钢琴自学教程附光盘CD一张 原版引进 钢琴教学自学演奏弹奏连奏学习指导 钢琴基础入门起步教 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 钢琴
• 自学教程
• 钢琴教学
• 入门
• 基础
• 乐器
• 音乐
• 光盘
• CD
• 演奏

店铺： 文宇图书专营店

出版社： 上海音乐学院出版社

ISBN：9787811907519

商品编码：29525855827

出版时间：2015-12-01

内容简介

精选音乐文献导读：开启古典与现代音乐殿堂之钥 （本导读内容涵盖范围不包括“钢琴自学教程附光盘CD一张 原版引进 钢琴教学自学演奏弹奏连奏学习指导 钢琴基础入门起步教”一书的具体内容、曲目或教学方法。） 本导读旨在为对音乐理论、音乐史、演奏实践及其文化背景有深度探求需求的学习者和爱好者，提供一个广阔的视野和深入的文献指引。我们将聚焦于那些构筑西方音乐文明基石、探讨音乐美学核心，以及反映不同时代音乐家心路历程的经典著作。 --- 第一部分：西方音乐史的宏大叙事与精细剖析 音乐史不仅仅是作曲家和作品的简单罗列，它是一面镜子，映照出人类社会、哲学思潮、技术革新与艺术表达之间的复杂互动。 1. 巴洛克时代的精妙结构与巴赫的宇宙观 我们将探讨《巴洛克音乐的结构逻辑与和声精粹》，这本书深入剖析了巴洛克时期（约1600-1750年）音乐的核心特征：对位法、数字低音的运作机制，以及复调音乐的严谨性。重点分析了J.S.巴赫的赋格曲与平均律体系如何构建了一个数学般精确，却又充满宗教虔诚和世俗激情的音乐宇宙。它详述了巴赫在《哥德堡变奏曲》中对主题的无限衍生能力，以及康塔塔中戏剧性的宣叙调与咏叹调的张力平衡。此外，对亨德尔清唱剧（如《弥赛亚》）中戏剧性叙事手法的考察，展现了大型声乐作品如何服务于公众与教会的需求。 重点领域涵盖： 卡农与赋格的技法差异与共性分析。 早期歌剧（如蒙特威尔第）的“情绪论”与音乐语言的形成。 维瓦尔第协奏曲的快慢快三乐章结构模板及其对后世的影响。 2. 古典主义的理性光辉与形式美学 古典主义时期（约1750-1820年）是音乐形式臻于完美的时代。我们推荐参考《维也纳古典乐派：奏鸣曲式与交响诗的典范确立》。此书专注于海顿、莫扎特和贝多芬如何将既有的音乐元素塑造成清晰、平衡且逻辑严密的结构——尤其是奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）的运作原理。 它详细解读了： 海顿的“幽默感”：如何在看似简单的动机中埋下结构性的伏笔。 莫扎特的旋律天赋：如何在简洁的线条中达到情感的深度和完美的形式平衡。 贝多芬的“英雄精神”：如何通过动机发展和调性冲突来拓宽古典主义的表达极限，预示了浪漫主义的来临。例如，对《第五交响曲》中“命运动机”的结构性分析，展示了如何将一个微小的元素扩展为宏大的叙事。 3. 浪漫主义的自我表达与情感的无限扩张 浪漫主义音乐（约1820-1900年）是一场关于个人情感、自然崇拜和民族精神的解放运动。《浪漫主义音乐中的“我”：主观性、幻想与民族主义》一书，探讨了舒曼的文人气质、肖邦对波兰民族精神的寄托，以及李斯特在钢琴技巧上的革命性贡献。 此书着重分析： 艺术歌曲（Lied）的诗歌与音乐的完美结合：以舒伯特为例，探讨钢琴伴奏如何不再是简单的衬托，而是与歌者共同构建场景和心理状态。 标题音乐的兴起：如柏辽兹的《幻想交响曲》，音乐如何直接描述具体的情节、人物和梦境。 民族乐派的探索：德沃夏克、格里格等作曲家如何从民间音乐和本国传说中汲取灵感，确立独特的音乐身份。 --- 第二部分：音乐理论与和声的深度探究 要真正理解音乐的内在机制，必须回归到理论的基础之上。 4. 深入解析调性体系的崩溃与重建 《从功能和声到无调性实验：20世纪早期和声的危机与转型》提供了一条清晰的脉络，展示了西方音乐如何从传统的“主-属-下属”功能和声体系中挣脱出来。 书中详尽阐述了： 瓦格纳对晚期浪漫主义和声的“过度饱和”：以《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”为例，分析和声语言如何达到一个“永不解决”的悬而未决状态，预示了调性的松动。 德彪西的印象主义色彩：如何运用全音阶、五声音阶和开放和弦，营造光影变幻的听觉效果，强调音色而非功能。 勋伯格的十二音体系：彻底抛弃传统调性中心，通过“音列”的组织来确保所有音高的平等地位，这是一种结构上的理性回归，是对古典逻辑的极端化应用。 5. 音乐的形式分析方法论 《音乐的“解剖学”：奏鸣曲、回旋曲与主题变奏的结构解析指南》并非提供具体曲谱，而是提供一套通用的分析工具。它指导读者如何识别音乐的骨架，区分主题、动机、连接部和副属主题。例如，它会示范如何通过对比不同乐章的调性关系和节奏密度，来判断一部作品的整体布局和作曲家的意图。这套方法论是理解任何复杂器乐作品的基础，无论是巴赫的键盘组曲还是马勒的交响曲。 --- 第三部分：演奏艺术与美学哲学 音乐的最终实现依赖于演奏者对文本的理解和技艺的呈现。 6. 演奏诠释的传统与革新 《演奏实践的传承：从巴赫到德彪西的风格演变》关注的是“如何演奏”的问题，而非“弹什么”。该书严格区分了不同历史时期的乐器特性和演奏习惯。 早期键盘乐器的触键与音色：探讨古钢琴（Harpsichord）与羽管键琴（Clavichord）的机械原理如何影响了对巴洛克作品的力度处理和连奏（Legato）概念的理解，指出现代钢琴的某些演奏习惯对早期音乐可能造成的风格偏差。 浪漫主义时期的“歌唱性”：分析李斯特、舒曼等如何追求钢琴的“歌唱性”，以及延音踏板在塑造模糊、连贯音响方面的革命性作用。 7. 音乐美学中的“真诚”与“技巧” 《听觉的哲学：从康德到尼采的音乐审美体验》探讨了听众对音乐的接受机制，以及作曲家试图传达的“真诚”是如何被历史和文化所定义的。它考察了艺术的模仿论、形式主义与表现主义之间的辩证关系。例如，探讨听众在面对无调性音乐时，其认知负荷如何从“追求意义”转向“关注音色和质地本身”。 总结而言， 本导读所涉及的文献，构成了一个多层次、立体化的音乐知识体系。它从历史的宏观视角切入，深入理论的微观结构，最终回归到演奏实践与美学哲思的层面。读者通过这些文献，将获得一套系统的工具和广阔的视野，用以批判性地欣赏和理解音乐艺术的全部深度，而非停留在初级技巧的学习阶段。这些文本共同描绘了西方音乐在过去数百年间，从宗教服务到个人宣言的演变轨迹。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我抱着试一试的心态买了这本，因为我之前尝试过好几本号称“零基础”的教材，结果都是中途放弃，原因不外乎内容太浅或者太难。这本书给我的感觉是“恰到好处的深度”。它不仅仅停留在“C调五个音”这种幼儿园级别的介绍上，而是很快就进入了基本的节奏型和和弦构建。我特别喜欢它对乐理知识的融入方式，不是枯燥地罗列规则，而是将乐理知识和具体的钢琴演奏练习紧密结合起来。比如，当它介绍到一个新的音程时，紧接着就会有一个专门的练习曲来让你用耳朵去分辨和用手指去体会这个音程的感觉。这对我建立“听觉-手指”的反馈回路非常重要。那个原版引进的标签也让我对内容的权威性有了信心，毕竟是经过了另一个音乐体系检验过的教材。CD的部分也做得非常专业，不是那种粗制滥造的MIDI音效，而是真正钢琴录音的质感。我常常把CD当成背景音乐来听，即使不弹琴，也能让自己的耳朵熟悉古典音乐的听感。对于想真正入门，而不是走马观花学点皮毛的人来说，这本书提供的结构和深度是其他同类教材难以比拟的。

评分☆☆☆☆☆

我主要是在通勤时间和午休时间进行学习，时间非常碎片化，所以对教材的“可操作性”要求极高。这本教程在安排上非常人性化。它的每一课内容量适中，即使只有二十分钟，我也能完整地学习并练习完一个小知识点，而不是停在一个尴尬的节点上。光盘CD的配合使用，让我不用担心自己弹得不对劲而影响到邻居，我可以先听标准的示范，再跟着练习，感觉更放松。我尤其要提一下关于“起步教”这部分的处理，它对钢琴的认识，比如琴键的布局、黑白键的关系，讲得非常清晰直观，完全没有使用那些晦涩难懂的术语。我记得有一页是专门对比了不同指法下弹奏同一个和弦时，手腕和手臂受力的细微差别，配图非常清晰，我一看就明白了，比我以前看过的任何解析都要到位。这本书真正做到了“自学”的定义，它为你铺设好了每一个台阶，你只需要按部就班地走上去即可，很少需要中途停下来查阅外部资料。这对于想高效利用零散时间的自学者来说，简直是福音。

评分☆☆☆☆☆

天呐，终于找到一本让我眼睛一亮的老牌教材了！我最近迷上了古典音乐，想自己摸索着弹钢琴，但市面上那些花里胡哨的新书总让我觉得少了点“真东西”。这本书的封面带着一种老派的严谨感，一看就知道是下了功夫的。我最欣赏的是它那种循序渐进的编排，完全不急于让你去弹那些炫技的曲子，而是扎扎实实地从最基础的手型、指法开始讲起。尤其是那个附带的CD，简直是救命稻草！对于一个完全的初学者来说，光看图谱是很难把握住音准和节奏的。有了伴随的示范音频，我能清晰地听到每一个音符应该是什么样的力度和时值，这比单纯地跟着文字描述练习有效太多了。我感觉这本书的作者对初学者的心理把握得非常到位，不会一上来就抛出大量复杂的乐理知识，而是将知识点拆解得非常细碎，每次只攻克一个小难关。这种稳扎稳打的方式，让我在练习过程中充满了成就感，而不是挫败感。而且，它对“连奏”这个基础却又至关重要的技巧，有非常深入的讲解，不是简单地提一句“要连贯”，而是会配上具体的练习方法和肌肉控制的提示。真是一本值得珍藏的入门宝典，让我的钢琴自学之路不再是盲人摸象。

评分☆☆☆☆☆

我已经有几年没碰过钢琴了，现在想捡起来做为业余爱好，但发现很多以前会的技巧都生疏了，重新找一本新教材又怕跟不上潮流。这本《钢琴自学教程》简直是为像我这样的“回炉”学习者量身定做的！它最打动我的是它对“演奏感觉”的强调。很多教程只教你怎么把音符弹对，但这本书里会反复提到“力度变化”、“触键深度”的重要性，这才是区分“弹响”和“演奏”的关键。它有一章专门讲“手指的独立性训练”，给出的练习曲目虽然简单，但对单个手指力量的平均要求很高，我坚持练习了两周，感觉我的第四指和第五指的控制力明显增强了，以前模糊不清的音符现在清晰多了。而且，它对基础的“连奏”处理得极其细致，它不仅告诉你怎么连，还分析了不同作曲家对连奏意图的不同处理方式，这已经触及到一点点音乐分析的层面了。这让我觉得这不是一本简单的“工具书”，而是一本蕴含着教学智慧的“导师之作”。老牌教材的底蕴就在于此，它不会为了迎合市场而牺牲教学的严谨性。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐专业的学生，我偶尔会推荐给那些想辅修钢琴或者对基础知识不扎实的朋友。这本书的“原版引进”背景让它在教学体系上有着国际化的视野。我注意到它在乐理知识的引入上，更偏向于欧洲古典音乐教学体系的逻辑，这对于未来想要深入学习肖邦、贝多芬这类曲目的人来说，打下的基础更为坚实。它不会让你过早地接触到太多现代的、偏离传统钢琴技巧的练习方法。比如，它对音阶和琶音的练习，要求非常严格，强调手指的平行移动和对位能力的培养，这才是扎实基本功的基石。虽然是自学教程，但它对“弹奏”的定义似乎更高，它引导你去思考“如何让声音更美”，而不是仅仅“如何把音符弹出来”。CD中的示范演奏，无论是速度还是情感表达，都保持了高度的专业水准，让我能清晰地对比出自己“机械式”的演奏和“有感情”的演奏之间的差距。总而言之，这本书的价值远远超出了它作为一个入门教材的定位，它更像是一份严谨的、经过时间考验的钢琴技艺传承手册。