歌曲写作教程 全国普通高等学校音乐学本科教材樊祖荫歌曲创作书籍作曲作词技法基础入门教材 人 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103031384

商品编码：29525000541

出版时间：2017-07-01

商品详情

 

 

音乐理论与实践：走向精湛的音乐创作之路 （以下内容为符合要求的图书简介，不含樊祖荫《歌曲写作教程》相关信息） 本书旨在为所有对音乐创作抱有热忱的学习者提供一套系统、深入且实用的理论与实践指导。它不仅仅是一本理论手册，更是一张引领你穿越音乐结构、和声色彩、旋律构建与风格探索的地图。全书结构严谨，内容丰富，力求从基础原理出发，逐步攀升至复杂的音乐表达层面，确保读者能够扎实地掌握从零开始构建音乐作品所需的一切核心技能。 --- 第一部分：音乐的基石——听觉训练与基础元素解析 本部分侧重于构建学习者坚实的音乐基础，强调“听觉”在创作中的核心地位。我们深信，优秀的创作者首先必须是敏锐的倾听者。 第一章：声音的感知与内化 本章详细探讨了音乐声音的物理属性与心理感知之间的关系。内容涵盖音高、音色、力度、时值的精确辨识训练。通过一系列针对性的听觉练习，帮助读者建立起内部的“音响图书馆”，实现“未听先知，闻音能辨”的能力。重点分析了不同乐器音色的特征、混合时产生的听觉效果，以及如何利用细微的音色变化来烘托情感氛围。此外，还引入了前沿的听觉心理学知识，解析大脑如何处理和记忆音乐模式。 第二章：节奏的骨架与律动的构建 节奏是音乐的脉搏。本章超越了简单的节拍划分，深入探讨了复合节奏、错位节奏（Syncopation）、以及亚分割在创造驱动力方面的作用。我们将分析世界不同音乐文化中对节奏处理的差异，例如，如何从非洲鼓点中提取能量，或从欧洲古典音乐中学习精确的对位节奏。书中提供了大量的节奏模版和练习，旨在训练读者的“体内时钟”，使节奏感自然而然地融入创作思维。探讨了节奏如何服务于情感表达，如紧张、松弛、急促或沉思。 第三章：音高与调性的空间构建 本章系统梳理了从自然音阶到复杂调式、再到无调性体系的演变过程。详细解析了大小调的色彩对比、大小调的七种调式（自然、和声、旋律）的细微差别及其在不同历史时期的应用。书中特别设置了“调性色彩实验室”，鼓励读者通过演奏和聆听来直观感受调式转换带来的情绪冲击。对于现代音乐中的微音程和十二音体系，本章也给予了清晰的入门介绍，为读者打开了超越传统和声的视野。 --- 第二部分：和声的逻辑与色彩的调配 和声是音乐的深度与立体感所在。本部分将引导读者掌握和声的语法、功能，并学习如何超越语法，用和声来描绘画面和情绪。 第四章：功能和声的严谨框架 从最基础的三和弦开始，逐步深入到七和弦、九和弦的构成与功能（主、属、下属）。本章强调理解和声的“语法”而非简单记忆“公式”。通过大量的范例分析，剖析功能和声在导向解决（Resolution）过程中的张力与释放。重点讲解了二级属和弦、减七和弦等关键和弦在连接段中的铺陈作用，确保读者能够构建出逻辑清晰、流畅自然的和声进行。 第五章：色彩和声的探索与应用 超越传统功能和声的限制，本章聚焦于如何利用色彩和声丰富音乐质感。内容包括：挂留和弦（Suspensions）、变化音和弦（Altered Chords）、以及借用和弦（Borrowed Chords）的应用技巧。着重分析了印象派音乐、爵士乐中对和声色彩的极致运用，如增五、降九和弦的使用对听觉产生的朦胧感或尖锐感。书中提供了“和声色彩速查表”，帮助创作者根据所需情绪快速选择合适的和弦进行。 第六章：对位法与织体的构建 织体是音乐的骨架搭建方式。本章从巴赫的复调思想出发，系统讲解两条或多条独立旋律线如何交织共存。内容包括：严格对位法的基本规则（严格模仿、自由模仿），以及更具现代意义的非模仿性对位（Counterpoint）在配器中的应用。重点分析了如何利用织体密度、层次的清晰度来控制音乐的力度和清晰度，避免“一团浆糊”式的声响。 --- 第三部分：旋律的塑造与结构的设计 旋律是音乐的灵魂，是直接触动人心的桥梁。本部分致力于提升读者塑造具有记忆点和表现力的旋律线的能力，并教授如何将旋律组织成宏大的结构。 第七章：旋律的生成原理与情感编码 本章深入探讨了旋律的“可唱性”与“逻辑性”。分析了动机（Motif）的提炼、发展与再现如何构成旋律的内在逻辑。内容涵盖：音程的选择倾向性（大跳与级进的对比）、节奏型在保持连贯性中的作用。书中提供了针对不同情绪（如喜悦、哀伤、悬念）设计的旋律模版，并教授如何运用“轮廓分析法”来审视和优化自己创作的旋律线条的起伏走向。 第八章：曲式结构与宏大叙事 音乐结构是作品的蓝图。本章详细解读了从巴洛克时期的曲式（如赋格、奏鸣曲式）到浪漫主义的自由曲式（如幻想曲、叙事曲）的演变。重点剖析了“呈示-发展-再现”这一核心结构范式在不同体裁中的灵活运用。读者将学习如何通过段落的长度对比、主题的变形、转调的策略来构建具有张力递进和合理收束的音乐篇章。 第九章：配器基础与乐器特性 本章为创作者打开了“音色组合”的大门。系统介绍了管弦乐队、键盘乐器组以及常用民乐器的音域、音色特点和演奏技巧限制。关键在于理解“如何为特定的旋律找到最适合的载体”。内容包括：如何避免音域的拥挤、如何利用木管和弦乐的不同声部组合来创造透明或丰满的音响效果，以及现代电子音色在音乐中的融合策略。 --- 第四部分：风格的模仿与个人语汇的建立 成功的创作需要立足于传统，最终超越传统，形成独特的“音乐指纹”。 第十章：历史风格的剖析与模仿 本章提供了针对性极强的“风格解码器”。通过对巴洛克、古典、浪漫、印象派以及二十世纪现代音乐（如新古典主义、序列主义）的代表作品进行结构、和声、配器层面的拆解分析，帮助读者理解不同时代音乐语言的共性与个性。通过模仿练习，读者能熟练掌握不同风格的“语法”，为后续的自由创作打下坚实基础。 第十一章：创作流程与自我评估体系 本章侧重于“如何将灵感转化为成品”。内容包括：从初始概念（Idea Generation）到草稿、到精细编排（Arrangement）的完整流程管理。此外，书中构建了一套自我批评和反馈的体系，指导创作者如何客观地评估自己的作品在逻辑性、表现力和创新性上的优劣，培养持续进步的创作习惯。 结语：走向成熟的音乐语汇 音乐创作是一场永无止境的探索。本书提供的工具箱已然完备，接下来的旅程需要创作者以极大的热情和毅力去实践和发展。真正的成熟，在于能够将所学的理论与个人独特的情感体验融为一体，最终形成一种既能被理解，又充满个人印记的音乐语言。 （全书配有大量精选的乐谱示例、听力材料建议以及实践习题，旨在确保理论学习能够即时转化为可操作的创作技能。）

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐爱好者，我总希望能将自己脑海中的旋律用歌声表达出来。在寻找歌曲创作指导的过程中，我偶然接触到了一本厚重的教材。这本书在和声运用方面给我带来了醍醐灌顶的感受。我之前对和声的理解仅停留在简单的三和弦和七和弦，这本书则更深入地讲解了各种属和弦、减和弦、挂留和弦的运用，以及它们如何构建出更丰富、更具张力的和声色彩。书中还详细介绍了如何利用不同乐器的音色特点来为歌曲增加层次感和空间感。我特别喜欢书中关于“动机发展”的章节，它教会我如何将一个简单的旋律动机通过各种方式进行变形、扩展和重组，从而发展出一首完整的歌曲。这种系统性的学习让我对歌曲的整体结构有了更清晰的认识，不再是零散的片段组合。虽然这本书的深度可能对我这个初学者来说有些挑战，但我相信，随着我不断的学习和练习，它一定会成为我歌曲创作路上的得力助手。

评分☆☆☆☆☆

我最近迷上了歌曲创作，一直在寻找一本既有深度又不失趣味的入门教材。在浏览了各种推荐后，我最终选择了一本名字很长、看起来很专业的书籍。拿到手后，我迫不及待地翻阅起来，希望能从中汲取创作的养分。一开始，我对书中关于基础乐理和和声的讲解印象深刻。作者用非常清晰易懂的语言，将那些抽象的概念具象化，还配有大量生动的乐谱示例，让我这个初学者也能很快理解。特别是关于旋律线条的构建，书中给出了几种经典的模进和解决方式，并分析了它们在不同风格歌曲中的应用。我还学到了如何运用节奏变化来增强旋律的活力，以及如何通过大小调的转换来营造不同的情绪氛围。书中的练习题也很有针对性，既能巩固所学知识，又能激发我的创作灵感。虽然还有很多需要深入学习的地方，但这本书无疑为我打开了歌曲创作的大门，让我对接下来的学习充满了期待。

评分☆☆☆☆☆

我一直对歌曲创作抱有浓厚的兴趣，但总感觉无从下手。市面上有很多声称能快速教会创作的书籍，但往往过于浅显，或者脱离实际。经过朋友的推荐，我找到了一本看上去比较学术的书籍，希望它能给我带来一些不一样的东西。这本书在歌词创作方面给了我很大的启发。作者深入浅出地讲解了歌词的结构、韵律和意象构建。我学习到了如何运用比喻、拟人等修辞手法来丰富歌词的表达，以及如何通过情感的递进和场景的切换来构建一首完整的叙事性歌词。书中还提供了一些关于不同主题歌词的创作案例分析，让我看到了优秀歌词是如何炼成的。更重要的是，作者强调了歌词与旋律之间的互动关系，指出好的歌词应该能够激发旋律的创作，反之亦然。这让我意识到，歌词创作并非孤立的存在，而是整个歌曲创作体系中不可或缺的一部分。我开始尝试着去写一些简单的歌词，虽然还比较稚嫩，但每一次的尝试都让我离心中的目标更近一步。

评分☆☆☆☆☆

我一直梦想着能创作出属于自己的歌曲，能够将内心的情感和故事通过音乐传递给他人。在探索歌曲创作的过程中，我找到了一本内容详实的书籍。这本书在旋律与节奏的结合上，给了我很多实用的技巧。作者详细讲解了不同音乐风格中旋律和节奏的特点，以及它们是如何相互配合、共同塑造歌曲情感的。我学习到了如何运用切分音、附点音符等节奏手法来增加旋律的动感，以及如何通过旋律的起伏和节奏的快慢来表达不同的情绪。书中还提供了很多关于如何为不同类型的歌词谱写旋律的范例，这让我能够更直观地理解歌词与旋律之间的关系。此外，作者还强调了原创性的重要性，鼓励我们在学习经典的同时，也要勇于打破常规，尝试新的创作方式。这本书的启发让我意识到，歌曲创作不仅仅是技巧的堆砌，更是情感的表达和个性的体现。

评分☆☆☆☆☆

我一直对歌曲创作充满了好奇，但缺乏系统性的指导。在寻觅过程中，我偶然发现了一本看起来非常权威的书籍。这本书在歌曲的整体构思和结构安排方面，让我受益匪浅。作者不仅仅讲解了单一句段的创作，更注重歌曲的整体发展和逻辑性。我学习到了如何运用“起承转合”的思维来构建歌曲的段落，以及如何通过情绪的起伏和主题的变化来吸引听众。书中还对不同体裁的歌曲（如叙事歌曲、抒情歌曲、摇滚歌曲等）的结构特点进行了详细的分析，让我能够根据不同的创作需求来选择合适的结构。此外，作者还分享了许多关于如何克服创作瓶颈、如何从生活中汲取灵感的方法，这些都对我这个新手来说非常宝贵。这本书让我明白，一首好的歌曲不仅要有动听的旋律和优美的歌词，更要有清晰的结构和完整的情感表达。