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莫丽芸 著

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店铺： 巧艺图书专营店

出版社： 当代中国出版社

ISBN：9787801707321

商品编码：29906727608

包装：平装

出版时间：2008-08-01

基本信息

书名:中国京剧

定价：34.00元

售价：23.8元,便宜10.2元,折扣70

作者:莫丽芸

出版社：当代中国出版社

出版日期：2008-08-01

ISBN：9787801707321

字数：

页码：126

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.300kg

编辑推荐

《中国京剧》以清晰、简洁的叙述，丰富多彩的图片展示，使读者在轻松、愉悦的阅读过程中，了解京剧、感受京剧之美。有着悠久历史的京剧，在当下仍然焕发着生机与活力，不但活跃在戏曲舞台上，还走进校园，走上课堂。在中外文化交流日益活跃的今天，京剧更是吸引着越来越多的国际友人。

内容提要

《中国京剧》比较全面地介绍了京剧的形成、行当、服饰、脸谱、表演程序、流派以及经典剧目等，以平实的文字和生动的图片，让国内外读者获得对京剧的基本了解，欣赏和感受京剧独特的艺术魅力。京剧是中国文化具象征意义的符号之一。京剧的特点鲜明、技艺精湛、形式多样、内涵丰富，引人入胜的无穷魅力，几百年来兴盛不衰。京剧具有较强的艺术表现力，一唱一念、一招一式、一颦一笑，均韵味无穷、耐人寻味，还有五光十色的脸谱、精致华美的行头，富有文化内涵，又让人心醉神迷。

目录

作者介绍

莫丽芸，北京外国语大学文学博士。

文摘

序言

章　悠悠京两百年
四大徽班进京
京剧的诞生
京剧的鼎盛
中国国粹
第二章　角色分明的生旦净丑
生行
旦行
净行
丑行
第三章　别具一格的表演程序
京剧功法
唱念做打
第四章　绚丽多彩的表现形式
京剧脸谱
京剧行头
第五章　百花齐放，流派纷呈
老生前三杰
老生后三杰
四大须生
四大名旦
四小名旦
其他流派
第六章　脍炙人口的经典剧目
赵氏孤儿
将相和
宇宙锋
霸王别姬
苏武牧羊
群英会
定军山
空城计
闹天宫
武家坡
贵妃醉酒
铡美案
杨门女将
野猪林
打渔杀家
白蛇传
牡丹亭
锁麟囊
玉堂春
沙家浜
红灯记
智取威虎山

《中国戏曲史纲：声腔的流变与舞台的演进》 序言 泱泱华夏，文脉绵长，在浩如烟海的文化瑰宝中，戏曲无疑是一颗璀璨的明珠。它以唱念做打为基本功，以曲折的故事情节为载体，以生动的艺术形象为表现，将千百年来的社会生活、历史风云、道德伦理、情感悲欢淋漓尽致地呈现在观众面前。然而，戏曲并非一成不变的静态艺术，它在历史的长河中，如同一条奔腾不息的大河，不断孕育、融合、演变，形成了丰富多彩的声腔流派和日新月异的舞台样式。 本书《中国戏曲史纲：声腔的流变与舞台的演进》并非要为您呈现一部包罗万象的戏曲百科全书，也无意将某一特定剧种，例如，我们所熟知的京剧，其丰富的历史发展脉络与艺术特征进行详尽的剖析。恰恰相反，我们的目光将更为辽阔，旨在勾勒出中国戏曲作为一门综合性舞台艺术，从其萌芽、形成、发展到成熟的宏大历史图景。我们将重点关注那些贯穿于不同剧种、不同时代，却又至关重要的演进线索：一是声腔的演变——从质朴的歌唱到精致的唱腔，从地方性的民歌小调到融汇吸收的复杂曲调，声腔的每一次革新，都标志着戏曲艺术表达能力的提升。二是舞台的演进——从简陋的祭祀仪式到高度程式化的舞台表演，从单纯的叙事到多维度的审美体验，舞台技术的革新，舞台空间的拓展，都深刻地影响着戏曲的艺术魅力。 本书的写作，旨在梳理和呈现中国戏曲艺术内在的逻辑，探讨其如何在漫长的历史进程中，不断吸收、融合、创新，最终形成了博大精深、蔚为壮观的艺术体系。我们将通过对不同时期、不同地域、不同剧种艺术特点的观察，提炼出它们共有的发展规律和独特的艺术追求。 第一章：戏曲之源——从远古的歌舞到早期戏剧的雏形 在探讨中国戏曲的形成之前，我们不得不将目光追溯至那遥远的歌舞时代。在人类文明的黎明时期，歌唱与舞蹈就已经作为原始的表达方式，与人们的宗教祭祀、部落庆典、日常生活紧密相连。这些原始的歌舞，虽然离成熟的戏剧艺术尚有距离，却孕育了戏曲最基本的要素：节奏、韵律、情感的抒发，以及集体性的表演。 随着社会的发展，这些原始的歌舞逐渐演化，开始具备更强的叙事性和情节性。从商周时期的“乐舞”，到春秋战国时期百家争鸣时代涌现的各类“优伶”表演，都为戏曲的诞生奠定了基础。尤其值得注意的是，战国时期诸子百家的思想著作中，已经出现了对“倡优”、“侏儒”、“弄臣”等表演者的记载，他们的表演形式多样，有的以滑稽逗趣取胜，有的则善于模仿人物，进行讽刺性的表演。这些早期形式，尽管与后世的戏曲在艺术结构、表现手法上存在巨大差异，但它们已经开始探索通过表演来模拟现实、反映社会、 entertain audiences 的可能性。 秦汉时期，歌舞百戏更为繁荣。汉代的“百戏”是一个非常广阔的概念，包含了杂技、滑稽、乐舞、角抵等多种表演形式。其中，“散乐”和“角抵”是与早期戏剧关系较为密切的。散乐是一种包含歌唱、舞蹈、杂技、模仿等多种元素的综合性表演，它已经开始有情节的引入，并出现了简单的角色扮演。而“角抵”则是一种带有搏斗性质的表演，有时也包含故事情节，往往寓教于乐，反映社会现实。 魏晋南北朝时期，佛教的传入对中国文化产生了深远影响，也为戏曲的发展带来了新的养分。佛教的“变文”、“佛曲”等形式，以通俗的语言和生动的故事情节，向民众传播佛教教义，这在很大程度上促进了叙事性表演的发展。同时，玄学和门阀制度下的士人文化，也对表演艺术提出了新的审美要求，一些士人开始将文学作品中的情节移植到表演中，使得表演更加注重情感的表达和人物的塑造。 隋唐时期，中国戏曲的真正萌芽开始显现。唐代的“参军戏”和“俳优戏”是这一时期具有代表性的早期戏剧形式。“参军戏”通常由两人或多人扮演，一人扮演“参军”，另一人扮演“苍鹘”（后来演变为“やぶさか”等角色），通过对话和表演来表现故事，带有喜剧色彩，并且开始出现一些固定的表演程式。“俳优戏”则是在唐代宫廷和民间流行的滑稽表演，其表演者模仿各种人物，语言诙谐，动作夸张，对后世的戏曲表演产生了重要影响。唐代的“歌舞大曲”，虽然更侧重于音乐和舞蹈的结合，但其中包含的故事情节和人物塑造，也为戏曲的形成提供了借鉴。 第二章：宋金元时期——戏曲的成熟与声腔的初步形成 宋代是中国戏曲发展史上的一个关键时期。随着城市经济的繁荣和市民阶层的壮大，对文化娱乐的需求日益增长，为戏曲的成熟提供了土壤。在这一时期，出现了“瓦舍勾栏”这样的专业表演场所，吸引了大量的观众，各种戏曲形式得以蓬勃发展。 宋代的“杂剧”是戏曲史上的一个重要里程碑。它不再仅仅是零散的歌舞和滑稽表演，而是发展成为结构更为完整、情节更为集中、表演更为专业的戏剧形式。宋杂剧以“说唱”和“科”为主要表现手段，包含了唱、念、做、打等多种元素，并且出现了明确的角色分工。其中，最具代表性的当属“诸宫调”。“诸宫调”是一种结构庞大的说唱艺术，将不同宫调的曲牌组合在一起，演唱故事。它既有故事情节，又有角色对话，还有唱段，是向后世戏曲过渡的重要形态。 与杂剧并行的，还有“南戏”。南戏主要流行于南方地区，以温州为中心，逐渐发展成熟。南戏的唱腔以白话为主，贴近生活，表演更为细腻，故事情节也更加丰富。相较于北方的杂剧，南戏在人物刻画和情感表达上更为深入，对后世戏曲的抒情性发展产生了重要影响。 金代和元代，中国戏曲进入了一个更为辉煌的发展时期。金代的“院本”和元代的“杂剧”在宋代的基础上，得到了进一步的发展和完善。 金代的“院本”，是宋代杂剧的继承和发展。它在结构上更为严谨，情节更加紧凑，表演也更加规范。院本的语言更加通俗易懂，更受民众欢迎。 元代杂剧的成就尤为突出。元杂剧是中国戏曲史上的巅峰之一。其代表人物如关汉卿、王实甫、马致远、白朴等，创作了大量脍炙人口的优秀剧目，如《窦娥冤》、《西厢记》、《汉宫秋》、《墙头马上》等。元杂剧的艺术特征主要体现在： 1. 高度的程式化： 元杂剧在表演、唱腔、音乐等方面形成了较为成熟的程式。每一个动作，每一个唱段，都有其固定的模式和规范。 2. 声腔的初步融合： 元杂剧的唱腔，虽然仍以北曲为主，但已经开始吸收和融合南曲的元素，形成了更为丰富和多样的唱腔体系。主要的唱腔声调包括：平、上、去、入、二、四、七、宫调等，以及不同宫调下的曲牌。 3. “折”的结构： 元杂剧的结构通常以“折”来划分，每一折构成一个相对独立的叙事单元，但又相互关联，构成完整的故事。通常由“一折一折”的演唱和念白组成，并以“副末开场”、“净末收场”等形式作为固定结尾。 4. “末”、“净”、“生”、“旦”、“丑”等行当的初步形成： 元杂剧已经出现了初步的行当划分，虽然与后世的行当体系有所不同，但已经为行当的进一步发展奠定了基础。 5. “四声八气”的运用： 在唱腔的运用上，已经开始注重声腔与语言的契合，以及吐字的清晰度。 在元代，各地戏曲声腔开始互相影响，例如北方的元杂剧逐渐吸收了南方的演唱特点，而南方的戏曲也受到北曲的影响。这种声腔上的交流和融合，为后来形成各具特色的地方剧种，以及最终走向“百花齐放”的局面，打下了坚实的基础。 第三章：明清时期——地方声腔的勃兴与舞台艺术的精进 明清时期是中国戏曲发展的第二个高峰期，也是地方戏曲声腔蓬勃发展，舞台艺术日臻完善的时期。在这一时期，元杂剧的辉煌逐渐走向衰落，取而代之的是全国各地涌现出的，以地方方言演唱、具有鲜明地域特色的地方戏曲声腔。 明代，昆腔在戏曲舞台上占据了主导地位。昆腔，又称“昆山腔”或“昆曲”，起源于江苏昆山地区，以其婉转细腻、清丽悠扬的唱腔而闻名。昆曲在唱腔、音乐、表演、文学等各个方面都达到了极高的艺术水平，被誉为“百戏之祖”。昆曲的兴盛，很大程度上是因为它在继承元杂剧优点的同时，更加注重文学的雅致和音乐的精致，并且在表演上更加细腻，能够深入刻画人物的内心世界。明代的剧作家如汤显祖，创作了《牡丹亭》、《紫钗记》等一系列被誉为“四梦”的昆曲经典，将昆曲的艺术成就推向了高峰。 与昆腔同时发展，并在民间广为流传的，还有“弋腔”、“海盐腔”等。这些腔调虽然在艺术上的精致程度可能不及昆腔，但它们更贴近民众的生活，语言更生动活泼，更具地方特色。 到了清代，中国戏曲呈现出更加多元化、区域化的发展态势。在继承昆曲等传统声腔的同时，各地的地方戏曲声腔如雨后春笋般涌现，并逐渐成熟。这些地方戏曲，往往以当地的方言为基础，吸纳了民歌、小调、说唱等民间音乐元素，形成了风格各异的声腔体系。例如： 徽调： 以徽州地区为中心，唱腔高亢激越，表演古朴有力，对后来的皮黄声腔产生了重要影响。 秦腔： 流行于陕西、甘肃等地，唱腔粗犷豪放，表演刚劲矫健，富有秦地民风。 梆子腔： 分为多种，如“河南梆子”、“河北梆子”等，唱腔梆力十足，情感奔放，具有很强的感染力。 花鼓戏、湘剧、越剧、黄梅戏 等等，都在清代或清代以前形成了各自的艺术特色和声腔体系，它们各自的曲调、表演方式、剧目内容，都深深植根于当地的文化土壤。 在舞台艺术方面，明清时期也取得了长足的进步。 舞台装置的完善： 尽管相较于现代舞台，古代舞台依然简陋，但一些更为精巧的舞台装置开始出现，例如利用机械装置制造雷鸣、闪电等效果，或者利用布景来表现场景的转换。 表演程式的进一步细化： 各种剧种在继承前代经验的基础上，不断细化和发展自己的表演程式。例如，程式化的“坐、站、走、跑”等基本功，脸谱的绘制，以及各种武打技巧的运用，都变得更加讲究和规范。 行当的成熟与定型： 随着各个剧种的发展，行当的划分也日趋成熟和细化。除了传统的生、旦、净、丑之外，还出现了更多的细分行当，如老生、小生、青衣、花旦、武净、文丑等，使得人物形象更加鲜明，表演更加精准。 剧目内容的丰富： 剧作家们创作了大量的优秀剧目，题材广泛，涵盖了历史故事、神话传说、民间故事、社会生活等方方面面，为戏曲艺术提供了丰富的表现内容。 值得一提的是，清代乾隆年间，徽班进京，并在京城与昆曲、京腔等声腔融合，最终催生了后来被誉为“国粹”的京剧。然而，本书并非聚焦于京剧的特定历史，而是将目光放在更为广阔的背景下，观察这一融合过程是如何发生，又是如何得益于前代戏曲声腔与舞台艺术的积累。 结语 中国戏曲，宛如一部流动的史诗，承载着民族的记忆，诉说着人间的悲欢。从远古的歌舞，到宋金元时期的成熟，再到明清时期的地方声腔勃兴与舞台艺术的精进，戏曲艺术在历史的长河中，不断汲取营养，熔铸创新，形成了今天我们所看到的，百花齐放、异彩纷呈的艺术格局。 本书《中国戏曲史纲：声腔的流变与舞台的演进》所描绘的，正是这样一条宏大的演进脉络。我们所关注的，并非某个剧种的孤立发展，而是戏曲艺术作为一种综合性舞台艺术，其内在的生命力，以及它在不同时代、不同地域，如何在声腔的革新和舞台的演进中，不断焕发新的生机。希望通过本书的梳理，能够帮助读者更深刻地理解中国戏曲艺术的博大精深，体会其跨越时空的艺术魅力。

评分☆☆☆☆☆

《中国京剧》这本书，给我带来的最直接的感受，就是一种震撼。我一直以为自己对京剧有一定的了解，但这本书的深度和广度，彻底颠覆了我的认知。它不仅仅是在介绍京剧的各种元素，更是在剖析京剧背后的哲学思想和美学追求。书中对于京剧的“程式化”表演的解读，让我豁然开朗。原来，那些看似刻板的动作，并非束缚，而是高度提炼和凝练的艺术表达，是承载着丰富情感和意义的符号。我尤其着迷于书中对于“梅兰芳现象”的分析，不仅仅是复述了梅先生的艺术成就，更是深入探讨了他如何在中西方文化交流中，将京剧推向世界，以及他对京剧现代化所做的贡献。这本书让我看到了京剧作为一门活态艺术的生命力，它并非一成不变，而是在不断地吸收和创新中发展。书中还探讨了京剧与其他艺术形式的互动，比如它对绘画、文学、音乐的影响，这种跨领域的分析，让我对京剧的理解上升到了一个新的高度。读完这本书，我感觉自己对传统文化，尤其是对京剧艺术，有了一种前所未有的敬畏和热爱。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国京剧》实在是一本让人爱不释手的大部头。我拿到这本书的时候，就被它厚重的质感和精美的封面所吸引，仿佛手中捧着的是一段沉淀了百年的历史。翻开扉页，扑面而来的就是那如刀刻斧凿般的字体，以及那些栩栩如生、色彩斑斓的京剧人物插画。我并不是京剧科班出身，也算不上是行家，但书中详尽的图文并茂的讲解，让我仿佛置身于一个鲜活的京剧世界。从京剧的起源、历史演变，到不同行当的脸谱、服饰，再到唱腔、身段的奥妙，每一部分都经过了极其细致的梳理。我特别喜欢书中对各个时期著名京剧艺术家及其代表作的介绍，那些名字如雷贯耳，他们的艺术成就更是令人肃然起敬。通过这本书，我才真正了解到，原来一出出精彩绝伦的京剧背后，蕴含着如此深厚的文化底蕴和艺术匠心。那些曾经只在电视或舞台上匆匆瞥见的片段，如今在书中被放大、解析，让我看到了它们更深层次的美。甚至连那些繁复的唱词，在书中都有贴切的注解，帮助我这个“门外汉”也能大致领略其意境。这本书不仅仅是一本介绍京剧的书，更像是一扇窗，让我得以窥探到中华传统艺术的博大精深。

评分☆☆☆☆☆

拿到《中国京剧》这本书，我抱着一种探索的心态去阅读。没想到，它很快就将我深深地吸引了进去。这本书最让我惊叹的是它对京剧服饰和化妆的细致入微的描写。那些五彩斑斓的刺绣、精巧绝伦的头饰、以及那些象征着人物性格和命运的脸谱，都在书中得到了详尽的图解和阐释。我以前看京剧，总是觉得那些脸谱很漂亮，但从来不知道它们背后蕴含着如此丰富的含义。原来，不同的颜色、不同的图案，都代表着特定的性格特征，比如红色代表忠诚，黑色代表正直，白色代表奸诈等等。书中还详细介绍了不同行当的服装特点，比如生旦净丑各自的服饰风格，以及它们在舞台上的象征意义。这些细节的描写，让我感觉仿佛置身于一个精美的戏曲服装展览馆，能够近距离地欣赏到那些巧夺天工的艺术品。这本书让我对京剧的每一个细节都充满了好奇和赞叹，也让我更加珍视这份宝贵的文化遗产。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，《中国京剧》这本书，简直是一次心灵的洗礼。我之前对京剧的印象，更多停留在一些程式化的表演和浮光掠影的了解上。但这本书，却将我带入了一个更为广阔和深刻的艺术海洋。书中的文字，时而如行云流水，细腻地描绘出人物的内心世界，时而又如金戈铁马，铿锵有力地展现出京剧的磅礴气势。我尤其被书中关于京剧的“虚拟表演”的讲解所吸引。那些看似空无一物的舞台，在京剧演员的演绎下，却能呈现出山川河流、宫殿楼阁，这种想象力的解放和艺术表现力的极致，着实令人叹为观止。书中还深入探讨了京剧在现代社会所面临的挑战与机遇，以及它如何在新媒体时代寻求生存与发展的空间。这些思考，让我看到了京剧作为一门古老艺术，所展现出的不屈的生命力。读这本书，我不仅仅是在获取知识，更是在感受一种文化的力量，一种精神的传承。它让我对“国粹”二字有了更深沉的理解，也让我对中华民族的艺术创造力充满了由衷的自豪。

评分☆☆☆☆☆

当我翻开《中国京剧》的时候，我并没有期待它会给我带来多么深刻的触动，毕竟，京剧在我印象里，总是带着一丝遥远和古典。然而，这本书却用一种出乎意料的方式，点燃了我对这门艺术的好奇和喜爱。它没有故作高深地卖弄学问，而是像一位和蔼可亲的老师，循序渐进地引导我走进京剧的世界。我最欣赏的一点是，书中对于京剧表演的细节描述，非常生动且富有画面感。比如，书中细致地分析了“行当”之间的区别，如何通过一个眼神、一个细微的动作来表现人物的内心世界，以及那些看似简单却蕴含着千般讲究的“亮相”。读到关于“水袖”的篇章时，我更是惊叹于那飘逸灵动之间的情感表达，仿佛每一次甩袖都是一段无声的诗。书中还穿插了许多生动有趣的历史故事和逸闻趣事，让我在轻松愉快的阅读过程中，感受到了京剧的生命力和魅力。那些关于名角儿的传奇经历，那些不同流派的艺术争鸣，都让这本书充满了人情味和故事性。我甚至觉得，通过这本书，我能更深刻地理解为什么京剧会被誉为“国粹”，因为它不仅仅是表演，更是一种生活态度，一种审美追求，一种文化的传承。