车尼尔钢琴初步教程(实用教学版) pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103036877

商品编码：1173121912

作  者:(奥)车尔尼 作曲,常桦 讲解、注释 定  价:40 出 版 社:人民音乐出版社 出版日期:2009年05月01日 页  数:120 装  帧:平装 ISBN:9787103036877 ●一、识别音符的初步练习
●1.第1条至第4条讲解说明(认识音符的初步练习)
●指尖
●手掌
●肩部与手掌
●2.第5条至第7条讲解说明(分解和弦练习)
●分解和弦手型
●3.第8条至第10条讲解说明(和弦练习)
●和弦
●二、固定位置的五指练习
●4.第11条讲解说明(固定位置的五指练习)
●连线
●5.第12条至第17条讲解说明(连奏与断奏组合)
●指法
●6.第18条讲解说明(同音型重复)
●多声部
●三、大指移位练习
●7.第19条讲解说明(大指移位练习)
●换指
●8.第21条讲解说明(双音练习)
●部分目录

内容简介

练习曲是钢琴教材中的一个大项目，无论是业余考级，还是专业教学，或是靠前靠前钢琴比赛，练习曲都是重头戏。从教学的角度来说，当学生开始学习钢琴，就会逐步进行练习曲的学习，练习曲作为学习中的一条主线，一直会延续到十七八岁。在此之前，学生们将通过练习曲的学习，获得演奏钢琴的各种技术手段，并尽可能地开发双手的技巧能力，使双手在演奏巴洛克、浪漫派或近现代等各类不同风格的乐曲时能够运用自如。
《车尔尼钢琴初步教程(作品599实用教学版)》针对每一组练习曲，通过介绍练习方法的方式，希望能够提供给学习者一些新的练琴思路。讲解包含了技术和音乐两个方面。

钢琴技艺的精进之路：一部跨越流派与时代的演奏指南 本书并非旨在教授初学者基础指法或介绍车尔尼作品的入门曲目，而是作为一本面向有一定基础的钢琴学习者、演奏者和专业人士的深度技术探讨与艺术实践指南。 引言：超越音符的演奏哲学 在钢琴艺术的广阔天地中，技术与情感的平衡是永恒的追求。本书旨在打破传统教学中对特定作曲家作品的依赖，转而从更宏观、更具批判性的角度审视钢琴演奏的本质。我们深信，真正的演奏家不仅是音符的再现者，更是音乐思想的阐释者和情感的传达者。本书将引导读者超越机械性的练习，进入对音色、触键、节奏精准度乃至舞台心理的深入探索。 第一部分：触键的物理学与美学——重建您的指尖感知 本部分将彻底解构钢琴的机械结构与演奏者身体之间的互动关系，这不是关于“如何坐”的简单指导，而是关于“如何有效传递力量”的科学解析。 1. 压力传递与重量运用： 我们将详细分析手指力量的产生、引导和释放。重点探讨如何区分“敲击”（Striking）与“按压”（Depressing）之间的微妙差异。通过对重量在指尖、掌骨和手臂间的动态转移进行详尽的图解和案例分析，读者将学会如何运用身体的自然重量而非单纯的肌肉力量来获得深沉、持久的音高。我们将引入基于人体工程学的分析模型，以减少不必要的张力，防止长期练习带来的疲劳和损伤。 2. 音色的光谱分析与调控： 钢琴的音色变化远超“强弱”二元对立。本书将深入探讨如何通过不同的触键速度（Velocity）、接触点（Contact Point）以及手指的“附着力”（Adhesion）来调控音色的“质地”（Timbre）。从巴赫时代清澈的颗粒感，到浪漫主义时期如歌的连贯线条，再到二十世纪前卫作品中对非传统音色的探索，我们将提供具体的练习方法，教你如何“调制”出符合特定时代风格和情感内涵的音色。 3. 踏板的深度艺术： 延音踏板的使用往往被误解为简单地“延长声音”。本书将超越基础的“清晰度”原则，深入探讨踏板在和声结构中的作用——如何利用半踏（Half-pedaling）或快速的“呼吸式踏板”（Breathing Pedal）来构建模糊的色彩或增强声场的层次感。特别针对德彪西和拉威尔的作品，我们将分析踏板如何成为音乐“呼吸”的一部分，而非仅仅是混响的工具。 第二部分：节奏的逻辑与自由——在精确与呼吸之间舞蹈 节奏是音乐的骨架，但优秀的演奏需要让这骨架拥有生命。 1. 内部节拍器的建立与校准： 本书拒绝依赖外部节拍器进行僵化的练习。我们提出了“内在脉动”的训练方法，通过对心跳、呼吸的感知，将节奏感内化为一种身体记忆。这对于处理复节奏（Polyrhythms）和不对称拍号至关重要。 2. 速度的弹性与推拉（Tempo Rubato）： 我们将系统梳理浪漫主义时期“速度的自由处理”的传统，区分康拉德·汉森（Hans von Bülow）提倡的“有节制的鲁巴托”与肖邦作品中那种“左手稳定、右手自由”的内在分离技巧。重点分析如何通过细微的速度变化来突出旋律的歌唱性，同时又不破坏乐句的整体结构。 3. 视奏的认知心理学： 针对现有演奏者在面对新作品时的“卡顿”问题，我们引入了认知心理学的视角。如何训练大脑“超前阅读”三个小节以上的结构信息，如何有效地处理复杂的三行或四行谱面，以及如何快速建立对陌生调性或复杂指法段落的肌肉记忆预设。 第三部分：风格的透镜——跨越时代的作品分析与实践 本书精选了几个关键时期和流派的代表性技术挑战，提供深入的、非车尔尼式的解决方案。 1. 巴洛克时期的“织体”处理： 重点关注赋格和二部创意曲中的声部独立性。如何确保每个声部（即使是低音声部）都拥有清晰的轮廓和清晰的“歌唱线”，而不是将所有声部混为一团。我们分析了巴赫作品中指法选择对复调清晰度的决定性影响。 2. 古典主义的结构性清晰： 以莫扎特和海顿奏鸣曲为例，强调结构（如呈示部、发展部、再现部的划分）对演奏动态和触键选择的指导作用。如何通过力度和时值的细微变化，使古典的平衡感和清晰的乐句结构得以体现。 3. 浪漫主义的高难度技巧整合： 聚焦于李斯特和勃拉姆斯作品中对跨度、八度、琶音织体和和弦分解的处理。不再局限于单一的练习曲模式，而是探讨如何将这些技巧整合进音乐的叙事之中，使“炫技”服务于“情感表达”。例如，如何在高强度的琶音中保持音符的均匀性，以及如何处理大幅度跳跃后的准确着点。 第四部分：演奏的准备与呈现——从练习室到舞台的转化 技术准备是基础，心理状态和舞台呈现则是最终的呈现效果。 1. 有效的“瓶颈突破”策略： 针对技术难点，本书提出“分解结构法”：将难点段落分解至最小单位（两个音、一个音型），在不同速度、不同力度下反复“消毒”，直到消除任何潜在的错误可能性。并提供了一种渐进恢复速度和整合难点的系统化方案。 2. 记忆与再现的机制： 分析了肌肉记忆、听觉记忆和视觉记忆在钢琴演奏中的协同作用。提供了一种“多维度记忆备份”的练习流程，以应对舞台上可能出现的紧张导致的短期记忆丢失。 3. 舞台心理的构建： 探讨演奏焦虑（Stage Fright）的生理基础，并提供基于冥想和预演（Mental Rehearsal）的技术来控制肾上腺素的过度分泌。学习如何在压力下维持触键的准确性和音乐的流畅性，将注意力从“自我表现”转移到“音乐本身”上来。 结语：持续的探索者 本书不是终点，而是一个工具箱。真正的精进在于持续的反思、批判性的聆听以及将所学技术灵活运用于任何新的音乐挑战之中。我们鼓励读者将本书中的原理视为启发，最终形成属于自己的、独一无二的演奏哲学。

评分☆☆☆☆☆

从教学法自身的角度来看，这本书体现了一种非常现代化的、以学生为中心的教学理念。它不像过去那样，先给你一堆规则让你死记硬背，而是采用了一种“问题导入-解决问题”的模式。比如，在讲解复调练习之前，它会先让你听一段简单但具有对位特点的音乐片段，让你先感知到“两个声部需要独立呼吸”的感觉，然后再对应到指法上的具体操作。这种先建立“听觉目标”再落实“技术手段”的顺序，极大地提高了学习的效率和内在驱动力。我特别欣赏它对节奏复杂性的处理，没有直接抛出复杂的拍号，而是通过将节奏分解成“拍手+踏脚”的小游戏形式来辅助理解，这种跨学科的辅助手段，显示了编者深厚的教学经验和对不同学习风格的包容。它更像是一个精心设计的学习路径图，每一步都有明确的目的和清晰的反馈机制。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧质量和耐用性也是我非常满意的一点。要知道，作为一本经常翻阅和使用的教程，如果纸张太薄或者装订不牢，很快就会散架，这对于保持学习的连贯性是个不小的打击。这本《车尼尔钢琴初步教程》的纸张厚实适中，字迹清晰锐利，即便是经常需要用铅笔做标记，也不会有墨水洇开的烦恼。而且，它的开本设计得恰到好处，放在钢琴架上既不会占据太多空间，翻页时也十分顺手，不需要费力地去压住已经翻开的页面。这种对“工具属性”的重视，往往是很多出版商容易忽略的细节。对于像我这种习惯将教材带到不同练习环境中的学习者来说，这种扎实耐用的制作工艺，本身就是对学习者的一种尊重和支持，让人愿意长期持有和反复研读。

评分☆☆☆☆☆

真正让我感到惊喜的是它在理论知识与实践操作之间的融合度。很多教材要么是纯技术手册，要么是枯燥的乐理书，两张皮。但这本书巧妙地将乐理知识点“消化”并“嵌入”到具体的练习曲目中。当你练习到某个需要用到特定和弦转位时，旁边的小注释会立刻以一种非说教的口吻，简要说明这个和弦在音乐中的作用，而不是单独列出一个和弦表让你去背诵。这种“即时反馈”的学习机制，使得理论知识不再是孤立的存在，而是成为了理解和优化演奏技巧的直接工具。这种潜移默化的教学方式，有效地避免了学习者对理论学习的抵触心理，让我们在不知不觉中，不仅学会了“怎么弹”，更理解了“为什么要这样弹”，这种深层次的理解才是真正通往高阶水平的基石。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书在选曲上的独到眼光非常值得称赞。它没有一味地堆砌那些老掉牙的古典练习曲，而是非常大胆地引入了一些旋律性更强、听起来更“悦耳”的小品。这对于维持学习兴趣至关重要，毕竟，对于业余爱好者而言，能弹出好听的音乐才是最终目标。我注意到，即便是那些看似简单的练习曲，也被赋予了独特的音乐处理要求，比如要求不同的力度对比或者节奏的微妙变化。这不仅仅是“弹对音符”的问题，而是开始培养“演奏感”的雏形。我记得有一次，我试着按照书上的提示，用更轻柔的方式处理了一段旋律，效果立刻就不同了，那种从机械模仿到真正理解音乐情感的转变，是很多入门教材所缺失的。这种对音乐性的早期引导，对于构建长期的学习习惯非常有益，让人觉得钢琴学习不是枯燥的苦役，而是一场充满发现的旅程。

评分☆☆☆☆☆

这本教程的排版真是让人眼前一亮，那种简洁而富有逻辑性的布局，光是翻阅就觉得心情舒畅。我尤其喜欢它在基础音阶和和弦部分的呈现方式，没有那种教科书式的呆板，而是巧妙地穿插了一些生动的图示，辅助理解那些抽象的乐理概念。对于初学者来说，第一印象至关重要，而这本书显然在这方面下了不少功夫。它似乎很清楚地知道，一个刚接触钢琴的人最怕的就是被复杂的符号和晦涩的术语吓倒。例如，它对于指法和触键力度轻微的讲解，那种细致入微的描述，简直就像是身边有一位经验丰富的老教师在耳提面命。我发现，即便是那些我之前在其他材料里觉得难以掌握的过渡练习，通过这本书的重新编排后，也变得顺畅了许多，这大概就是“实用教学版”的魅力所在吧——它真的在解决实际学习中的痛点，而不是仅仅罗列知识点。每次练习完，都会有一种“原来如此”的豁然开朗感，而不是仅仅完成了任务。