世界小提琴经典名曲2（套装共2册） pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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☆☆☆☆☆

蒋雄达 编

图书标签:

• 小提琴
• 古典音乐
• 名曲
• 乐谱
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• 器乐
• 音乐
• 艺术
• 文化
• 教材

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787807519591

版次：1

商品编码：11848626

包装：平装

开本：8开

出版时间：2015-12-01

用纸：胶版纸

套装数量：2

内容简介

　　威尔编的《世界钢琴名曲220首》和克莱德曼的系列钢琴小品集，以“全”和“流行”著称，几十年长销不衰，而小提琴此类“曲库”“大全”的编法是市场缺位的——本社老作者蒋雄达以此出发，拟编成小提琴世界小品曲库，本选题共选入小提琴的经典小品169首，基本上将小提琴世界著名的、常用的小品一网打尽。曲库以体裁、风格、程度归类划分为4册，均带钢琴伴奏并附分谱，可为所有小提琴教学、演奏和研究者收藏使用。

作者简介

　　蒋雄达，编者系国家一级演奏员、原海军歌舞团乐队队长兼首席、文化部全国艺术考级专家指导委员会委员、著名小提琴教育家。

前言/序言

好的，这是一份为您量身定制的、不包含《世界小提琴经典名曲2（套装共2册）》内容的图书简介，力求详尽且自然流畅。 乐海拾珍：管弦协奏曲的辉煌史诗（全两卷） 一部深度剖析浪漫主义至近现代管弦协奏曲艺术的恢弘巨著，献给所有热爱交响乐和器乐对话的听众与演奏家。 卷一：古典的回响与浪漫的序章 卷二：二十世纪的探索与现代的对话 引言：协奏曲——器乐的“对话哲学” 管弦协奏曲，作为古典音乐中最具戏剧张力的体裁之一，其魅力在于独奏乐器与庞大管弦乐队之间精妙的“对话”与“角力”。它不仅考验独奏家的技艺与情感深度，更考验指挥家对整体织体的驾驭能力。本书两卷本，聚焦于18世纪末至21世纪初，横跨古典主义的清晰轮廓、浪漫主义的澎湃激情、民族乐派的色彩描摹，直至现代主义的结构解构与新古典主义的回归。 我们摒弃了对单一人声乐器（如小提琴或钢琴）的聚焦，转而深入探究协奏曲作为一种器乐组合艺术的内在逻辑和历史演变。 --- 第一卷：古典的回响与浪漫的序章 本卷追溯协奏曲体裁自巴洛克晚期向成熟古典主义的过渡，重点梳理了莫扎特奠定的范式，以及贝多芬如何将其推向英雄史诗的高度。随后，我们将进入浪漫主义的黄金时代，探究作曲家们如何利用协奏曲这一形式，抒发强烈的个人情感和民族精神。 第一章：结构与范式的建立（1750-1790） 本章详细考察了早期协奏曲中“呈示部-再现部”结构的雏形，分析了当时独奏乐器与乐队之间平衡关系的构建。 海顿与卡农形式的革新： 讨论海顿晚期协奏曲中，如何开始引入更具独立性的独奏段落，为后来的发展埋下伏笔。 莫扎特的对话艺术： 深入分析莫扎特如何将协奏曲提升至交响曲同等的地位，特别是其对“幕后”独白与乐队回应的精妙处理。我们不再侧重某一种独奏乐器，而是探讨了长笛、双簧管、大管等乐器在协奏曲中的地位变化。 第二章：英雄的宣言与浪漫的抒情（1790-1850） 贝多芬的介入，彻底改变了协奏曲的内涵。它不再是炫技的展示，而是哲学层面的思考和个体精神的颂扬。 贝多芬的“五部曲”： 逐一分析其五部钢琴协奏曲的结构特点，重点探讨《第五号“皇帝”》中，乐队与独奏在展现“征服”主题时的配器策略和对位手法。 舒曼与肖邦的诗性表达： 考察浪漫主义早期，作曲家们如何将叙事诗般的旋律注入协奏曲，例如舒曼协奏曲中对钢琴音色和织体密度的极度精炼，以及肖邦作品中对本国舞曲元素的隐秘运用。 第三章：民族主义的色彩与“炫技的复兴”（1850-1900） 随着民族乐派的兴起和演奏技艺的飞速发展，协奏曲开始承载更强烈的地域色彩，同时也出现了对技巧极限的挑战。 德沃夏克与捷克的土地之声： 分析其协奏曲中，如何融入斯拉夫民歌的韵律和调式，以及管弦乐部分如何营造出广阔的田园意境。 勃拉姆斯：古典结构的守护者： 重点研究勃拉姆斯如何在一个看似古典的框架内，塞入极其复杂和厚重的浪漫主义和声，特别是其协奏曲中对铜管声部的突出使用，增强了作品的“交响性”。 李斯特的“管弦化”钢琴： 探讨李斯特如何将钢琴演奏的技巧推向极致，使钢琴的音域和音色仿佛拥有了整个乐队的表现力，解析其协奏曲中对“交响化”织体的追求。 --- 第二卷：二十世纪的探索与现代的对话 进入二十世纪，协奏曲体裁面临前所未有的挑战：是坚持传统和声结构，还是彻底拥抱无调性与序列主义？本卷聚焦于作曲家们如何在保留“对话”内核的同时，颠覆传统形式，探索新的听觉体验。 第四章：印象主义的朦胧与新古典主义的回归 二十世纪初，德彪西和拉威尔带来的色彩革命，以及斯特拉文斯基对巴赫精神的重塑，为协奏曲注入了全新的维度。 拉威尔的“炫技魔盒”： 细致分析其协奏曲中对爵士乐节奏和复杂复调的融合，探讨其如何通过独特的配器（如《D大调左手钢琴协奏曲》中对低音区的强调），营造出精致而疏离的氛围。 斯特拉文斯基的“节奏化”对话： 研究其新古典主义协奏曲中，如何通过简化和声，而将节奏的冲突与位移作为主要的戏剧驱动力，分析其对乐队与独奏之间的“非抒情性”处理。 第五章：现代主义的冲突与技巧的极限 本章深入研究了那些具有强烈个性和深刻哲学思考的协奏曲，它们往往挑战听众的习惯听觉，并要求演奏家具备超凡的适应性。 巴托克的民族采集与结构严谨： 分析巴托克如何将东欧民间音乐的节奏动机融入高度结构化的复调体系中，其协奏曲中独奏与乐队之间时而合作、时而对抗的张力。 勋伯格与十二音体系的结构重塑： 考察协奏曲在无调性体系下的运作逻辑，探讨在没有传统调性引导的情况下，作曲家如何通过对音高的组织来维持作品的连贯性。 第六章：战后至当代的多元探索 从序列主义到极简主义，从自由不协和音到对电子媒介的初步试探，本卷的最后部分展示了协奏曲体裁在当代音乐语境下的生命力。 布里顿的“人声化”器乐： 分析其协奏曲中对器乐的“吟诵”特质的强调，以及对特定乐器（如大提琴、钢琴）在社会叙事中的角色赋予。 当代作曲家的空间与时间观念： 探讨后序列作曲家如何利用声场（Spatialization）和时间切片（Time-Slicing）的技术来重构协奏曲的听觉空间，例如，如何理解独奏乐器在乐队“声雾”中发出的瞬间信号。 结语：永恒的对话 《乐海拾珍：管弦协奏曲的辉煌史诗》并非仅仅是一本曲目指南，它是一部关于艺术形式演变、技术革新与人类情感表达的深度研究。它带领读者穿越音乐史的洪流，理解协奏曲这一体裁是如何从宫廷的娱乐，演变为展现个体精神与时代精神的宏大舞台。无论是专业的音乐学者，还是渴望深化欣赏体验的乐迷，都能在这两卷本中，找到通往管弦乐对话核心的钥匙。 （字数统计：约1500字）

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是音乐爱好者的福音！我最近沉迷于巴赫的无伴奏奏鸣曲与组曲，尤其是那些复杂的对位和精妙的和声，每次听都能发现新的层次感。这套书如果能收录一些深入解析这些作品的乐谱和演奏技巧，那就太棒了。我一直在寻找那种能把巴赫的数学般的严谨和音乐中的人性光辉完美结合起来的解读。比如，如何处理帕尔蒂塔中那些变幻莫测的舞曲节奏，或者在恰空中的那种史诗般的叙事感，光靠听CD是远远不够的，我需要一些能指引我深入到作曲家内心世界的文本。当然，如果能附带一些现代演奏家对巴赫的独特理解和录音版本对比，那就更完美了，毕竟不同时代的演奏风格差异太大了。我特别希望看到对不同版本的历史背景和演奏乐器选择的讨论，这对于理解音乐的演变至关重要。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对那些维也纳学派的室内乐作品非常感兴趣，尤其是那些对第一小提琴声部要求极高的室内乐套曲。比如莫扎特和海顿的弦乐四重奏，它们对演奏者之间的默契和平衡感要求极高。我希望这本书能侧重于分析如何在四重奏中进行“对话”，如何处理那些细微的动态变化和乐句的连接，而不是仅仅关注独奏部分的华丽。比如，在莫扎特的慢板乐章中，如何让第二提琴和中提琴的声音像背景的丝绒一样托起主旋律，而不是仅仅作为伴奏存在。这本书如果能加入一些资深室内乐团成员的访谈，分享他们在排练过程中遇到的困难和解决之道，那将是无价的。我需要的不是演奏技巧的堆砌，而是如何成为一个优秀的“倾听者”和“合作者”的艺术。

评分☆☆☆☆☆

我总觉得，很多小提琴演奏家在诠释意大利“炫技派”作曲家，比如帕格尼尼的二十四首随想曲时，往往只注重了速度和音准，而忽略了其中蕴含的歌唱性和戏剧性。我非常希望有一本深入剖析帕格尼尼技术核心的书籍，但重点不是教你如何快速拉奏，而是如何将那些令人眼花缭乱的跳弓、换把和泛音转化为具有情感张力的音乐语言。例如，如何用更具戏剧性的弓法来区分那些快速的对比乐段，如何通过对颤音的控制来模仿人声的哭腔，这些细节才是区分大师和平庸演奏者的关键。如果能附带一些关于这些随想曲的改编历史，以及不同小提琴大师对同一乐章的不同演绎思路的比较分析，那就太棒了。我追求的是，拉出“有灵魂”的炫技曲，而不是冰冷的音符堆砌。

评分☆☆☆☆☆

作为一个对古典音乐历史着迷的人，我对20世纪的现代小提琴作品有着强烈的兴趣，比如斯特拉文斯基或肖斯塔科维奇的作品。这些作品往往充满了不和谐音、复杂的节奏型以及对传统技巧的颠覆。我期待的，是一本能系统梳理这些现代作曲家创作背景、他们的创新之处，以及如何理解和演奏这些“刺耳”但又充满力量的音乐的书籍。尤其是对那些非传统的演奏技法，比如扩音、噪音处理，或者如何准确把握那些看似没有明确调性的乐段，这些都是目前市面上很多教材所缺乏的深度内容。如果能提供一些关于这些作品首演时的轶事和当时的乐评对比，那无疑会大大增加阅读的趣味性和学术价值。我希望看到的是一场跨越时代的音乐对话，而不是简单的曲目罗列。

评分☆☆☆☆☆

我最近一直在琢磨如何提升自己的小提琴演奏技巧，尤其是在处理浪漫主义时期的协奏曲时，那些炫技的部分总是让我感到力不从心。我非常渴望能有一本专注于勃拉姆斯或柴可夫斯基协奏曲的深入分析集。想象一下，如果这本书能详细剖析这些作品中那些标志性的、需要极高速度和精准度的琶音、双音和八度技巧，并提供针对性的练习方法，那该多好啊！不仅仅是技巧的罗列，更重要的是如何将这些技巧融入到音乐的情感表达中，比如在柴可夫斯基的慢乐章中，那种深沉而略带哀伤的情绪是如何通过弓法和揉弦的细微变化体现出来的。我一直在寻找那种能帮助我跨越技术瓶颈，同时又不失音乐性的“秘籍”。如果能有一些关于如何选择合适的琴弦和根据不同演奏厅调整音色的建议，那就更贴心了。

评分☆☆☆☆☆

印刷上乘,包装完美,一次愉快的购书!

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