乐理自学三月通+乐理小白的写歌秘籍 共2册流行歌曲写作与和声分析 音乐基础训练指导书籍 五 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115459466

商品编码：29525008939

出版时间：2013-01-01

商品详情

书为乐理系列2册套装，详情如下：

好的，为您构思一份关于另外两本音乐学习书籍的详细简介，旨在避免提及您提到的《乐理自学三月通+乐理小白的写歌秘籍 共2册流行歌曲写作与和声分析 音乐基础训练指导书籍 五》。 --- 书籍精选：《深入理解古典音乐的结构与历史》与《高级管弦配器法详解》 这两本精选书籍专为致力于拓宽音乐视野、深化理论理解和提升实践技能的音乐学习者和专业人士而设计。它们并非流行音乐创作的速成指南，而是侧重于系统性地剖析西方音乐发展史的宏大叙事以及古典音乐复杂织体的精妙构建。 第一册：《深入理解古典音乐的结构与历史：从格里高利圣咏到后浪漫主义的演变轨迹》 核心定位： 这本书是一部跨越千年的音乐编年史与结构分析的综合性教材，旨在帮助读者建立起对西方音乐体裁、风格和历史背景的宏观认知。它避开了现代流行音乐的创作技巧，转而聚焦于古典音乐体系的根基。 第一部分：音乐的起源与中世纪的奠基 (公元500年 - 1400年) 格里高利圣咏的单音世界： 详细解析早期教会音乐的记谱法（纽姆谱）及其对后世对位法的影响。探讨其模态（调式）特性与文本的紧密结合。 早期复调的萌芽： 介绍奥尔加农（Organum）的产生，如奥尔加农的平行进行与自由复调（Organum per nomina）。重点分析巴黎圣母院乐派（Léonin与Pérotin）如何确立早期节奏概念和声部独立性。 世俗音乐的兴起： 深入探究游吟诗人（Troubadour/Trouvère）的音乐与诗歌，阐释其社会功能与对民间音乐的影响。 第二部分：文艺复兴的和谐之美 (公元1400年 - 1600年) 完美和声的追求： 全面剖析文艺复兴时期复调音乐的黄金法则——等音高织体（Equal-voice texture）。研究帕莱斯特里那（Palestrina）的五声部无伴奏合唱（A Cappella）典范，及其如何平衡对位与清晰度。 世俗体裁的成熟： 重点分析牧歌（Madrigal）的“文字表现手法”（Word Painting），即音乐如何直接描绘歌词的含义，这是一种早期的“叙事性”音乐手法，区别于现代歌曲的直接叙事。 早期器乐的独立： 考察鲁特琴音乐、维吉尼亚键盘乐派（Virginalists）的技巧发展，以及幻想曲（Fantasia）的即兴性结构。 第三部分：巴洛克时期的戏剧张力与结构革命 (公元1600年 - 1750年) 歌剧的诞生与确立： 分析佛罗伦萨的“新艺术社”（Florentine Camerata）如何尝试复兴古希腊戏剧，并最终催生出宣叙调（Recitative）和咏叹调（Aria）的二元结构。 巴赫的对位艺术巅峰： 详尽解析赋格（Fugue）的结构逻辑、主题呈示、间奏、再现与尾声的严谨性。通过《平均律键盘曲集》探讨十二平均律的推广对和声自由度的影响。 协奏曲与组曲的规范化： 探讨托卡塔、奏鸣曲、协奏曲（Concerto Grosso与Solo Concerto）的快慢交替模式（快-慢-快）及其固有的速度和力度对比策略。 第四部分：古典主义的平衡与清晰 (公元1750年 - 1820年) 奏鸣曲式（Sonata Form）的解构： 深入分析呈示部（Exposition）、发展部（Development）和再现部（Recapitulation）的内部功能、主题间的冲突与解决机制。这是理解交响乐和奏鸣曲的核心。 海顿、莫扎特与贝多芬的对话： 比较三位大师在处理曲式结构、主题发展、配器色彩上的细微差异，特别是贝多芬如何拓展奏鸣曲式的张力极限。 奏鸣曲、室内乐与交响乐的体系确立： 探讨四乐章结构（快板-慢板-小步舞曲/谐谑曲-快板）的内在逻辑与功能划分。 第五部分：浪漫主义的激情与民族色彩 (公元1820年 - 1900年) 和声的极大拓展： 研究半音主义（Chromaticism）的深化，如瓦格纳对增六和弦的过度使用如何挑战传统功能和声的界限。 “自由体裁”的崛起： 分析室内幻想曲、艺术歌曲（Lied）的结构创新，重点在于音乐如何服务于叙事和情感的瞬间爆发，而非形式的严格遵守。 民族乐派的融入： 考察柴可夫斯基、德沃夏克等如何将民间旋律、节奏和调式融入宏大的管弦乐结构中。 总结： 本书提供的是一张详细的音乐地理图谱，让读者理解音符和和弦是如何在特定的历史语境下被组织起来的，为任何形式的音乐研究奠定坚实的学术基础。 --- 第二册：《高级管弦配器法详解：音色组合、织体密度与现代管弦乐团的运用》 核心定位： 本书是为具备基础乐器知识的作曲家、编曲家和指挥专业人士准备的，专注于乐器法在复杂织体构建中的技术细节，尤其关注色彩的调配、动态的控制以及传统管弦乐队的极限运用。 第一章：管弦乐团的物理特性与音域规划 乐器组的声学基础： 深入分析木管、铜管、打击乐和弦乐在不同演奏环境下的音色衰减率、泛音结构和共振频率。 音域的有效利用： 详细图表展示每种乐器的“黄金音域”（最饱满、最聚焦的音区）和“危险音区”（易破音或音色不佳的音区）。强调避免将重要旋律置于乐器音域的边缘。 动态的精确控制（PP到FFF）： 探讨不同乐器组在极弱（pp）和极强（fff）动态下，其音色纯净度与颗粒感的具体变化，以及如何利用动态的对比来塑造结构感。 第二章：和声的织体与厚度管理 和声密度与透明度： 讨论如何通过声部分布（Voicing）来控制和声的“重量”。例如，使用密集的弦乐和声与分散的木管声部之间的对比如何创造空间感。 复调织体的构建策略： 区别于单旋律伴奏，本书详述如何分配多条独立声部（如在赋格或复杂的对位段落中）以确保每一条旋律线在管弦乐队中都能保持清晰可辨，避免“泥泞”的音响效果。 增添色彩的“染色剂”： 探讨如何巧妙地使用罕见或次要乐器（如低音单簧管、英国管、大提琴弱音器）来微调现有和弦的音色，而不是仅仅增加音量。 第三章：木管乐器的角色与色彩整合 木管组的连接性： 研究长笛、双簧管、单簧管、巴松管在音色上如何平滑过渡。分析相邻声部替代（如长笛替代小提琴高音区，巴松替代大提琴低音区）的技术要点。 双簧管与英国管的特殊功能： 它们穿透力强的特质如何用于突出田园牧歌式的旋律，以及在厚重和弦中作为“尖锐锚点”的使用方法。 双管乐器（Doubling）的误区： 详细说明不恰当的木管乐器叠加会导致音色混浊，以及何时应该使用单管齐奏以达到清晰度。 第四章：铜管乐器的力量与纹理塑形 铜管组的动态冲击： 专注于圆号（French Horn）在融合弦乐与木管中的桥梁作用，以及小号与长号在强奏段落中制造的“金属质感”的精确控制。 弱奏中的铜管运用： 探索使用弱音器（Mutes，如直音、烟斗、杯型弱音器）时铜管音色的细微变化，如何营造紧张、疏离或柔和的氛围。 和弦的支撑与对位： 探讨铜管组如何提供稳定的和声基础，以及在巴赫风格的对位中，铜管声部的引入对整体织体厚度的影响。 第五章：打击乐的节奏驱动与音色点缀 音高打击乐（Pitched Percussion）的精确编排： 详述定音鼓、马林巴、颤音琴在和声语境中的应用，它们如何填补和声的空隙或强调特定的和弦音。 无音高打击乐（Unpitched Percussion）的节奏驱动力： 区分军鼓、小军鼓、大鼓、钹在不同文化背景下的节奏模式和力度等级。如何使用它们来推动乐曲的节奏“引擎”。 特殊效果与音色拓展： 介绍如何利用锣、鞭、链条等非标准打击乐器来描绘特定的场景或情绪，并强调其使用的节制性。 第六章：弦乐组的精微处理与表现力 弓法（Bowing Techniques）的精细划分： 深入分析连弓（Legato）、分弓（Détaché）、击弦（Martelé）、自由震弓（Col legno）和大力揉弦（Tremolo）在音色和情感表达上的差异。 弱音器（Sordino）对音色的改变： 对比木制和金属弱音器对小提琴、中提琴、大提琴音色的具体影响，尤其是在低音区的使用。 拨弦（Pizzicato）的艺术： 区分手指拨弦与弓杆击弦（Bartók Pizzicato）在节奏打击感和音高清晰度上的区别，以及如何将其融入复杂的对位结构中。 总结： 本书的重点在于“如何构建”一个复杂、层次分明且音色平衡的管弦乐织体。它要求读者具备对乐器物理限制的深刻认识，并通过严谨的配器技术来实现宏大的音乐构想，是古典音乐配器技术深化研究的必备读物。

评分☆☆☆☆☆

我给这套书打高分，还因为它成功地跨越了“学术”与“流行”之间的鸿沟，真正做到了理论为实践服务。很多纯粹的古典乐理书籍，虽然严谨，但当你试图将其应用到现代流行音乐中时，会发现有很多“不适用”的地方，比如爵士和弦的色彩或者现代流行歌曲中常见的模态交换技巧。而这套书的核心优势恰恰在于它紧密围绕“流行歌曲写作”这个主题展开的。它教你的不是巴赫时代的对位法，而是如何运用七和弦、九和弦来美化你的流行旋律；它教你的不是奏鸣曲式，而是主歌-副歌-桥段的常见叙事结构。书中对“如何处理旋律与和声的冲突”这一实战问题的探讨，对我启发极大。它不是教你死记硬背和弦名字，而是教你理解和弦背后的“情绪驱动力”。所以，如果你想学习乐理是为了更好地写出或理解那些你在电台里常听到的歌，而不是为了考级或者研究古典复调，那么这套书提供的知识体系无疑是最直接、最高效的路径。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始买这套书，我主要是冲着那本“写歌秘籍”去的，因为我脑子里总有一些旋律的碎片，但总觉得缺少一个结构和逻辑把它串联起来，变成一首完整的歌。这本《乐理小白的写歌秘籍》真的帮我打通了任督二脉。它没有落入空泛地谈“灵感”的俗套，而是非常务实地讲解了流行歌曲的骨架——和声进行和段落设计。我以前写歌，和弦总是来来回回就那几个，听起来平淡无奇。但书里详细拆解了不同调式下的常用和弦色彩和它们之间的“情感倾向”，比如为什么大调的IV级和弦听起来会有一种“开阔感”，而副歌部分如何巧妙地运用属七和弦来制造紧张感和释放感。最赞的是，它里面提供了很多经典流行歌曲的和声走向案例分析，每一个分析都配有简洁的乐谱片段，让你能立刻对照着去听原曲，体会和声是如何推动情绪发展的。这套书的实用性太强了，它不是让你成为理论家，而是让你成为一个能用理论工具来优化创作的实践者，从“想写歌”到“知道怎么下笔”的转变，这本书功不可没。

评分☆☆☆☆☆

这套书简直是为我这种半路出家，对音乐理论一窍不通的“小白”量身定制的！我原本以为学习乐理是一件枯燥到让人想打瞌睡的事情，尤其是在网上找那些零散的教学视频，一会儿这个概念没讲清楚，一会儿那个术语又没解释到位，搞得我云里雾里。但是拿到这本《乐理自学三月通》，阅读体验立刻就不一样了。作者的叙述方式非常生活化，一点都不故作高深，仿佛是身边一个耐心又懂行的朋友在手把手教你。最让我惊喜的是它对节奏和节拍的处理，不再是干巴巴的数字和线谱，而是用了很多日常生活中能听到的声音和画面来类比，比如走路的步频、心跳的规律，一下子就把抽象的概念具象化了。我记得我之前对附点音符和休止符总是搞不清楚，看了书里关于“时间切割”的那个比喻后，瞬间茅塞顿开。而且，它还很贴心地设置了大量的自我检测小练习，让你在学完一个小知识点后马上就能巩固，确保你不是“看过了”而是“学会了”。对于那些想快速入门，建立扎实基础的音乐爱好者来说，这本书的引导性极强，完全没有让人产生畏难情绪，真是我找到的最好的乐理入门砖。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，我是一个非常注重“物料”和“设计感”的读者，对那种装帧粗糙、纸张泛黄的书籍实在提不起兴趣。这套书的装帧和印刷质量完全达到了我对专业学习资料的期待。纸张厚实，即便是长时间翻阅和在上面做笔记也不会透墨，排版清晰大气，大量使用的五线谱和和弦图表都非常规范，没有出现任何印刷错误或模糊不清的地方。更重要的是，作为一套理论学习书籍，它在视觉上做到了“不累眼”。大量的留白、清晰的字体区分（例如，用粗体和斜体来强调重点术语），都极大地提高了阅读效率。我习惯在学习的时候边听边看，这套书的清晰度让我能够非常快速地在听到的声音和看到的符号之间建立准确的对应关系，这在学习复杂的三和弦转位或七和弦的扩展音时尤其重要。好的阅读体验是坚持学习的第一步，在这点上，这套书的表现是无可挑剔的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的编排逻辑简直是教科书级别的典范，尤其是它对音乐核心概念的递进层次把握得非常精准，让人感觉学习过程是一层层向上攀登，而不是原地打转。它首先从最基础的音高、音程开始，像搭积木一样，先把最小的单位稳固好。然后慢慢过渡到调式和大小调的构建，这个阶段，它非常强调“听觉感受”和“视觉谱面”的结合，比如讲解变化音程时，会让你对比听同样音高的半音和全音在不同调性中的感觉差异。我特别喜欢它在讲解乐句划分和乐段结构时所采用的“建筑学”比喻，将音乐的结构比作房屋的框架和装饰。这让我明白了为什么有些歌听起来很“满”，而有些歌听起来却有“呼吸感”。很多其他教材只会罗列规则，但这两册书更像是提供了一套思考和分析音乐问题的“工具箱”。对于想深入研究和声或希望自己未来能进行编曲分析的人来说，这种从宏观到微观、再回到宏观的梳理，是非常有价值的底层思维训练。