如小步舞曲 Minuet、快板 Allegro）段落划分的蓝图。舞蹈编排不再是简单的重复，而是对音乐主题发展的视觉化诠释。 第五章：浪漫主义的激情与民族主义的色彩——个人表达与国家身份 19世纪，器乐开始强调个体情感的极致抒发，这直接解放了舞蹈的身体表达。 钢琴的独白与抒情独舞： 分析肖邦、李斯特等人的作品，钢琴的音域拓展和踏板的广泛使用，如何赋予了舞蹈家前所未有的自由度，使之能捕捉瞬间的、脆弱的内心体验，催生了浪漫主义芭蕾的诸多经典。 民族乐器的回归与民间舞蹈的升华： 探讨德彪西、巴拉基列夫等作曲家如何将本民族的民间乐器（如东欧的木管乐器、俄罗斯的民间打击乐）的音色和节奏母题融入大型管弦乐作品，并如何反哺到民族舞蹈的复兴与舞台化（如西班牙舞曲的强化）。 第六章：20世纪的断裂与融合——爵士、电子与身体的自由解放 进入现代，传统器乐的统治地位被打破，新的声音和全新的节奏系统颠覆了既有的舞蹈规范。 爵士乐的切分音与现代舞的爆发： 深入解析爵士乐（特别是摇摆乐和比波普）中复杂的切分音（Syncopation）和即兴段落，如何激发了现代舞（Modern Dance）对地面、重力、非对称性的探索，打破了古典芭蕾对垂直线条的执念。重点分析萨克斯风、小号的“呼喊”如何成为舞者身体张力的外化。 电子音乐与合成器的拓扑学： 考察20世纪后半叶，合成器（Synthesizer）和采样技术如何提供了一种前所未有的、超越传统乐队编制的声音景观。这种均匀、持续、甚至非人声的律动，如何促成了后现代舞（Postmodern Dance）对“去中心化”和“非叙事性”的追求，舞者不再仅仅是音乐的解释者，而是声音环境的参与者。 结语：未完成的协奏曲 从原始的击打到复杂的电子合成，器乐与舞蹈的关系始终处于动态的“对话”之中。本研究旨在揭示，每一次音乐技术的革新，都必然伴随着身体表达边界的拓展；而每一次对身体自由的渴望，也反过来塑造了下一代作曲家对“节奏”和“和声”的理解。乐器不仅是伴奏的工具，更是激发人类创造力，连接历史与当下的文化媒介。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅时，我立刻被其排版和图文的编排方式所吸引。不同于市面上常见的那种枯燥乏味的说明书式排版，这本书的内页设计充满了灵动的气息。我想，作者在设计排版时，一定深入研究了舞蹈指导的实际需求，字体的选择既保证了清晰易读，又不失设计感，大段的文字叙述中穿插着精心绘制的动作分解图，那些线条流畅、比例精确的插图，仿佛能带着读者的身体去预演每一个步骤。更难得的是，在讲解乐器与节奏配合的部分，他们似乎找到了某种平衡点，使得原本可能晦涩难懂的音乐理论，被转化成了人人都能理解和上手的实践指南。这种对细节的极致追求，体现了编著者对推广社群舞蹈艺术的真正用心，绝不是应付了事，而是希望每一位使用者都能从中获得即时的、可操作的帮助。

评分☆☆☆☆☆

从内容构建的逻辑来看，这本书的体系构建得极为扎实和全面。它显然不是简单地堆砌了一些舞蹈动作或乐器知识，而是建立了一套完整的、可复制的“社群舞蹈项目构建与实施”框架。我可以推测，它一定涵盖了从最初的市场调研、目标人群分析，到具体的课程设计、乐器选择的建议，再到活动组织、风险控制等一系列实操层面的内容。这种宏观的视野和微观的执行细节兼顾的编写手法，让这本书的适用性极大地拓宽了。对于一个初次尝试组织这类活动的组织者来说，它提供了一张清晰的路线图；而对于已经有经验的专业人士，其中或许蕴含着尚未被挖掘的优化思路和创新点。它似乎在告诉你，组织一场成功的社群舞蹈活动，需要哪些环节协同作用，缺一不可。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常具有亲和力，读起来完全没有高高在上的理论说教感，更像是与一位经验丰富的舞蹈导师进行面对面的交流。它的文字描述充满了画面感和感染力，尤其是在描述如何引导不同年龄、不同背景的社群成员进入舞蹈状态时，那种循序渐进、充满鼓励的语气，让人感到非常温暖和安心。我能想象，在实际的教学场景中，当学员遇到困难或感到气馁时，手册中的这些“导师之语”一定能起到及时的疏导和激励作用。这种注重心理建设和情感连接的指导方式，是很多技术性手册所欠缺的，它深刻理解了社群舞蹈的核心价值——在于连接和共享快乐，而非仅仅是动作的完美复刻。这种人文关怀的融入，使得这本书的价值超越了纯粹的技术指导范畴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计简直就是一场视觉的盛宴，色彩的搭配大胆而富有活力，让人一眼就能感受到其中蕴含的热情与律动感。装帧的质感也非常好，拿在手里沉甸甸的，透露出一种专业和厚重的气息，一看就知道里面收录的内容绝非泛泛之辈。特别喜欢封面上那种抽象的几何图形与乐器剪影的巧妙结合，既现代又富有传统韵味，让人对即将翻开的篇章充满了美好的遐想。这不仅仅是一本手册，更像是一件精心打磨的艺术品，光是摆在书架上，都能为空间增添一份艺术气息和对音乐舞蹈的热爱。我猜想，里面的内容一定也像封面一样，经过精心编排，条理清晰，结构严谨，能够引领读者进入一个充满节奏和美感的全新世界。书名本身就极具号召力，将“律动”、“乐器”与“社群舞蹈”这三个元素巧妙地串联起来，让人不禁好奇，到底是如何将这些看似独立的领域融合在一本指导手册中的，这种创新性的尝试本身就值得称赞。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出版机构——上海音乐出版社，本身就自带一种品质保证的光环，让人对其内容的专业性和权威性抱有极高的期待。音乐出版社的背景意味着其在音乐理论、实践案例的收集和审核上，拥有得天独厚的资源优势。因此，我可以断言，书中对于乐器与节奏的解析，必然是基于扎实的音乐学基础，绝非皮毛之论。这种专业深度的加持，使得这本指导手册在众多同类出版物中脱颖而出，它不仅能教你“怎么做”，更能让你明白“为什么这么做”，从而真正实现从“模仿”到“理解”的飞跃。对于严肃对待社群文化建设和音乐教育普及工作的人来说，这无疑是一部值得长期珍藏和反复研读的工具书和参考典籍。