大师拍片术：掌握顶级导演的运动摄影技巧 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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[美国] Gil Bettman（吉尔·贝特曼） 著，魏俊彦 译

图书标签:

• 摄影技巧
• 电影摄影
• 运动摄影
• 导演技巧
• 拍摄手法
• 光影运用
• 构图
• 镜头语言
• 电影制作
• 视觉叙事

出版社： 电子工业出版社

ISBN：9787121290008

版次：1

商品编码：11979490

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：胶版纸

页数：200

字数：330000

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：DV拍摄兴趣爱好者；导演、演员、摄影师等影视行业从业者；影视院校学生；平面摄影师

在当今的电影界，演员们都相当专业，不太需要导演的指导。这样，导演会把大多数时间用于提高拍摄技术。本书中，作者引用了斯皮尔伯格，泽米吉斯、昆汀等大师的经典电影片段，条理清晰地分析了如何用运动摄影技术拍摄出动感十足的电影场景。如今，运动摄影十分重要，只有充分掌握了这门技术，你才能成为大师级的导演。

内容简介

电影发展至今，用动感十足的画面讲故事已经成为观众*基本的期待。毫无疑问，只有**的导演，才能得心应手地使用运动摄影技巧，获得*佳效果的画面。 比尔?贝特曼是一位经验丰富、极具特色的电影导演，他结合自身多年的经验，通过引用诸多好莱坞**导演的作品向读者证明了在电影拍摄中运动摄影的重要性，并且详细讲解了运动摄影的拍摄方法，帮助读者掌握**的运动摄影技巧。 本书适合广泛的影视艺术爱好者阅读。不论是电影专业学生，还是影视从业者或爱好者，你都能从本书吸取充分的营养，掌握运动电影拍摄技巧，向电影大师之路阔步迈进。

作者简介

魏俊彦，英语语言文学博士，现任南京中医药大学外国语学院讲师。译有《大师镜头》系列图书、《编剧的自我修养：好莱坞**作家的成功秘诀》。曾参加第六届中国独立影像年度展，为主要翻译人员之一，合译有《中国独立影像年度展》。希望译作能让更多的人爱上电影，享受生活。 吉尔?贝特曼（Gil Bettman）是一名出色的导演，同时他也是洛杉矶查普曼大学道奇电影学院的教授。贝特曼曾在哈佛大学学习创造性写作，师从罗伯特?洛威尔（Robert Lowell）先生。在1970年，贝特曼获得了哈佛大学优秀文学奖。贝特曼曾拍摄过三部故事片，分别__eol__为：《水晶心》（Crystal Heart）、《死亡从不会太早》（Never Too Young to Die）及《夜视》（Night Vision）。他还多次担任了多部电视剧的导演，包括《霹雳游侠》（Knight Rider）、《坠落的人》（The Fall Guy）、《货车走天涯》（BJ and the Bear）等。此外，贝特曼还拍摄过多部音乐电视作品，合作的音乐人包括芝加哥乐队及萨米?哈格（Sammy Hagar）等。除了音乐电视以外，贝特曼还为萨米?哈格拍摄过两部纪录片，分别为：《漫漫摇滚路》（The Long Road to Gabo）及《一见倾心，再见如故》（Go There Once, Be There Twice）。__eol__

精彩书评

“吉尔?贝特曼的《大师拍片术：掌握*级导演的运动摄影技巧》一书是迄今为止*好的一本告诉我们如何用镜头讲故事的书。很多同类书籍的这一部分内容都是短板，但这本书却写得如此详细。这是因为这本书的作者深刻地认识到，一部好电影并不是炫丽镜头的集合，一部好电影必须一个场景一个场景地讲故事。”

— 乔安妮?塞勒（JoAnne Sellar），制片人，电影《血色将至》获奥斯卡*佳影片和*佳导演提名。电影《性本恶》、《大师》、《木兰花》、《爱昏头》、《不夜》的制片人

“吉尔?贝特曼的新作通过分析众多大师级导演的作品定义了电影的视觉语言，并且详细阐述了这些导演的拍摄技能。如果你想拍摄出大师水准的电影，那这本书是你必读的。”

— 威廉?泰特勒（William Teitler），制片人，作品包括《抢劫暴徒》、《梅奇的世界》、《太空飞行棋》、《帝国风云》（电视剧）、《极地特快》、《初恋十五十六时》、《生命因你动听》、《勇敢者的游戏》；执行制片人，作品包括《真爱无尽》、《飓风》

“吉尔?贝特曼将理论和大量的实践相结合，写出了一本视觉语言的指导用书。《大师拍片术：掌握*级导演的运动摄影技巧》一书不仅仅是初入行导演们的必读书目，它也是送给所有电影视觉语言爱好者的大礼。”

— 大卫?S?沃德（David S. Ward），编剧，电影《骗中骗》获奥斯卡*佳原创剧本奖，《西雅图不眠夜》获得奥斯卡*佳原创剧本奖提名。其他作品包括《佐罗的面具》、《大联盟》、《豆田战役》； 导演，执导的作品包括《潜艇总动员》、《大联盟I & II》、《大计划》、《英王拉尔夫》、《罐头工厂街》

“吉尔?贝特曼的这本书不仅可以为初入行的导演们提供帮助和挑战，它也时刻提醒着早已入行多年的导演们，电影的世界瞬息万变，一定要勇于面对挑战。这本书很神奇，它会让你止不住想拿起摄影机拍一段。”

— 雷蒙?狄?费利拉（Raymond De Felitta），导演，作品包括《抢劫暴徒》、《城市岛屿》、《我的亲戚》、《邻里之间》、《咖啡社会》

“你的书架上一定要有这本书！吉尔?贝特曼在书中阐明了用运动的摄影机拍摄电影的几大原则。如果你初为导演，那这本书中的知识可以帮你赢在起跑线上。有了它的帮助，你会更快地掌握拍摄动作场景和对话场景的技能。”

— 约翰?巴德姆（John Badham），导演，作品包括《周末夜狂热》、《战争游戏》、《蓝霹雳》、《紧急盯梢令》、《霹雳五号》、《盾牌》（电视剧）、《灵异神探》（电视剧）、《妮基塔》（电视剧）

“使用镜头的*高境界就是用镜头来讲故事。贝特曼在这条路上已经走了很远，因此他才能够知无不言。”

— 佩内洛普?斯皮瑞斯（Penelope Spheeris），导演，作品包括《反斗智多星》、《小淘气》、《贝弗利山人》、《黑羊》、《西方文明的衰落I，II & III》

“了解电影的视觉艺术是一回事，将这里面的理论教授给学生又是另一回事。贝特曼在书中举了很多翔实的例子，通过分析这些例子，他不但向学生们阐述了要如何用运动的摄影机拍摄电影，更重要的是，他向学生们解释了为什么要让摄影机这样运动。这本书真是内涵丰富、生动有趣。”

—唐纳德?佩特瑞（Donald Petrie），导演，作品包括《特工佳丽》、《斗气老顽童》、《十日拍拖手册》、《现代灰姑娘》、《倒霉爱神》

“吉尔?贝特曼的新书中涵盖了你所需知道的所有关于电影视觉设计的知识。他用自己超前的思想向我们阐述了如何用动态的电影画面去讲述一个故事。”

—奥拉顿德?奥逊山米（Olatunde Osunsanmi），导演，作品包括《证据》、《第四类接触》

“吉尔?贝特曼破除了人们对电影导演固有的印象，在他眼中，电影导演再也不是那些靠直觉吃饭的艺术家了。相反，他的书中所讲的句句都是讲故事的逻辑。吉尔的思想很明确：只有跟上时代才能保住饭碗。那些对视觉技术不感兴趣的导演或者在这方面没有受过专业训练的导演已经将自己置于危险的处境之中了。”

—托马斯?阿克曼（Thomas Ackerman），美国电影摄影师协会成员，摄影师，作品包括《雪地狂奔》、《亡命*宝》、《缪斯》、《甲壳虫汁》、《森林泰山》、《邻家小鬼》

“这可以说是电影视觉语言的*一本语法书。贝特曼用简明但翔实的笔触阐述了用运动的摄影机拍摄电影的基本原则。新入行的导演和摄影师都应该读一下这本书。”

— 约翰尼?E?延森（Johnny E. Jensen），美国电影摄影师协会成员，摄影师，作品包括《物质女孩》、《紫檀巷》、《蔓生蔷薇》、《斗气老顽童》、《我的天才家庭》

“在我的职业生涯早期，我有幸得以与吉尔?贝特曼合作。在合作的过程中，他传授给我大量的智慧，现在他把这些智慧都写到了这本书里。吉尔关于怎样、何时及为何移动摄影机的想法影响了我的整个职业生涯。”

— 拜伦?沃纳（Byron Werner），摄影师，作品包括《突围》、《幻影计划》、《彩票》、《恐怖至死》

“吉尔?贝特曼的这本书中有关运动主镜头的那章对于追寻动感的导演来说特别有用。这章可以帮助他们用更有冲击力、更具动态性的画面讲述故事。当然前提是演员表演得力，片场有条不紊。”

— 阿兰?费特曼（Allan Fiterman），导演，作品包括Embarque Imediato、《活在梦中》、《资产阶级的审慎魅力》（电视剧）、《超级影迷》（电视剧）、Ciranda de Pedra（电视剧）

“吉尔?贝特曼的这本书着重向导演们提供了一些方法，这些方法可以让导演们紧跟当今观众的需求和品位。”

— 加斯?福尔摩斯（Garth Holmes），AFDA南非电影及表演艺术学校的主席及联合创始人

“吉尔?贝特曼一向深谙用运动的摄影机拍摄电影的技巧。他将他所知的这些技巧全都写进了这本书里，条理清晰，发人深省。”

— 哈拉德?斯特（Harald Stjerne），瑞典斯德哥尔摩戏剧艺术学院导演及剧本创作系前主任

“这本书为那些经验丰富并乐于分享的教师们提供了更多的教学方法。”

— 帕维尔?杰斯（Pavel Jech），捷克布拉格电影学校校长

“吉尔?贝特曼告诉我们如何用运动的摄影机讲故事，他的方法非常有效。毫无疑问，《大师拍片术：掌握*级导演的运动摄影技巧》是迄今为止在这方面做得*好的一本书。”

— 赫尔曼?范?艾肯（Herman Van Eyken），澳大利亚格里菲斯大学电影学院院长、教授

“贝特曼教授的这本书重点阐述了如何用运动的摄影机拍摄电影，这本书是目前有关这个话题的*为出色的一本书。它将造福全世界的新人导演们。”

— 李道明，中国台湾台北艺术大学电影创作研究所教授、系主任“吉尔?贝特曼的研讨班已经系统地将拍摄电影的知识变成了可教、可学的技能。一些颇有天分的导演已经将这些技能运用到了自己的作品中，他们的电影也因此获了大奖。本书继承了吉尔?贝特曼课堂的风格，始终充满活力，条理清晰。我会让我的学生们都去读这本书。”

— 珍妮?格兰维尔（Jenny Granville），英国利兹城市大学，北方电影学院系主任

“这本书就像是一个工具箱，里面的工具可以让你将剧本变成电影，并且它还附带使用指南。这可是编剧们求之不得的宝物啊!”

— 查德?哥维奇（Chad Gervich），电视编剧，作品包括《狗狗博客》、《走进切尔西汉德勒》、《杯形蛋糕战争》； 作家，作品包括《如何搞定经济人》、《小屏幕，大画面》

“贝特曼将丰富的知识浓缩进了这本看似不厚的书中，不管你正处于职业生涯的何种阶段，你都能从书中获益。”

— 格雷戈里?麦克纳米（Gregory McNamee），《大英百科全书》特约编辑，曾任《好莱坞报道》日报评论员

目录

序 IX
前言 X
如何使用本书 XII
第一部分　为何要进行运动摄影 1
第一章　运动摄影的重要性 3
第一章总结 6
第二部分　用运动的摄影机拍摄对话场景 7
第二章　为什么要让摄影机动起来 9
概述 9
何时让摄影机动起来 9
鲍勃原则：让摄影机的运动变隐形的三种方式 10
外因驱动的摄影机运动 10
外因驱动的摄影机运动―无缝衔接及视觉甜头 11
内因驱动的摄影机运动 14
运动的定位镜头 16
违反鲍勃原则的例子及其原因分析 20
史努比镜头的兴起 20
道格玛戒律与史努比镜头 21
如今的史努比镜头 25
第二章总结 30
给教师的话 31
第三章　运动主镜头 33
概述 33
运动主镜头和备用镜头举例：《甜心先生》 34
原则1―开场信息 35
原则2―无缝衔接 38
原则3―视觉甜头 39
原则4―戏剧性 40
原则5―备用镜头 49
运动主镜头的固定拍摄模式 50
电影《迷情追踪》中麻将馆里的运动主镜头―基本遵循固定模式 51
电影《危机四伏》中沃伦?弗尔的运动主镜头―无缝衔接的最大化 54
《危机四伏》中沃伦?弗尔的运动主镜头―无缝衔接的最大化带来视觉甜头的增长 57
《危机四伏》中沃伦?弗尔的运动主镜头―无缝衔接的最大化为开场镜头提供了更多信息 57
诺曼的坦白―特定场景中的特定主镜头 60
诺曼的坦白―开场―泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 60
诺曼的坦白―中间过程―泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 62
诺曼的坦白―结尾―泽米吉斯为何要打破固定拍摄模式 64
何处才能设计出最好的运动主镜头 68
永不满足―设计出最好的运动主镜头的诀窍 68
第三章总结 69
给教师的话 70
15个边走边对话的场景 72
第三部分　拍摄动作场景 81
第四章　动作场景―基本原则 83
概述 83
怎样将摄影机放在正确的位置 83
怎样挑选镜头 84
怎样拍摄出足够多的片段 84
第四章总结 88
第五章　镜头的选择 89
为何要强制透视 89
镜头选择：导演和摄影指导共同的责任 89
透视的基础知识 91
超长焦和超广角镜头与标准视角的对比 92
镜头―视角和景深 93
各种镜头的基本应用范围 94
镜头的选择―从视角和景深考虑 94
镜头的选择―从透视考虑 97
镜头如何影响运动过程 99
迎着镜头或离开镜头的运动―Z 轴 99
水平方向的运动―X轴 100
垂直方向的运动―Y轴 104
如何掌握镜头与运动的关系 104
第五章总结 106
给教师的话 107
第六章　分解动作场景 109
分镜头和可视化预览 109
分镜头实例―分镜头下的故事 110
《死亡从不会太早》中伏击场景的分镜脚本 112
真实的拍摄情况 129
第六章总结 130
给教师的话 131
第七章　追逐场景 133
基本原则 133
目录VII
联合镜头 133
故事背景 136
方法1―广角镜头―Pogo Cam稳定器―狭窄的空间 138
方法2―用长焦镜头在开阔空间拍摄―更多视觉甜头 139
追逐场景中的位置关系 143
幽默 150
拍摄追逐场景：广角镜头 VS 长焦镜头 155
第七章总结 161
给教师的话 162
第八章　打斗场景 163
基本原则 163
双机位原则 164
分段和备用镜头 176
打斗主镜头的重要性 178
摄影师和摄影助手的重要性 178
特技拍摄的乐趣 179
第八章总结 180
给教师的话 181
总结 183
作者简介 184

前言/序言

序

罗伯特·泽米吉斯（Robert Zemeckis）， 导演。作品包括：《迫降航班》（Flight）、《贝奥武夫》（Beowulf）、《极地特快》（The Polar Express）、《荒岛余生》（Cast Away）、《危机四伏》（What Lies Beneath）、《阿甘正传》（Forrest Gump）、《回到未来I，II ＆ III》（Back to the Future I, II ＆ III）、《谁陷害了兔子罗杰》（Who Framed Roger Rabbit）、《绿宝石》（Rmancing the Stone）等。

在过去的30年中，用动感十足的画面讲故事已经逐渐成为电影中不可或缺的组成部分。观众们在数字时代长大，他们需要动感强烈的画面。科技的发展使这种需要成为可能。

吉尔·贝特曼的这本书中都是精选过的核心课程，书中的这些知识可以帮助你成功地拍出符合主流审美的、观众所期望看到的电影。书中着重阐述了如何拍摄悬疑感强烈的动作场景，以及如何用运动的摄影机拍摄对话场景。

目前市场上也有一些电影摄影方面的书籍，它们大多是技术性的，就像菜谱一样把一条条列了出来，教你如何一步步地去拍摄。但吉尔的这本书有所不同。这本书已经超越了简单的技术性的指导，而是从基本原理出发解释为什么要这样拍摄影片。

当我第一次见到吉尔时，他正在拍摄一些音乐电视和一部叫作《霹雳游侠》的动作片。打那以后，吉尔就拍摄了不少非常优秀的小成本电影，电影中的动作特技非常棒。从那时起我就一直支持他，因为我认定他是一位非常有天分的导演，他会用镜头讲故事。他的这些天分让他对电影有了不少独到的见解，并在这本书中将这些见解生动、清晰地传达给了读者。我之所以能确定这本书中讲述的内容是每个有上进心的导演都必须掌握的，那是因为不论我翻到书的哪一页，都能读到自己拍摄电影时所用的技巧。

前言

本书旨在向那些新入行的导演们传授摄影知识。只有掌握了摄影知识，导演们才有可能在如今的电影界取得成功。本书的前半部分讲述了如何用运动的摄影机去讲述一个故事情节，本书的后半部分着重讨论了如何拍摄动作场景。若能完全掌握本书的内容，那这些新人们在拍摄他们的第一部电影时就可以做得像有经验的摄影指导一样出色。此后的每次实践中，他们都可以不断地练习书中所传授的技巧，将这些技巧运用到不同电影的不同场景中去，经过反复练习，他们将日益成长为成熟的电影导演。

自2003年我出版了自己的第一本书《初为导演》（First Time Director）之后，就越来越感受到出版这本书的重要性。自2003年我的书出版之后，先后有16个国家的22所电影院校邀请我去讲授课程。我的课程之所以如此受到欢迎，正是因为长久以来电影学院和电影书籍所关注的重点都不在如何用运动的摄影机拍摄电影上。它们所关注的重点主要是如何写剧本及如何与演员沟通。当然这样做确实有道理，因为电影的好坏就是由剧本和演员的表演决定的，没有好剧本、好演员就不可能有好电影。也正因如此，传统电影界非常注重剧本编写及与演员的沟通。

但自1970年以来，电影的主流视觉效果发生了翻天覆地的变化。从那时起，在拍摄过程中摄影机的移动越来越普遍，到现在动态的摄影机拍摄已经成了电影界的常识了。与此同时，越来越成熟的计算机辅助图像技术也帮助了导演们，让他们能更好地将观众带入电影所构建的世界中。用动态摄影机拍摄电影已经成为一种趋势，这种趋势在好莱坞大片的带领下刮起了一阵旋风，也改变了全球观众对于电影的期待。电影语言的叙述方法逐渐改变了，动态的视觉效果成了电影语言中不可或缺的组成部分。如今，导演若想赢得观众的尊敬，仅仅靠用表演来讲述故事是远远不够的。他还要在电影的视觉设计方法方面也有所建树才行。不论是对于想成为经典的艺术电影还是对于好莱坞商业电影来说，这一点都至关重要。这也是我写作本书的原因。

好消息是，拍摄出动态视觉效果的方法很易学。摄影机有一个很棒的地方，那就是只要你使用了一样的操作，摄影机就一定能给你一样的结果。但要说到指导演员，那可就很难说了。你对演员说一样的话，每个演员的反应都会不一样。怎样去跟每个演员交流，让他们体会到你的心思，这是不可教也不可学的。这主要看导演与演员之间能不能有真诚的心与心的沟通。同样的道理，你可以教学生所有写作的技巧，但就算他掌握了这些写作的技巧，他也不一定能写出好的剧本来。写剧本的能力大多是老天给的。但使用摄影机就不一样了。摄影机只是一个工具，一旦输入正确了，它就一定会给出正确的输出。为了更好地用运动的摄影机拍摄电影，你只需要一项本领，那就是你要能够在大脑中预先勾勒出机位的变化会造成物体间关系怎样的变化。只要掌握了这项本领，你就能在正式拍摄之前在大脑中形成画面。如果你上学时几何学得不错，想掌握这项本领就很容易。如果你几何学得不好，那也没关系，因为电影的视觉设计有固定的原则，这些原则会告诉你怎样的输入会得到怎样的输出。所以，就像数学一样，这些原则都是固定的，是可以通过学习来掌握的。

这也让我对这本书的实用性有了信心。视觉设计的原理都是很简单的。最基本的原则是：对观众来说镜头应该是隐形的，有三种摄影机运动的方式是完全隐形的；此外，出于主镜头视觉设计的需要，在拍摄整个场景时都保持摄影机的动态性，而每个主镜头都必须在动态性和戏剧文前性之间寻找平衡；最后，动作场景也有三个原则需要遵守。以上就是电影视觉设计要掌握的所有原则了。

虽说原则本身很简单，但要将这些原则与每个场景的要求结合起来却并非易事。每个场景中戏剧矛盾的走向都不同，再加上每个场景的拍摄地点、拍摄时间也不相同，因此每个场景都需要一套特定的拍摄方案，将基本原则与场景的特点结合起来。那些伟大的视觉艺术大师们之所以称得上伟大，是因为他们将基本原则与场景结合的能力已经远远超过了“优秀”的水平，达到了出神入化的境界。卡梅隆、斯皮尔伯格、卡隆、坎皮恩等导演也正是由此成为大师。学生们需要有很高的天分才能达到这些大师的水平。但即使天资不高，学生们还是可以通过勤学苦练掌握专业的电影视觉设计艺术。只有通过一次次地将基本的原则与实际的场景相结合，学生们才能掌握这项对导演来说最为重要的拍摄技能。

这也是这本书中一半是图像，一半是文字的原因。图像都选自真实的电影场景，目的是向读者解释、分析这些导演们是怎样将基本的拍摄原则与特定的场景相结合的。这些图像就是一个个案例分析，通过这些案例，读者会发现只要灵活掌握了拍摄的基本原则，导演们就能创作出非常伟大的视觉艺术作品来。

书中在讨论如何用运动的摄影机拍摄时，我选用了以下三部电影中的场景：罗伯特·泽米吉斯的恐怖电影《危机四伏》；卡梅伦·克罗的伦理片《甜心先生》；著名电视电影导演道格·巴尔自编自导的电视电影《迷情追踪》。在讨论如何拍摄动作场景时，我将动作场景分成了三个话题：伏击场景、追逐场景及打斗场景。伏击场景选自我的一部小成本故事片《死亡从不会太早》（Never too Young to Die）；追逐场景选自凯瑟琳·毕格罗的故事片《惊爆点》；打斗场景选自电影、电视剧导演约翰·巴德姆执导的电视剧《拉斯维加斯》。

总之，以上选取的这些电影场景是学生们在成为真正的专业导演时都会接受到的挑战。我在书中详细地分析了在这些场景中导演们是如何将基本的拍摄原则与场景的特殊性相结合的。只要学生们能真正学习并领悟到这些导演的拍摄方法，终有一天他们就能成为视觉艺术的大师。

在学生们掌握到正确的拍摄方法之后，他们就可以将这些方法一次次地运用到实际拍摄中去，在每一个不同的场景中都练习使用这些方法，不断巩固书中所学的知识。

只有通过大量的练习（具体需要多少练习取决于每个人的悟性）,学生们才有可能熟练掌握当代电影视觉艺术设计的方法。而本书的目的就是推这些初出茅庐的导演们一把。想要拍摄四人以上、多个对话场景的运动主镜头是非常复杂、困难的。同样，拍摄四人以上的打斗场景或者高速的追车场景也是非常困难的事。拍电影就像爬山一样，新入行的导演们必须经过种种历练才能爬到山顶，获得应对以上这些复杂场景的能力。这本书可以让他们向上爬的速度更快一些。

如何使用本书

要想成为一名成功的导演，你就一定要知道如何用运动的摄影机进行拍摄。如我在第一章中所说，在40年前电影界的情况并不是这样的。

但如今导演对于摄影技能的掌握已经变得非常重要了，而且随着时间的推移，这项技能的重要性会愈发突显。电影的视觉要素已经日益复杂，也变得越来越有力量了。这本书正是为了告诉那些年轻的导演们该如何掌握这项复杂的技能。

在本书中，运动摄影的相关知识被分为了两个部分：（1）如何用运动的摄影机拍摄对话场景；（2）如何拍摄动作场景。因此，书中的章也分为了两大部分，第二章和第三章阐述了如何用运动的摄影机拍摄对话场景；第四章到第八章分析了如何拍摄动作场景，着重分析了如何拍摄追逐场景和打斗场景。第一章是对这两部分内容的简要介绍。

第一章

第一章一定会激起你的某种共鸣。你可能已经感受到了，要不然你就不会拿起这本书了，那就是：要想拍出好电影，你必须重视电影的视觉语言。

第二章、第三章

第二章和第三章主要讨论了如何用运动的镜头来表现戏剧矛盾。阅读过程中你会感受到一种两难的境界，因为这个任务本身就包含了一种矛盾：最能表现戏剧性的镜头是静态的镜头，而不是运动的镜头。这两章会告诉你如何在戏剧性和动态性间寻找平衡，最终成功地用运动的镜头来拍摄对话场景。

第四、五、六章

如果你要拍摄动作场景，那你一定不能让任何人受伤。只要有人受伤了，那你的饭碗也就保不久了。因此，你电影中的特技一定不能是真的暴力、危险、疯狂。但呈现给观众的视觉效果却一定要既暴力，又危险，又疯狂。这简直就是一个魔术。怎样用摄影机来展现这个魔术呢？

你要做到以下三点：把摄影机放在正确的位置；给摄影机安上正确的镜头；拍摄出足够数量的片段。第四、五、六章会教你怎么做。

第七章、第八章

用摄影机变魔术的方法是固定的，但用这些方法拍摄追逐

《大师拍片术：掌握顶级导演的运动摄影技巧》 内容简介 踏入影像创作的殿堂，掌握那些让故事跃然银幕的秘密。《大师拍片术：掌握顶级导演的运动摄影技巧》是一本深度剖析电影制作核心环节——运动摄影的实践指南。它并非简单罗列镜头语言的术语，而是通过深入浅出的讲解，引导读者理解并运用顶级导演们赖以成功的运动摄影思维与实践，让你在镜头运动的设计与执行层面，获得质的飞跃。 本书旨在为所有对电影视觉语言充满好奇和热情的创作者提供一套系统性的方法论。无论你是初涉影视的新手，还是希望提升专业技能的摄影师、导演、剪辑师，亦或是热衷于创作短视频、纪录片、广告片的独立影像人，都能从本书中汲取养分，触类旁通。我们相信，精湛的运动摄影技巧是赋予影像生命力和感染力的关键，它能够引导观众的视线，营造情绪氛围，深化叙事主题，最终触动人心。 第一部分：运动摄影的哲学与基础 在深入具体的镜头运动之前，本书首先带你探寻运动摄影的哲学内涵。我们从“为何要运动镜头？”这个根本问题出发，剖析运动摄影在叙事、节奏、情感和空间营造上的多重价值。它不仅仅是让画面“动起来”，更是为了服务于影片的整体表达。 镜头运动的叙事功能： 镜头运动如何主动地讲述故事？我们将探讨如何利用运动来揭示信息、引导观众关注、塑造人物关系、推进情节发展。例如，一个缓慢的推轨镜头可以营造悬念，一个快速的摇镜头可以展现人物的焦虑，一个跟拍镜头则能让观众身临其境。 运动与节奏的协同： 镜头的速度、幅度和持续时间，如何与剪辑的节奏相互作用，共同影响影片的整体观感？我们将分析不同运动方式对观众心理节奏的调控作用，以及如何根据影片类型和情绪需求来设计镜头运动的节奏。 情感的视觉化表达： 顶级导演如何通过镜头运动来传递人物的内心世界和情感状态？本书将深入探讨如何将抽象的情感转化为具体的视觉语言，例如，利用上升镜头表现希望，利用下沉镜头表达绝望，利用环绕镜头烘托迷茫。 空间与环境的塑造： 镜头运动不仅能展现物体，更能构建和定义空间。我们将学习如何利用平移、升降、摇转等运动来探索环境，强调人物与空间的关系，甚至创造出超越现实的空间感。 在建立起对运动摄影的宏观认知后，本书将细致梳理各种基础的镜头运动技巧，并不仅仅停留在概念层面，而是深入讲解其背后的原理、应用场景以及实际操作中的注意事项。 推（Dolly In / Out）： 探讨推镜头的不同形式（直线推、弧线推），如何通过推镜来聚焦人物的反应、揭示隐藏的细节，或者营造压迫感和释放感。 拉（Pull Out / Back）： 分析拉镜头的时机与效果，如何用拉镜头来展现人物的孤独、揭示更大的格局，或是创造一种疏离感。 摇（Pan / Tilt）： 深入讲解水平摇（Pan）和垂直摇（Tilt）的运用，如何通过摇镜头来展现广阔的场景、跟踪人物的视线、或制造出景别变化的流畅感。 升降（Pedestal Up / Down / Crane Shot）： 讲解升降镜头的多重意义，如何用升降来表现人物地位的变化、营造梦幻或现实的视角，以及如何利用摇臂（Crane）实现更具戏剧性的镜头运动。 跟拍（Tracking Shot / Steadicam）： 重点分析跟拍镜头如何创造身临其境的观感，如何设计跟随的轨迹以服务于叙事，以及 Steadicam 在稳定性和灵活性方面的革命性贡献。 轨道运动（Dolly & Track Variations）： 除了基础的直线轨道，还将探讨弧线轨道、环形轨道等复杂运动的设计，以及如何通过轨道设计来引导观众视线，创造独特的视觉韵律。 第二部分：顶级导演的运动摄影智慧 本部分是本书的核心，我们将跳出技巧的孤立讲解，进入对顶级导演创作思维的深度挖掘。本书将通过案例分析，解构大师们如何在具体的影片中，将运动摄影技巧与叙事、人物、主题完美融合，创造出令人难忘的视觉体验。 风格化运动的解析： 马丁·斯科塞斯（Martin Scorsese）： 学习他标志性的自由流畅的跟拍镜头，如何通过这种运动来展现人物的自信、掌控力，或者沉沦的过程。分析《好家伙》中的经典长镜头，理解其在营造氛围和人物刻画上的力量。 斯坦利·库布里克（Stanley Kubrick）： 探索他在空间感营造上的卓越技巧，如何利用精准的镜头运动来强调电影的哲学主题和人物的心理状态。例如，《闪灵》中浴室长镜头的运用，如何营造出令人不安的氛围。 克里斯托弗·诺兰（Christopher Nolan）： 剖析他如何在复杂的叙事结构中，巧妙运用运动镜头来引导观众的理解，制造悬念，或强化时间与空间的主题。分析《盗梦空间》中飞旋场景的运动设计，以及《记忆碎片》中非线性叙事下的镜头运动。 阿方索·卡隆（Alfonso Cuarón）： 深入理解他在一镜到底（Long Take）和复杂运动设计上的惊人成就，例如《地心引力》中模拟失重感的流畅镜头，《人类之子》中震撼的战争场面长镜头，是如何通过精确的运动调度来实现沉浸式体验的。 运动摄影的情绪与主题服务： 悬念与惊悚： 探讨如何利用缓慢的推近、紧张的摇摄、不安的跟拍等运动来构建悬念，制造紧张感。 浪漫与抒情： 分析如何用柔和的升降、流畅的轨道镜头来营造浪漫氛围，传递情感的细腻。 史诗与宏大： 学习如何通过广角镜头配合大规模的轨道运动或摇臂镜头来展现壮阔的场景，营造史诗感。 主观视角与代入感： 探讨如何通过第一人称视角跟拍，或模拟人物视线的运动来增强观众的代入感，让观众成为故事的一部分。 动态构图与运动的融合： “行走的画框”： 深入理解如何在运动中保持画面的美感与叙事性。分析如何利用“保持主体在画框中心”或“故意让主体进入/离开画框”等方式来引导观众注意。 运动与景深的配合： 探讨镜头运动如何与对焦的运用相结合，在运动中创造出景深的变化，引导观众的视觉焦点。 运动与光影的互动： 分析镜头运动如何影响光影的流动，以及如何设计运动来配合光影变化，增强画面的立体感和情绪。 第三部分：从构思到执行：运动摄影的实践流程 拥有了理论和案例的积累，本书将带领读者进入实际操作的环节，将大师的智慧转化为自己的能力。 运动镜头的调度与设计： 分镜头脚本（Storyboarding）与预演（Pre-visualization）： 强调前期规划的重要性，如何将运动镜头在脚本中可视化，以及利用技术手段进行预演，提前发现问题。 与摄影组的有效沟通： 学习如何清晰地向摄影师、摄影助理、轨道组等传达你的运动意图，使用准确的术语，并理解他们的技术限制与可能性。 轨道与斯坦尼康的运用： 详细介绍各种轨道类型（直线轨、弧线轨、多向轨）、升降臂（Jib）、斯坦尼康（Steadicam）等设备的使用方法，以及不同设备在拍摄场景中的选择依据。 无人机与摄影车的应用： 探讨在特定场景下，如何利用无人机和摄影车实现更广阔、更自由的镜头运动。 克服拍摄中的挑战： 平稳性与晃动控制： 讲解各种稳定器、防抖系统的工作原理，以及在没有专业设备时，如何通过演员表演、机位选择等方式减少不必要的晃动。 狭小空间内的运动： 探讨在有限空间内进行镜头运动的策略，例如使用小型轨道、手持稳定器，或设计更精巧的镜头组合。 长镜头的执行难度： 分析长镜头（Long Take）拍摄中的挑战，包括演员表演的连贯性、设备的稳定性、以及调度上的精确性，并提供克服这些挑战的实际建议。 运动与后期剪辑的整合： 镜头运动的逻辑延伸： 探讨镜头运动如何在剪辑中得到延续和强化，以及如何通过剪辑来弥补或增强镜头运动的效果。 运动镜头为剪辑服务的艺术： 理解如何在拍摄时为后期剪辑预留空间，例如确保镜头有足够的“入”和“出”，方便剪辑师进行衔接。 结语 《大师拍片术：掌握顶级导演的运动摄影技巧》不仅仅是一本关于“如何拍”的书，它更是一本关于“为何这样拍”的思考。它邀请你加入一场影像的探索之旅，通过理解和实践，让你的镜头语言更加丰富、精准、富有感染力。掌握了运动摄影的精髓，你就掌握了赋予影像生命力的关键钥匙，让你的故事，在银幕上，在屏幕上，以最动人心魄的方式呈现。这本书将是你成为一名卓越影像创作者道路上不可或缺的伙伴。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我读过的运动摄影书籍不少，但大多都停留在理论层面，或者只是简单罗列一些设备参数。这本书的厉害之处在于，它真的把“艺术”和“技术”完美地结合了起来。它没有回避那些晦涩难懂的力学原理，但又用非常生活化的语言把它解释清楚了，比如如何通过机位和速度的变化来控制观众的情绪。我特别欣赏作者在讲述每个技巧时，都会穿插一些经典电影的案例进行分析，这让理论不再是空中楼阁，而是有了具体的画面支撑。当我看到作者拆解那些宏大场面中看似随意的镜头时，才发现每一个运镜背后都蕴含着精密的计算和深思熟虑的艺术表达。这种深入骨髓的解析，真的让我对“镜头语言”有了更深层次的理解，不再是简单的跟拍，而是有目的、有情感的画面叙述。这本书的结构安排也非常巧妙，循序渐进，让你在不知不觉中，就把那些复杂的概念都吸收消化了。

评分☆☆☆☆☆

我发现这本书的排版和插图设计也极其用心。很多技术书籍的示意图都做得模糊不清，或者干脆就是一张简单的线条图，让人看了费劲。但这本《大师拍片术》里，那些关于稳定器调试、斯坦尼康背负姿势的图示，清晰到仿佛能触摸到设备本身。每一个步骤都有明确的标注和细节放大，即便是对设备不熟悉的初学者，也能快速上手。而且，作者在章节之间穿插了一些“大师札记”的小插曲，这些更像是私人化的工作日志，记录了拍摄过程中遇到的各种趣事和教训，读起来轻松活泼，很好的平衡了技术讲解的严肃性。这种多维度的内容呈现方式，极大地提升了阅读体验，让我觉得这不是一本冰冷的教材，而是一本可以反复翻阅的“工具书+心灵鸡汤”。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容这本书给我的感受，那就是“系统性”。它不仅仅是教会你如何操作一台摄像机，更重要的是，它帮你建立了一套完整的运动摄影思维框架。从最初的概念构思，到现场的执行细节，再到后期的调整优化，每一个环节都被作者梳理得井井有条。我尤其喜欢它对不同运动类型——比如航拍、跟拍、手持摇摄——的分类讨论，每一种都有其独特的挑战和最佳实践。这本书让我明白了，一个好的运动镜头不是靠运气或者昂贵设备堆砌出来的，而是导演、摄影师和灯光师之间默契配合的结晶。它没有给我“速成”的幻觉，反而让我更加敬畏这个行业，明白了精进技艺需要长期的积累和不断的自我反思。这本书绝对是所有想在视觉叙事上有所突破的影视工作者案头必备的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的最大震撼，在于它对“风险管理”和“应变能力”的强调。很多技术书籍只会告诉你“应该怎么做”，但这本书却花费了很大篇幅来讨论“万一出问题了怎么办”。比如，在拍摄快速移动的场景时，如何预判光线变化，如何保证焦点不丢失，以及如何在设备突发状况下迅速找到替代方案。作者的经验之谈让我这个业余爱好者都感到受益匪浅，毕竟实战中总有各种不确定因素。尤其是关于安全规范的部分，写得非常严肃和负责任，这体现了作者对电影制作的敬畏之心。读完这部分，我对自己今后的拍摄计划更加审慎了，不再是盲目追求酷炫的镜头，而是会把稳定性和安全性放在首位。这种近乎严苛的专业态度，是其他很多浮夸的教程所不具备的，让人感到踏实。

评分☆☆☆☆☆

拿到这本沉甸甸的书，心里真是充满了期待。我一直对电影制作，尤其是那些教科书上没怎么细说的运动镜头拍摄技巧充满了好奇。翻开第一页，就被作者那种直击灵魂的文字功底给抓住了。他不是那种干巴巴地堆砌术语的教科书作者，更像是一个经验丰富的老炮儿，带着你走进片场，手把手地教你。书里对前期准备的讲解尤其到位，从脚架的选择到滑轨的安装，每一个细节都讲得深入浅出，让人感觉好像自己真的置身于那个充满烟火气的片场了。特别是关于如何根据场景设计镜头的运动轨迹，那段描述简直是醍醐灌顶，让我一下子明白了为什么有些电影的镜头会那么丝滑流畅，而有些却显得生硬别扭。作者的文笔中带着一种独特的节奏感，读起来完全没有那种枯燥感，反而像是在听一个资深前辈在分享他的独门秘笈，那种真诚和热情感染着我，让我恨不得立刻拿起相机去实践一番。

评分☆☆☆☆☆

还没拆开看，其他几本是没有封皮的，有点旧……但里面还行，都是黑白的，所以没有彩印的书那么贵……嗯，感觉还可以

评分☆☆☆☆☆

京东送货很快，东西也是很好。

评分☆☆☆☆☆

内容比较实用，都是干货。

评分☆☆☆☆☆

书很新！发得很快！很喜欢！

评分☆☆☆☆☆

非常好，是正版。京东就是快。

评分☆☆☆☆☆

正在学习中，这个系列买全了，

评分☆☆☆☆☆

挺好的，可以看看

评分☆☆☆☆☆

不错，发货蛮快的。

评分☆☆☆☆☆

这书都好贵啊，反正比一般的书贵