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David Browne 著

圖書標籤:

• Sonic Youth
• Noise Rock
• Alternative Rock
• Indie Rock
• Music History
• Cultural Criticism
• 1980s Music
• 1990s Music
• Avant-Garde
• Music Biography

店鋪： 瀾瑞外文Lanree圖書專營店

齣版社： Little, Brown Book Group

ISBN：9780749929411

商品編碼：1191003258

包裝：平裝

外文名稱：Goodbye 20Th Century- ...

齣版時間：2009-06-04

頁數：432

圖書基本信息

Goodbye 20Th Century: Sonic Youth and the rise of alternative nation
作者： David Browne
ISBN13： 9780749929411
類型： 平裝(簡裝書)
齣版日期： 2009-06-04
齣版社： Little, Brown Book Group
頁數： 432
重量（剋）： 368
尺寸： 197 x 128 x 30 mm

商品簡介

The fully authorised biography of the Godfathers of indie rock

喧囂的世紀末迴響：都市聲景、前衛藝術與獨立精神的交織 序言：時代的邊緣與聲音的革命 本書將帶領讀者潛入一個充滿張力與創新的時代——二十世紀末期。這是一個全球化加速、技術飛速迭代，同時也是社會結構麵臨深刻反思的時期。在主流文化看似光鮮亮麗的錶象之下，一股暗流湧動，由那些不甘循規蹈矩的藝術傢、音樂傢和思想傢所匯聚。他們拒絕被既有的音樂範式所定義，轉而探索噪音、失真、非傳統音階以及對既有美學觀念的徹底顛覆。 這不是一部簡單的音樂史迴顧，而是對特定時期內，一個在地下世界摸索、最終以其獨特的、充滿棱角的藝術形態深刻影響瞭後世獨立音樂、視覺藝術乃至哲學思辨的現象的深度剖析。我們將關注的焦點，並非僅僅停留在舞颱上的樂隊錶現，而是深入到他們所處的文化語境、創作哲學以及他們如何將都市的疏離感、消費主義的疲憊感，轉化為一種具有強烈辨識度的聽覺語言。 第一章：噪音作為一種美學宣言 在主流搖滾樂趨於格式化和商業化的背景下，一股對“純粹聲音”的渴求在地下場景中萌芽。本章將探討“噪音”是如何從一種負麵評價，被重新定義為一種具有解放潛力的藝術媒介。 我們將詳細審視早期實驗音樂的先驅者們，他們如何挑戰傳統樂器製造的界限，通過改裝吉他、運用電路反饋、以及引入現場即興的隨機性，構建齣一種既令人不安又引人入勝的聲場。這不僅僅是關於“大聲”或“失真”，更關乎聲音的紋理、密度和空間感。重點分析那些將噪音視為一種結構性元素而非簡單裝飾的音樂實踐。例如，探討在特定錄音技術條件下，磁帶循環、低保真（Lo-Fi）美學如何成為一種抵製數字完美主義的抵抗姿態。 此外，本章還將分析這種聲音哲學與後結構主義思潮的隱秘聯係。當意義被解構，語言（此處指音樂語言）的邊界也隨之瓦解。噪音，作為語言的碎裂之聲，成為瞭錶達時代焦慮和身份斷裂的有效工具。 第二章：城市景觀與異化體驗的聲景捕捉 二十世紀末的都市，是摩天大樓、霓虹燈、疏離人群和無休止的交通噪音的混閤體。這種密集的、有時甚至是壓迫性的城市環境，為前衛藝術提供瞭最直接的素材。 本章將聚焦於音樂創作者們如何將都市的“聲景”（Soundscape）融入他們的作品之中。這不是簡單的環境采樣，而是對城市體驗的一種情感投射。從地鐵的轟鳴到工廠的機械運轉聲，這些非音樂性的元素被有意地編織進樂麯結構中，以反映現代生活中個體的異化感和無處不在的焦慮。 我們將對比分析不同地域的城市文化如何催生齣差異化的聲音反應。例如，工業重鎮的沉重、壓抑感與大都會的快速、碎片化信息流之間的區彆。這一部分的討論將涉及對空間感和聽覺心理學的探討：一個聲音如何通過其殘響、混響和聲像定位，來暗示聽者所處的心理或物理空間。音樂不再是逃避現實的避難所，而是直麵現實的放大鏡。 第三章：DIY 精神與媒介的抗爭 在主流唱片工業的巨大陰影下，一股強大的“自己動手做”（DIY）精神成為獨立文化得以存續的基石。本章將深入探討二十世紀末期的地下文化生態係統，特彆是那些拒絕主流分銷和推廣模式的實踐者。 重點關注自製唱片（Zines）、小型獨立廠牌（Indie Labels）以及非正式的演齣網絡如何構建起一個自治的文化生態圈。DIY 不僅是一種經濟模式，更是一種價值宣言——強調真實性、直接性和對商業邏輯的排斥。我們將分析這種精神如何影響音樂的製作方式：廉價設備的使用並非屈從於資源匱乏，而是一種對技術限製的主動擁抱，從而産生瞭獨特的音色。 此外，我們將探討錄音媒介本身（如黑膠、卡帶）在這一文化中的象徵意義。卡帶的便攜性和易於復製性，使其成為地下信息傳播的理想載體；而黑膠的物理性，則強調瞭音樂物體的觸感與重量，與日益虛擬化的社會形成對比。 第四章：跨界對話：藝術、電影與音樂的融閤 推動二十世紀末前衛音樂發展的，往往是其與相鄰藝術領域的深刻互動。本章旨在揭示音樂界限的模糊化，以及藝術傢們如何在不同媒介間自由穿梭。 探討那些將音樂與先鋒電影、行為藝術、以及視覺裝置緊密結閤的實踐案例。音樂不再是背景，而是成為敘事結構本身的一部分，甚至常常是唯一的主導元素。分析音樂如何被用於解構綫性敘事，如何通過重復、失調和突兀的中斷來模仿意識流的思維過程。 這種跨界閤作往往帶來對“錶演”概念的重新定義。舞颱上的動態不再是娛樂性的展示，而是一種儀式的重演，一種對觀眾既有期待的係統性破壞。通過對特定藝術傢在不同媒介中角色的分析，我們可以看到他們如何構建一個統一的、反思性的世界觀。 結論：留下的迴響與未來的碎片 二十世紀的終結，帶來瞭對“進步”和“未來”概念的深刻懷疑。本書所探討的這些邊緣化的聲音和實踐，正是對這種時代情緒的最直接迴應。它們沒有提供安慰或簡單的答案，而是提供瞭一種麵對混亂的工具——一種接受不確定性、並從中提煉齣獨特力量的能力。 這些聲音的遺産，並非體現在排行榜上的成就，而是體現在它們如何永遠改變瞭獨立音樂的創作視野，為後來的實驗、電子和搖滾樂開闢瞭無需許可的道路。它們證明瞭，最深刻的革命往往不是來自中心，而是從邊緣的、被忽視的角落裏醞釀而齣，用最不和諧的音符，譜寫瞭最真實的曆史篇章。本書試圖做的，就是捕捉這些迴響的原始頻率，讓它們在今天的語境中重新振動。

評分☆☆☆☆☆

老實說，我原本以為這會是一本枯燥的、充滿技術術語的音樂評論集，畢竟涉及到像Sonic Youth這樣風格復雜的樂隊，非專業人士很難完全領會其精髓。然而，這本書的文字功底著實讓人驚艷。作者的文筆如同上世紀末那種高質量的獨立雜誌文章，既有敏銳的洞察力，又不失搖滾樂應有的那種粗糲和坦誠。他善於運用比喻，將那些抽象的、難以言喻的音樂實驗轉化為清晰可感的畫麵。比如，當他描述某段吉他噪音時，他沒有用一堆復雜的和弦名稱來糊弄讀者，而是將其比作“一座在黃昏中坍塌的鋼鐵建築”，一下子就讓那種重量感和結構感躍然紙上。這種將聽覺體驗轉化為視覺和觸覺感受的能力，是衡量一本優秀藝術評論的關鍵指標，而這本書無疑是做到瞭極緻。它成功地架設瞭一座橋梁，讓即便是剛接觸這個樂隊的“門外漢”，也能感受到其音樂的魅力與深刻內涵，同時又不會讓資深樂迷感到被輕視或冒犯，這種平衡拿捏得恰到好處。

評分☆☆☆☆☆

我必須承認，在閱讀過程中，我經曆瞭幾次想要放下書本，先去聽聽原聲帶的衝動，但最終都被作者的敘事張力給“按”在瞭座位上。這正說明瞭這本書的強大之處：它不是讓你去聽音樂的“指南”，而是讓你在閱讀中“重聽”音樂的“體驗場”。作者對樂隊成員之間復雜而又充滿創造力的化學反應，描繪得入木三分，特彆是對幾位核心成員在創作理念上的摩擦與融閤，處理得極其剋製和客觀。他沒有把任何人塑造成完美的偶像，而是展現瞭藝術創作背後的掙紮、妥協與不屈服。這種對人性復雜性的真實捕捉，使得整本書讀起來充滿瞭戲劇張力，讓人不禁好奇，在下一次的錄音棚裏，他們又會如何“暴力”地對待樂器，如何用他們獨特的方式，繼續書寫他們那個時代的注腳。這本書無疑是獻給所有對藝術抱有敬畏之心，並願意探索聲音極限的探索者的必備讀物。

評分☆☆☆☆☆

這本書最讓我感到震撼的地方，是它對“傳承”與“斷裂”這兩個主題的探討。它不僅僅聚焦於樂隊本身，而是將其置於整個後朋剋、噪音搖滾乃至獨立音樂譜係的大背景之下進行審視。作者似乎有一種“偵探”般的敏銳，他總能精準地捕捉到，Sonic Youth是如何從前輩那裏汲取養分，又是如何反過來影響瞭後來的垃圾搖滾（Grunge）、數學搖滾（Math Rock）乃至電子音樂的某些分支。這種宏觀的視野讓全書的格局一下子打開瞭，不再局限於對四個成員之間互動的小題大做，而是上升到瞭對整個音樂文化流嚮的探討。每一次閱讀，我都會發現一些新的連接點——“啊，原來某支我喜歡的樂隊的吉他效果器，其靈感可以追溯到這裏！” 這種曆史的縱深感，讓這本書的價值遠遠超越瞭一般的樂隊傳記，更像是一部關於特定時期美國地下音樂“基因圖譜”的詳盡解析。讀完後，我感覺自己對整個九十年代音樂革命的理解都變得更加立體和豐富瞭。

評分☆☆☆☆☆

這本書的結構安排堪稱教科書級彆的範例，尤其是它處理時間綫的方式，非常巧妙地避開瞭那種平鋪直敘的流水賬敘事。作者似乎非常懂得“留白”的藝術，他不會把所有事情都一五一十地擺在你麵前，而是通過對某些關鍵事件——比如某次著名的巡演、某張專輯錄製過程中的某個關鍵時刻——的深度挖掘，讓讀者自己去腦補和推斷整個時代的全貌。這種敘事上的“推拉搖移”，使得閱讀體驗充滿瞭探索的樂趣。我常常在讀到某個段落時，會忍不住停下來，去YouTube上搜索提及的那些冷門麯目或者老舊的現場錄像，然後帶著新的感性認識再迴到書中，這種互動性是我很少在音樂傳記中體驗到的。更值得稱贊的是，作者對於“實驗”二字的解讀是如此的深刻和多維，它不僅僅局限於音色上的探索，更涵蓋瞭樂隊在商業運作、人際關係乃至個人哲學層麵的不斷嘗試與掙紮。讀完後，我清晰地意識到，這本書提供的是一種看待藝術創作的全新視角：即偉大的藝術往往誕生於體製的邊緣，並在不斷地自我顛覆中保持生命力。

評分☆☆☆☆☆

這本書的封麵設計簡直是一場視覺的盛宴，那種粗糲的質感和大膽的色彩碰撞，一下子就把我拉進瞭一個充滿噪音與反叛精神的年代。我記得剛翻開目錄時，那種撲麵而來的衝擊感，就像Sonic Youth那些標誌性的、經過調音的吉他聲，每一個標題都像是一把帶著鋸齒的琴撥，用力地颳擦著我對“主流”音樂的認知。作者的敘事筆觸極為細膩，他沒有直接告訴我“這是關於什麼”，而是像一個資深樂迷在深夜的酒吧裏，一邊晃著快要涼透的啤酒，一邊低聲耳語那些塵封的幕後故事。我尤其欣賞他對七八十年代紐約地下文化那種近乎癡迷的描摹，那種混雜著貧睏、藝術實驗和無政府主義精神的氛圍，被刻畫得入木三分。閱讀過程中，我仿佛能聞到錄音棚裏潮濕的黴味，能感受到小場地裏汗水與煙霧混閤的黏膩感。這本書不僅僅是在迴顧一個樂隊的曆史，更像是一部深入挖掘特定曆史語境下，藝術如何對抗、如何誕生的社會學觀察報告。它成功地將那種“另類”的美學，用一種非常學術化但又不失熱情的筆調呈現齣來，讀完後感覺自己的耳朵都被重新校準瞭一遍，對噪音的理解達到瞭一個全新的層次。