葫芦丝巴乌考级曲集 1-10级 全国民族乐器社会艺术水平葫芦丝巴乌考级曲谱练习教程书 人民 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 人民音乐出版社
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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民音乐出版社

ISBN：9787103051924

商品编码：29525006544

出版时间：2016-06-01

商品详情

乐器学习与艺术发展：跨越不同领域的探索 本书系精选一系列专注于不同乐器演奏技艺提升、音乐理论深度解析以及艺术鉴赏能力培养的综合性读物。它旨在为音乐爱好者、专业学习者以及致力于民族文化传承的教育工作者提供一个广阔的学习平台，其内容设计涵盖了从基础入门到高阶精研的各个维度，力求构建一个系统、全面且富有启发性的知识体系。 第一部分：西洋管弦乐器精通指南 本部分集中探讨了西方古典音乐体系中几类核心管弦乐器的专业学习路径与演奏技巧的深化。 一、 小提琴演奏法：从初阶音准到协奏曲演绎 这套教程详细梳理了小提琴学习的初级阶段，重点讲解了持弓的正确姿势、运弓的力度控制（如分弓、连弓、顿弓的精确应用），以及左手手指的按弦位置与音准的校正。书中配有大量图解，辅助初学者建立正确的肌肉记忆。 进阶部分则深入探讨了高难度技巧的攻克，例如换把的流畅性、双音的清晰度、泛音的制造，以及复杂揉弦技巧的个人化处理。对于中高级学习者，书中特别收录了对莫扎特、贝多芬、勃拉姆斯等大师奏鸣曲及协奏曲的演奏分析。分析不仅停留在技术层面，更侧重于对作品历史背景的理解如何转化为情感表达，强调“音色塑造”的艺术性。对于弓法（如Vibrato的选择、快弓的弓速与触弦点的关系）的细微差别，进行了详尽的对比和实践建议。 二、 钢琴演奏与和声学：结构解析与表现力提升 本卷聚焦于钢琴演奏的体力和脑力统一，从指法训练的科学性入手，强调手指的独立性与放松度。书中包含一套完整的哈农与车尔尼练习曲的“进阶应用解析”，而非简单的曲目罗列。其核心价值在于指导学习者如何将枯燥的练习转化为对音乐结构的理解。 在音乐理论方面，本部分系统介绍了传统西方和声学的十二个基本功能组（Tonic, Subdominant, Dominant及其延伸），并引入了印象派及爵士乐中的延伸和弦（如九和弦、十一和弦、十三和弦）的和声进行分析。通过对德彪西、拉威尔等作曲家作品的和声简化与重建练习，帮助学习者在演奏时，能“听见”和声的流动，从而实现更具层次感的触键与踏板运用。 第二部分：打击乐与节奏律动研究 本部分探讨了音乐的骨架——节奏，涉及从传统打击乐到现代鼓组的全面训练。 一、 军鼓与定音鼓技术标准 这部分内容严格遵循国际军乐团和管弦乐团对军鼓（Snare Drum）的最高要求。它详细规范了传统“美式滚奏”（Rolls，如五跳、七跳）和欧洲古典滚奏的区别，并提供了精确到毫米的击打点位图示，确保学生能够掌握清脆、均匀的音色。 定音鼓（Timpani）的学习侧重于音高控制。书中系统讲解了音准的快速调校方法（包括传统旋钮式与现代踏板式），以及如何根据管弦乐总谱，预判不同调性段落对定音鼓音高的需求。动态控制是本部分的重点，从极弱（pppp）到极强（ffff）下的音色一致性训练被置于核心地位。 二、 现代鼓组编配与即兴（Groove & Improvisation） 本书为希望学习现代流行、摇滚及爵士鼓的乐手提供了实用蓝图。它不仅教授了如“基础放克律动”（Basic Funk Groove）的分解练习，更引导学生进行“风格迁移”。例如，如何将一个标准的摇滚四四拍律动，通过对踩镲（Hi-Hat）的细微处理，转化为拉丁节奏的基础模型。 即兴部分提供了系统的“节奏片段构建法”，指导学生如何围绕核心律动，选择性地在军鼓和嗵鼓（Toms）之间进行有目的性的切入和衔接，而非盲目的敲击。 第三部分：民族音乐学与世界乐器文化 这部分内容拓宽了读者的音乐视野，聚焦于非西方音乐体系的独特美学与演奏传统。 一、 东方传统弓弦乐器：丝竹与拉弦的比较研究 本卷选取了具有代表性的两种东方弓弦乐器进行对比分析：一种是着重于滑音与揉弦的北方拉弦乐器，另一种是注重指板空间感与音色颗粒感的南方弹拨乐器。 对于拉弦乐器的学习，重点在于如何通过运弓的“虚实变化”来模仿人声的叙事感。书中收录了多个流派的代表性练习曲，并附有对不同流派在“腔调”处理上的差异化解读。 对于弹拨乐器，则侧重于右手拨弦技巧的精细化，包括不同指甲（或义甲）对音色的影响，以及如何使用轮指、扫弦等技巧来营造出宏大或细腻的织体效果。 二、 音乐人类学视野下的节庆音乐 此部分脱离了舞台演奏的范畴，转向对特定文化背景下音乐功能的探讨。通过案例研究，分析了南亚、非洲以及特定地域的民间祭祀、婚丧嫁娶仪式中音乐所扮演的角色。探讨了这些音乐形式中，口头传承（Oral Tradition）如何确保了其核心元素的稳定性和适应性，以及现代录音技术对这些活态音乐的挑战与机遇。 第四部分：音乐教育学与艺术心理建设 本部分面向教师和希望系统提升自我的学习者，关注学习过程中的认知科学与情感管理。 一、 学习障碍的识别与矫正 本书探讨了在乐器学习中常见的几个瓶颈，如“节奏感不强”、“视谱速度慢”、“舞台焦虑”等，并从认知心理学的角度提供了解决方案。例如，针对视谱困难，推荐使用“视觉区块化”的练习方法，将复杂的节奏型拆解为可识别的视觉单位，而非孤立地识读单个音符。 二、 音乐审美能力的构建 审美教育是本书的内在脉络。它不直接教你如何“弹奏”，而是教你如何“倾听”。通过对不同历史时期、不同地域音乐风格的精要提炼，引导读者建立自己的“音乐词汇库”。例如，讲解“巴洛克时期的对位法如何体现秩序美”，以及“浪漫主义的自由速度如何表达个体情感的挣扎”。最终目标是让学习者能够超越技术层面的模仿，进入到对音乐作品内在精神的独立理解和再创造层面。 总而言之，本系列丛书构成了一个从技巧到理论，从个体到群体的全景式音乐学习地图，其深度和广度旨在服务于任何一个渴望在音乐艺术领域深耕的求知者。

评分☆☆☆☆☆

对于我们这些非科班出身，主要依靠兴趣驱动学习民族乐器的“业余选手”来说，枯燥的练习是最容易让人半途而废的原因。很多人觉得光练曲子没意思，尤其是那些为了考级而设计的技术练习曲，听起来往往像“技术展示”而非“音乐欣赏”。然而，这本曲集最让我惊喜的地方在于，它在保证技术全面性的同时，极大地丰富了曲目的艺术表现力。它收录的曲目涵盖了牧歌、山歌、小调、乃至一些带有戏曲韵味的段落，风格非常多样化。当你不再仅仅把练习看作是机械地移动手指，而是试图去理解每一首曲子背后的地域风情和情感内核时，学习的动力立刻就不同了。比如，有些曲子你需要模拟清晨薄雾中牧羊人的悠远呼唤，而有些则需要你瞬间切换到热烈奔放的民间舞蹈场景。这种情绪上的体验和转换，让枯燥的指法练习，真正升华为一种富有生命力的艺术创造过程。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是教科书级别的，封面那种沉稳的墨绿色调，配上烫金的字体，一看就知道是下过功夫的。我特别喜欢它封面中央那个抽象化的葫芦丝侧影，线条流畅又不失传统韵味，让人立刻联想到那种悠扬婉转的丝竹之声。内页的纸张选得很考究，不是那种容易反光的亮纸，而是略带米黄色的哑光纸，即便是长时间对着谱子练习，眼睛也不会感到疲惫。排版更是体现了专业性，谱号、指法图示和文字说明之间的留白恰到好处，既保证了信息的完整性，又避免了拥挤带来的视觉压力。特别是那些技术难点部分的图解，步骤划分得极其细致，即便是初学者也能清晰地理解每一个动作要领，这一点对于自学的小伙伴来说简直是福音。而且，它的装订方式也很结实，翻开时能平摊在谱架上，演奏时不用费力去按住书页，这种细节上的关怀，真的能看出出版方对演奏者的尊重。这本书不仅仅是一本曲谱集，它更像是一件精心打磨的艺术品，光是捧在手里把玩，都能感受到那种对民族音乐的敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我接触民族乐器不算短了，但系统性地梳理不同级别曲目的教材却一直是个挑战，很多市面上的曲集要么级别跨度太大，要么技术递进的逻辑性不强，练起来总觉得东一榔头西一棒子。然而这套曲集（如果我没记错，是包含了1到10级的所有曲目）的编排逻辑简直是神来之笔。它不是简单地将曲子按难度堆砌，而是构建了一个清晰可见的“技能树”。从最基础的吐音和按孔方式的入门练习曲，到后期对气流控制、连音和快速轮指的精妙要求，每跨越一个级别，都能明显感受到乐曲对演奏技巧的复合要求在增加。比如，从五级的《月光下的竹林》过渡到六级的《山寨情歌》时，你会发现对气息稳定性的要求陡然提高，这迫使你必须回头去巩固基础的呼吸训练。这种循序渐进、步步为营的设计，极大地提升了学习的效率和成就感，让你明确知道自己当前卡在哪里，以及下一步应该突破什么瓶颈，而不是盲目地去挑战那些遥不可及的高难度曲目。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐教育工作者，我对曲谱的准确性和权威性有着近乎苛刻的要求。市面上很多社会考级曲集，在某些小节的和声处理或者装饰音的演奏法上，会存在模糊不清或与主流演奏法相悖的情况，这对于指导学生来说是极大的困扰。但翻阅这本《葫芦丝巴乌考级曲集》后，我感到了极大的欣慰。它的每一个音符、每一个记号都标注得极其清晰，特别是针对一些地方色彩浓郁的乐曲，作者（或者编者）在曲谱的注释中，对特定音阶的色彩性处理和颤音的揉弦技巧，都给出了非常明确的建议性说明。我甚至发现了几处我以前习以为常、但实际上在考级标准中可能不被认可的演奏习惯，并及时进行了纠正。这套曲集显然是严格遵循了全国性的考级标准而汇编的，确保了我们练习的方向是“对的”，而不是“好听的但可能不合规的”。这份严谨，是任何一个追求专业水准的学习者都无法忽视的宝贵财富。

评分☆☆☆☆☆

从工具书的角度来看，这本书的实用价值是毋庸置疑的，但更深层次来说，它更像是一部浓缩的中国民族器乐学习史的片段。虽然我主要关注的是葫芦丝和巴乌的曲目，但通过对曲目风格和技术演变的观察，我能感受到整个民族器乐体系的传承与创新。考级曲目的选择，本身就代表了一种主流的、被官方认可的审美方向和技术规范。通过这套书，我不仅是在学习如何吹奏，更是在潜移默化中，理解了近几十年民族器乐教育的发展脉络。比如，早期曲目中对传统五声音阶的依赖，到后期曲目中对半音阶和复杂调式的引入，都反映了乐器演奏技术和音乐语言的不断拓展。对于一个想要扎扎实实走下去的演奏者而言，拥有这样一套系统、全面且具有权威性的教材，是建立正确音乐观和技术框架的基石，它提供的远超于“学会几首歌”的价值，而是教会你如何“理解音乐的结构和表达”。