钢琴基础必修教程 第五册 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787553914020

商品编码：29525856731

出版时间：2016-03-01

商品详情

书名:钢琴基础必修教程 第五册

：38元

作者:李雪梅 

出版社：上海音乐出版社

出版日期：2016-03-01

ISBN：9787552309140

版次：1

页码：148

装帧：平装

开本：8开

标题：探寻键盘艺术的精深殿堂——《键盘音乐鉴赏与演奏技巧进阶》 引言：超越指法，触及灵魂的音乐之旅 本书《键盘音乐鉴赏与演奏技巧进阶》并非一本面向初学者的入门指南，它将带领已经掌握了基础乐理和初步演奏技巧的学习者，迈入键盘音乐更深邃、更富挑战性的领域。本书旨在构建一座连接理论认知与实践表现的桥梁，聚焦于演奏风格的精研、作品深度的挖掘以及高级演奏技法的打磨。我们深知，在钢琴学习的道路上，初级的技术训练只是基石，而真正触动人心的演奏，源于对作品深刻的理解、对音乐历史背景的洞察，以及对自身技术极限的持续超越。 第一部分：古典乐派的深度解构与风格化演绎 本部分将深入剖析古典主义时期（约1730-1820年）键盘音乐的核心特征，重点围绕莫扎特与海顿的作品展开。我们不满足于仅能弹奏音符的层面，而是探讨其音乐结构中的“清晰性”、“平衡感”和“情感的克制与升华”。 第一章：海顿奏鸣曲中的结构逻辑与幽默语汇 海顿被誉为“交响曲之父”，其键盘奏鸣曲同样展现了精妙的结构布局。本章详细解析了奏鸣曲式在海顿笔下的演变，特别是呈示部、展开部和再现部之间的内在逻辑联系。我们将分析海顿作品中标志性的“机智”与“幽默”是如何通过节奏的突然变化、主题的巧妙转调以及和声的非预期使用来达成的。针对性地，将提供一套分析方法，指导学习者如何识别并重现这些微妙的表情记号，而非简单地将其归为“快板”或“慢板”。技术训练将侧重于清晰的琶音处理和对位声部的分离，确保主导旋律与伴奏织体之间的层次感分明。 第二章：莫扎特钢琴协奏曲的歌唱性与交响织体 莫扎特的键盘音乐，尤其是其钢琴协奏曲，是人声旋律与管弦乐队对话的典范。本章着重于如何将钢琴演奏提升到具有“歌唱性”的层次。我们将探讨莫扎特对歌剧宣叙调和咏叹调的运用，并研究如何通过触键的细腻变化来模仿管乐器和弦乐组的不同音色。重点技术练习将围绕八度与三度的流畅连接，以及处理快速音阶时如何保持音色统一和呼吸感。此外，还将引入早期钢琴（如古钢琴）的演奏特性对莫扎特音乐的启示，指导演奏者如何在现代钢琴上模拟出更具历史感的音色对比。 第二部分：浪漫主义的激情与钢琴技巧的极限探索 进入浪漫主义时期，键盘音乐的表达范围被极大地拓宽，情感的自由流露成为主流。本部分将聚焦于肖邦、李斯特等巨匠的作品，强调技术与情感表达的深度融合。 第三章：肖邦夜曲与玛祖卡：呼吸、节奏与“鲁巴托”的艺术 肖邦的音乐是钢琴独奏艺术的巅峰之一。本章的核心在于“Rubato”（自由速度）的精确掌握。我们将区分几种不同的鲁巴托形式——是旋律的自由还是整体的推进？如何确保在速度变化的同时，伴奏声部（尤其是左手）依然能保持稳定的内在节拍？技术训练将集中于左手伴奏织体的灵活性和持久性，例如复杂的分解和弦与跨越式的和弦跳进。对于夜曲中的装饰音处理，我们将研究如何使其听起来如同即兴的叹息，而非机械的重复。玛祖卡（Mazurka）部分，则侧重于波兰民间节奏的内化，理解其三拍子内部的重音错位和民族韵味。 第四章：李斯特的“钢琴上的管弦乐队”：炫技背后的结构支撑 李斯特将钢琴的性能推向了前所未有的高度。本章将揭示其炫技作品（如《钟》、《帕格尼尼练习曲》或改编曲）并非单纯的“卖弄技巧”，而是建立在严密的和声发展和主题结构之上的。我们将系统性地分析复调的运用、快速音群的控制以及八度连奏的持久力。技术训练将引入专门针对大跨度跳跃和极快琶音的“预备性肌肉记忆”训练法，旨在消除因紧张导致的音色僵硬。同时，探讨如何通过触键的力度变化来模拟交响乐中不同乐器的音量和音色层次。 第三部分：印象主义与现代技法的革新 本部分将目光投向德彪西、拉威尔等印象派大师，以及二十世纪初期对传统和声体系的挑战，探讨如何用键盘模拟光影、水波与氛围。 第五章：德彪西的“色彩”与触键的革命 德彪西的音乐是关于“暗示”而非“宣告”。本书将详细阐述“音色即主题”的理念。学习者需要掌握如何利用钢琴的延音踏板（Sustain Pedal）来创造丰富、但又不过于浑浊的音响效果，即所谓的“踏板的呼吸”。技术训练将集中于“轻触”与“深压”的对立统一：如何用极轻的力度弹奏出清晰的音高（空气感），以及如何通过指尖的重量来投射出深邃的和弦色彩。对位法的处理不再是声部的独立，而是如何让它们交织成一团朦胧的色彩。 第六章：拉威尔的精密度与复杂节奏的驾驭 拉威尔的作品在印象主义的基础上，又融入了古典主义的严谨结构和对异域节奏的迷恋。本章将以《鹅妈妈组曲》或《镜子》中的部分作品为例，分析其对位技巧的复杂性、和声色彩的精确控制，以及对节奏复杂性（如复合拍号）的清晰呈现。技术上，将强调左右手节奏的完全独立训练，以及对非对称音型（如三连音与四连音的叠加）的精准划分，确保在极高的演奏速度下，音乐逻辑依然清晰可见。 结语：成为诠释者而非复述者 《键盘音乐鉴赏与演奏技巧进阶》的终极目标，是引导学习者超越机械性的练习，将技术内化为实现音乐思想的工具。我们鼓励读者将所学风格理论、历史背景知识与高阶演奏技巧相结合，最终达到一种自由、深刻、富有个人洞察力的键盘艺术表达境界。真正的精进，在于你能够用自己的声音，向听众讲述作曲家所要传达的、跨越时空的音乐故事。

评分☆☆☆☆☆

与其他一些强调“速成”或“炫技”的教材相比，这本书展现出一种罕见的、对音乐本质的敬畏和耐心。它花了大量的篇幅去讲解音色控制和触键的细微差别，这往往是很多入门教材容易忽略的部分。书中对“力度变化”（dynamics）的探讨，不是简单地告诉你P和F的区别，而是深入剖析了力度如何影响旋律的呼吸感和情感表达。我发现，当我严格按照书中所描述的那样去尝试控制指尖的重量和琴键的下潜深度时，即便是最简单的练习曲，也开始流淌出“音乐”的味道，而不是生硬的噪音。这种对基础美学的深挖，为我后续学习更复杂的曲目打下了极为坚实和优雅的基础。它教会我的，是“如何倾听自己弹出的声音”，这才是真正意义上的钢琴学习的开端。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧简直是艺术品，拿到手里沉甸甸的，光是翻阅的过程就是一种享受。封面设计简约而不失格调，内页纸张厚实，印刷色彩饱和度恰到好处，即便是练习曲的五线谱，黑白分明，清晰易读，完全不会有眼睛疲劳的感觉。装订工艺也做得非常扎实，反复翻阅也不会出现散页或松动的现象，这对于一本高频率使用的教材来说太重要了。尤其是那些插图和示范图，线条流畅，细节刻画得非常到位，让人在学习枯燥的乐理知识时也能感受到视觉上的愉悦。不得不提的是，教材的布局非常合理，知识点的过渡衔接得自然流畅，从浅入深，每一步的安排都像是经过精心策划的，体现了编者对初学者心理的深刻理解。它不仅仅是一本工具书，更像是一件值得收藏的工艺品，每次翻开它，都能带来一种对音乐学习的敬畏感和期待感。这种对物质载体的重视，无疑会潜移默化地提升学习者的学习积极性和对艺术的尊重。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常适合当代快节奏生活下的学习者。它的每一课时长度都被精确地划分和预估，即便是只有半小时的零散时间，也能完整地完成一个小节的学习任务，并且能清晰地知道自己在这段时间内掌握了什么。更重要的是，它内置了非常有效的自我检测和反馈机制。在每个阶段结束时，都会有一个“复习与自测”的板块，这个板块的题目设置既不是简单重复，也不是突兀拔高，而是用一种巧妙的组合方式，让你在不知不觉中检验自己对前期知识点的掌握程度。我个人的体验是，当我准备进行下一个阶段的学习前，我总能对自己前一个阶段的掌握情况有一个非常客观的评估，这极大地增强了我的学习掌控感和信心。这种模块化的设计，让整个学习过程充满了可预测性和成就感。

评分☆☆☆☆☆

我必须高度赞扬教材中对于乐理知识的呈现方式——它完全打破了传统乐理书那种冰冷、枯燥的公式堆砌模式。编者似乎深知，对于初学者来说，乐理必须是“活的”，是与演奏直接挂钩的。例如，在介绍和弦构成时，它不是简单地罗列音程，而是立刻关联到实际练习曲中某个乐句的和声背景，让你亲身体会到“为什么这个和弦听起来如此和谐”或“为什么这个转调带来了情绪的起伏”。这种“理论即实践，实践即理论”的循环学习方式，彻底消除了我过去对乐理的畏惧感。我不再觉得乐理是需要单独啃下来的“硬骨头”，而是理解音乐语言的必备工具。这本书让我从“模仿演奏”真正走到了“理解音乐”，这对于任何想走得更远的人来说，都是无价的收获。

评分☆☆☆☆☆

这本书的教学逻辑简直是教科书级别的典范，它没有急于求成地堆砌复杂的技巧，而是用一种极其耐心的、碎片化的方式，将核心的音乐概念逐步植入读者的脑海中。我特别欣赏它对“音乐性”的强调，而不仅仅是机械地敲击琴键。例如，在讲解节奏型时，它不仅仅给出节拍子，还会配以非常形象的文字描述，比如“像行走时的步伐”或者“轻快的跳跃”，这种具象化的引导，让我能更快地将抽象的符号转化为可感知的听觉体验。而且，教材中的练习曲选择非常巧妙，它们虽然简单，但每一首曲子都精准地服务于当前正在学习的某一个特定技术点，没有一句多余的音符。这种高度聚焦的学习路径，极大地提高了练习效率，避免了在不必要的难点上浪费时间。对于一个自学者而言，这种清晰的路线图比任何名师的口头指导都来得更可靠、更稳定。