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☆☆☆☆☆

李锡泽，王喆，苟晓容 编

图书标签:

• 动漫设计
• 动漫基础
• 绘画基础
• 设计入门
• 技法
• 教程
• 漫画
• 插画
• 角色设计
• 素描

出版社： 武汉大学出版社

ISBN：9787307157415

版次：1

商品编码：12100256

包装：平装

开本：16开

出版时间：2015-05-01

用纸：胶版纸

页数：204

字数：311000

正文语种：中文

内容简介

　　《动漫设计基础》是针对职业技术院校艺术设计类的学生，以及广大的动漫爱好者而编纂的动漫基础学习指南，为广大动画学习者提供了有效的实践方法和大量有参考价值的资料。
　　《动漫设计基础》在模块内容设置上，依照动画专业的性质，将动画的发展史与基本制作流程作为开端引入，依次展开以剧本、导演、分镜为主的前期创意阶段学习，以人体结构、造型设计、场景设计为主的前期美术设定阶段学习，以原画设计、运动规律为主的中期制作阶段学习，以及以色彩原理、色彩视觉为主的后期修饰阶段的学习，层层递进，具有较强的条理性。

目录

模块1 动漫制作基础
项目1 动画基础知识
任务1 中国动画发展
任务2 动画原理
任务3 动画制作流程
任务4 动画的分类
项目2 动画制作前期准备
任务1 拟定主题和市场调研
任务2 构思和素材收集
自主学习
单元实训
习题
模块2 动画故事板
项目1 剧本
任务1 文学剧本
任务2 动画剧本
项目2 导演
项目3 镜头与景别
任务1 镜头
任务2 景别
项目4 故事板
自主学习
单元实训
习题
模块3 动漫美术基础
项目1 绘画基本要求
任务1 绘画工具介绍
任务2 构图
项目2 人体结构
任务1 人体透视
任务2 人体结构
任务3 素描技法
任务4 卡通技法
项目3 造型设计
任务1 成人
任务2 卡通Q版
任务3 动漫演员
任务4 造型板
项目4 场景设计
任务1 场景设计的原理与方法
任务2 空间构成
任务3 色彩创作
自主学习
单元实训
习题
模块4 运动规律
项目1 原画设计
任务1 原画
任务2 中间画
任务3 动画
项目2 运动规律
任务1 自然运动规律
任务2 人物运动规律
任务3 动物运动规律
自主学习
单元实训
习题
模块5 色彩设计
项目1 色彩原理
任务1 色彩原理的基本知识
任务2 色彩对比
项目2 色彩视觉
任务1 色彩心理
任务2 色彩调和
自主学习
单元实训
习题

《动漫设计基础》 简介 《动漫设计基础》是一本旨在为零基础的动漫爱好者和 aspiring 创作者提供坚实入门指导的图书。本书并非简单罗列各种技法，而是深入浅出地剖析动漫制作的核心理念，从最根本的视觉语言、思维方式入手，引导读者建立起一套完整的动漫设计体系。它就像一位经验丰富的向导，带领你踏入奇妙的动漫世界，让你不仅仅是学习“如何画”，更是理解“为何要这样画”。 内容详述 第一部分：视觉语言的基石——理解与构建 在正式进入绘画技巧之前，本书首先强调了“理解”的重要性。我们看到的每一个动漫角色，每一个场景，都是经过精心设计的视觉语言表达。 何为“动漫”？——跨越文化与风格的探索： 本章将带领读者回顾动漫艺术的发展历程，从其在日本乃至全球的起源、演变，到不同风格（如日式动漫、欧美卡通、国漫等）的特点与差异。这并非枯燥的历史陈述，而是通过分析经典作品的视觉元素、叙事手法、主题思想，帮助读者建立对动漫“多样性”的认知，从而理解“基础”并非单一固定的模式，而是理解不同体系下的共通规律。读者将学习如何辨别不同风格的细微差别，并思考它们背后的文化土壤和创作理念。 构图的魔力——引导视线与情绪的艺术： 构图是动漫作品中最基础也是最关键的视觉元素之一。本书将系统讲解各种构图原理，如黄金分割、三分法、对称构图、引导线、框架构图等。但这不仅仅是记住规则，而是理解这些规则如何服务于故事叙述和情感表达。我们将通过大量实例分析，例如如何运用低视角增加角色的压迫感，如何利用高视角营造壮阔的场景，如何在对话场景中通过构图的变化来暗示人物关系和情绪波动。读者将学会如何主动运用构图来引导观众的视线，突出画面重点，营造氛围，甚至预示情节发展。 线条的生命力——形状、体积与动感的表达： 线条是动漫最基本的构成元素。本书将深入探讨线条的粗细、疏密、曲直如何影响画面的质感和表现力。我们将从最基础的点、线、面开始，讲解如何通过不同的线条组合来塑造二维图形和三维体积感。更重要的是，本书会强调线条的“生命力”，即如何通过流畅、有节奏的线条勾勒出角色的动作、姿态和表情。读者将学习如何根据描绘对象的特点，选择最适合的线条类型，以及如何通过线条的力度和变化来传达角色的性格和情绪。 光影的语言——塑造立体感与营造氛围： 光影是赋予画面生命力的关键。本书将详细讲解自然光、人造光源的特性，以及它们在动漫中的运用。读者将学习如何理解光源的方向、强度和颜色如何影响物体的受光面、背光面和投影，从而有效地塑造出物体的三维立体感。同时，本书也将探讨光影在营造场景氛围中的作用，例如暖色调的光影可以营造温馨浪漫的场景，冷色调的光影则能营造紧张或神秘的氛围。通过分析不同光影表现手法，读者将学会如何运用光影来突出主体，引导观众的注意力，并为画面注入更强的戏剧性和感染力。 第二部分：角色的灵魂——从概念到设计的转化 角色是动漫作品的灵魂。本书将带领读者深入挖掘角色设计的方方面面，从最初的概念构思到最终的视觉呈现。 角色原型的构建——性格、故事与背景的融合： 一个成功的角色并非一张漂亮的脸蛋，而是拥有鲜活的“灵魂”。本书将引导读者从角色的性格、故事背景、人生经历等深层维度出发，构建角色的“原型”。这包括思考角色的动机、价值观、人际关系，以及他们所处的环境如何塑造了他们的性格。读者将学习如何将这些内在的元素转化为外在的视觉特征，使角色更加真实可信。 形态与比例的法则——人体结构的基础认知： 无论绘制什么样的角色，对人体结构的理解都是必不可少的。本书将从基础的人体比例、骨骼结构、肌肉走向入手，讲解如何准确地绘制出不同年龄、性别、体型的角色。这并非要求读者成为解剖学专家，而是理解人体运动的规律和关键的骨骼标记点，从而绘制出自然、有说服力的人体形态。我们将强调在动漫风格下，如何在保持基本人体结构准确性的同时，进行适当的夸张和变形，以符合动漫的视觉风格。 表情与情绪的传递——抓住人物内心世界的精髓： 表情是角色情绪最直接的表达方式。本书将系统讲解面部肌肉的运动规律，以及它们如何组合形成各种基础表情，如喜、怒、哀、乐、惊讶、恐惧等。更重要的是，本书将引导读者理解如何在动漫风格下，通过夸张、变形的面部特征来强化角色的情绪表达，使之更具感染力。我们将通过大量示范，分析不同表情在不同情境下的细微差别，以及如何通过眼神、嘴角、眉毛等细节来传递角色的内心世界。 服饰与道具的设计——功能、美学与角色特性的统一： 服饰和道具不仅仅是角色的外在装饰，更是其身份、职业、性格、文化背景的体现。本书将讲解如何根据角色的设定，设计出既符合功能性又具有美学价值的服饰和道具。这包括服装的材质、剪裁、色彩选择，以及道具的造型、细节如何烘托角色的特点。读者将学习如何通过服装和道具的设计，为角色增添更多的信息量和故事性，让观众一眼就能了解角色的基本信息。 色彩的魔法——赋予角色生命与情感： 色彩是动漫中最直观、最富有情感的表现方式。本书将深入讲解色彩的基本原理，如色相、饱和度、明度，以及色彩的冷暖、对比、和谐等。但本书的重点在于如何将色彩理论应用于动漫角色设计。我们将分析不同色彩组合如何影响观众的情绪，例如蓝色系常用于表现冷静、忧郁，红色系则充满活力、激情。读者将学习如何为角色选择最适合的色彩方案，以突出角色的性格特点，烘托场景氛围，并使角色在画面中脱颖而出。 第三部分：世界的构建——场景与氛围的营造 优秀的动漫作品离不开引人入胜的场景设计。本书将带领读者从宏观到微观，学习如何构建一个真实而富有想象力的动漫世界。 空间透视的原理——绘制立体世界的基石： 透视是表现空间深度和立体感的关键。本书将系统讲解一点透视、两点透视、三点透视等基本透视原理，并阐述如何在动漫中灵活运用这些原理。我们将通过大量的图例示范，讲解如何绘制倾斜的地面、倾斜的建筑，以及如何表现远近物体的比例变化，从而营造出真实可信的空间感。读者将学习如何通过透视的变化来引导观众的视线，突出场景的重点，并为画面注入动态感。 环境设定的艺术——从真实世界到奇幻领域的跨越： 本章将引导读者理解环境设定并非简单地绘制背景，而是对一个虚拟世界进行全面的构思。从自然景观（山川、河流、森林）到人造建筑（城市、乡村、未来空间），本书将讲解如何根据故事的需要，设计出具有独特风格和说服力的环境。我们将讨论如何通过建筑的风格、材质、细节来反映该世界的文化、科技水平和历史。读者将学习如何将现实世界的观察融入到虚构的创作中，并为动漫故事提供一个可信的舞台。 氛围的营造——光影、色彩与细节的协同作用： 场景的氛围直接影响观众的情绪体验。本书将深入探讨如何通过光影、色彩、天气、时间等元素来营造不同的场景氛围。例如，黄昏时的柔和光线可以营造温馨宁静的氛围，暴风雨中的昏暗光线和阴沉色彩则能制造紧张和压抑。读者将学习如何通过对细节的精心处理，如地面上的积水、墙壁上的苔藓、空气中的尘埃等，来增强场景的真实感和代入感，从而让观众沉浸其中。 第四部分：动感的注入——让画面“活”起来 动漫的核心在于“动”。本书将从基础出发，讲解如何让静态的画面展现出运动的张力。 动态姿态的捕捉——从观察到表现： 运动的本质在于姿态的变化。本书将引导读者学会如何通过观察现实生活中的人物和动物的运动，捕捉其动态的瞬间。我们将分析不同运动姿态的骨骼、肌肉变化，以及如何通过夸张和变形来强调动作的力度和美感。读者将学习如何绘制出富有力量感、速度感和平衡感的动态姿态，即使是静态的画面也能让人感受到运动的轨迹。 线条的速度感——墨迹与轨迹的艺术： 线条不仅仅用于描绘形状，更能传达运动的速度和方向。本书将讲解如何通过飞白、粗细变化、拖尾线条等手法，在画面中表现出物体的运动轨迹和速度感。我们将分析不同运动类型（如奔跑、跳跃、挥拳）所需的线条表现方式，让画面充满动感和冲击力。 表现运动的辅助元素——残影、速度线与模糊效果： 为了进一步强调运动，动漫中常常会运用一些辅助性的视觉元素。本书将详细讲解残影、速度线、模糊效果等表现手法。读者将学习如何根据运动的类型和速度，恰当地运用这些元素，以增强画面的动感和节奏感。我们将通过实例分析，演示如何利用这些技巧来提升画面的视觉冲击力。 本书特色 强调“理解”而非“模仿”： 本书并非提供一套套“模板”，而是通过讲解背后的设计理念和原理，让读者掌握解决问题的能力。 循序渐进，由浅入深： 从最基础的视觉语言开始，逐步深入到角色的设计、场景的构建和动态的表现，确保读者能够扎实地掌握每一个阶段的知识。 丰富的实例分析： 结合大量优秀动漫作品的经典案例，深入浅出地讲解理论知识，帮助读者建立直观的理解。 注重实践与思考： 鼓励读者在学习过程中进行大量的练习和思考，将所学知识融会贯通，形成自己的设计思维。 激发创作潜能： 旨在帮助读者建立起一套属于自己的动漫设计方法论，为日后的独立创作打下坚实的基础。 《动漫设计基础》是一本适合所有对动漫创作充满热情，渴望将脑海中的奇思妙想转化为视觉作品的读者。无论你是初学者，还是希望系统梳理动漫设计知识的爱好者，本书都将是你踏上动漫创作之路的理想起点。它不仅教会你如何画，更重要的是，它将帮助你理解动漫的魅力所在，并为你打开通往无限创作可能的大门。

评分☆☆☆☆☆

我是一名对漫画创作充满热情的学生，一直以来都希望能画出引人入胜的故事和鲜活的角色。在寻找创作灵感的过程中，偶然发现了《动漫设计基础》这本书，它带给我的启发远超我的预期。 这本书最让我惊喜的地方在于，它不仅仅是关于“画技”的提升，更深入地触及到了“叙事”和“表现”层面。在角色设计的部分，它强调了“性格决定外形”的理念，通过对不同性格特征的分析，指导我们如何将这些特征转化为角色的造型、服装甚至肢体语言。比如，对于一个内向的角色，我们会倾向于使用柔和的线条和更保守的服装，而对于一个活泼的角色，则可能运用更夸张的肢体和更鲜艳的色彩。这让我意识到，角色设计不仅仅是为了好看，更是为了更好地服务于故事。书中关于“画面节奏”的讲解，也让我耳目一新。它教导我们如何通过画格的疏密、大小、构图的变化来控制读者的阅读速度，营造出紧张、舒缓或爆发的阅读体验。这一点对于漫画创作来说至关重要。此外，书中还涉及了一些关于“镜头语言”的简单介绍，虽然不是电影专业级别的深度，但对于漫画作者来说，了解如何运用不同的镜头角度来增强故事的张力和观众的代入感，已经是非常宝贵的财富了。这本书让我觉得，漫画创作不仅仅是画画，更是一门关于如何用视觉语言来讲好故事的艺术。

评分☆☆☆☆☆

作为一名动画爱好者，我总是梦想着有一天能创作出属于自己的短片。但是，从想法变成屏幕上的动态画面，其中的鸿沟仿佛天堑。《动漫设计基础》这本书，为我提供了一个非常清晰的“桥梁”。 它不像一些技术类书籍那样，上来就讲复杂的动画软件操作，而是从最核心的“运动规律”入手。书中关于“关键帧”和“中间帧”的讲解，让我第一次真正理解了动画的“帧”是如何构成的，以及它们之间的逻辑关系。最让我受益匪浅的是关于“运动的十二法则”的介绍，虽然不是全部都在这本书里，但它点出了其中几个非常核心的法则，比如“挤压与拉伸”、“预备动作”、“缓入缓出”等。通过生动的图例，我能够清晰地看到，为什么一个简单的跳跃动作，加入这些法则后就能变得如此生动和有弹性。我以前画的“动图”，总像是僵硬的木偶在移动，现在我明白了，那是因为我忽略了物体在运动过程中的形变和力学的反馈。书中还讲解了如何通过“分镜”来规划一个场景的流程，以及如何通过“表演”来赋予角色生命。它没有直接告诉我如何使用某个动画软件，而是让我明白了“动画”这个艺术形式的本质，这种“授人以渔”的方式，让我觉得这本书的价值远超一般的设计教程。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是为我量身定做的！一直对动漫世界充满热爱，看着那些生动鲜活的角色在屏幕上跳跃，总觉得背后一定蕴藏着神奇的魔法。但自己动手却总觉得差了点什么，画面不够流畅，人物比例也总是怪怪的。朋友推荐了这本《动漫设计基础》，我抱着试试看的心态翻开，结果就像打开了一个全新的世界！ 书中的讲解非常系统，从最基础的线条、形状入手，一步步教你如何构建出立体的人物。我之前画人物总是抓不住关键，比如眼睛怎么画才更有神，头发怎么处理才能显得飘逸。这本书里有非常详细的步骤图，而且每一步都解释得很清楚，不仅仅是告诉你“怎么画”，更重要的是让你明白“为什么这么画”。比如，关于面部结构的部分，它会详细分析骨骼和肌肉的关系，让我一下子就理解了为什么鼻子会是那个形状，为什么嘴巴会有那么多表情的可能性。还有身体比例的讲解，我以前总是画出“小人”，现在才知道原来有那么多黄金分割点和参考线可以用。最让我惊喜的是，书中还穿插了很多经典动漫角色的拆解分析，看着这些熟悉的形象被一点点还原成基础元素，感觉就像在学习大师的秘籍一样，非常有启发性。它没有给我一种“照猫画虎”的感觉，而是真正地教会了我“如何理解”动漫人物的构造，这让我充满了信心去进行自己的创作。

评分☆☆☆☆☆

作为一名想要踏入游戏美术领域的学习者，我一直在寻找一本能够打下扎实基础的教程。市面上关于游戏美术的书籍很多，但很多都过于侧重软件操作，或者直接跳到高级概念，让我这个新手感到无从下手。《动漫设计基础》这本书，虽然名字听起来偏向动画，但它所讲解的关于造型、透视、色彩运用等基础知识，对于游戏角色设计、场景设计都至关重要。 书里关于人体解剖的讲解，虽然不是那种严谨到学术的程度，但已经足够让我在绘制角色时掌握准确的骨骼和肌肉走向，避免出现不自然的扭曲。更重要的是，它强调了“观察”的重要性，鼓励读者去生活中寻找灵感，去观察不同人的体态特征，这对于塑造有辨识度的角色非常有帮助。而关于透视的讲解，更是把我从“画平面的感觉”拉回到了“空间感”的构建，无论是绘制游戏中的建筑，还是角色在场景中的站位，都能因此变得更具深度和真实感。此外，书中关于色彩搭配的章节，虽然不直接涉及游戏引擎的渲染，但它对色彩的情感表达、色调的运用原则的分析，让我对如何通过色彩来烘托游戏氛围有了更深刻的理解。它教会我如何选择合适的颜色组合来传达角色的性格，如何利用色彩的冷暖来营造不同的游戏场景情绪。这本书给我的感觉是，它不只是教你“怎么画”，更是在培养你“怎么去看”和“怎么去思考”设计。

评分☆☆☆☆☆

我对插画一直有着浓厚的兴趣，尤其喜欢那些充满故事感的角色和奇幻的场景。之前我尝试过一些画法，但总觉得自己的作品缺乏一种“灵魂”，人物显得呆板，画面也比较单调。《动漫设计基础》这本书，在某种程度上，为我提供了一种全新的视角来审视我的创作。 书里关于情感表达的讲解，给我留下了深刻的印象。它不只是教你画出眼睛、鼻子、嘴巴，而是教你如何通过这些元素来传递角色的情绪——是喜悦、悲伤、愤怒还是惊讶。书中有很多关于面部表情的案例分析，并且将这些表情与人物的性格特点联系起来，让我明白，一个好的角色设计，不仅仅是外形上的酷炫，更在于它能够引发观者的共鸣。此外，关于构图的章节，我之前一直觉得构图就是把东西摆好看就行了，但这本书让我明白了构图的“引导性”和“节奏感”。它教我如何利用引导线、黄金分割、留白等技巧，将观者的视线引向画面的重点，如何通过画面的疏密来营造视觉的冲击力。书中还涉及了一些简单的场景设计原则，比如如何通过背景来烘托人物，如何利用景深来增强画面的层次感。这些内容虽然不是非常深入，但对于我这种需要快速构建插画场景的人来说，已经非常有帮助了。它让我开始思考，我的画面不仅仅是在“展示”内容，更是在“讲述”一个故事。