戈尔鲍第双20首长笛练习曲20首可爱练习曲20首小练习曲集书籍教材 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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商品名称：戈尔鲍第双20首长笛练习曲20首可爱练习曲20首小练习曲集书籍教材

商品编号：29580276749

店铺： 阅读纪图书专营店

商品毛重：500.00g

货号：9787806678503

内容简介

 

C·戈尔鲍第1833年3月17日出生于意大利，逝世于1905年4月12日。他一生几乎都在法国巴黎度过，他生活的年代也正是埃内斯托·柯勒生活的年代。柯勒出生于意大利的莫德那，作为长笛演奏家主要活跃在维也纳以及俄罗斯的圣彼得堡，而戈尔鲍第则一直活跃在巴黎。作为长笛界的名家巨擘，与同为意大利人的辉煌和柯勒相比，戈尔鲍第当今的声誉令人感慨。戈尔鲍第作为长笛演奏家的记载虽然较少，但作为作曲家所编写的三部轻歌剧以及几部声乐用的曲谱都完整地留存于世。戈尔鲍第生活的时代，在音乐史上又被称为“歌曲时代”，因此，在戈尔鲍第的长笛练习曲中充满着歌唱性的优美的旋律。

 

 

戈尔鲍第《双20首长笛练习曲》(作品131、132)是当今国际上普遍认可的长笛初级练习曲中的经典，是柯勒的作品33练习曲之前的必要的热身练习曲集，通常先使用《20首可爱练习曲》，再使用《20首小练习曲》。《双20首长笛练习曲》适合业余考级2、3级程度的学生使用。

 

 

20首可爱练习曲 OP.131

第1首 C大调

第2首 a小调

第3首 G大调

第4首 e小调

第5首 F大调

第6首 d小调

第7首 D大调

第8首 b小调

第9首 bB大调

第10首 g小调

第11首 A大调

第12首 #f小调

第13首 bE大调

第14首 c小调

第15首 C大调

第16首 G大调

第17首 e小调

第18首 D大调

第19首 a小调

第20首 F大调

 

20首小练习曲 OP.132

音乐的殿堂：探寻经典与创新的交汇点 引言：一扇通往音乐世界的无形之门 音乐，作为人类情感最直接的表达方式，其魅力在于永恒的生命力和无限的包容性。每一部伟大的音乐作品，都是一个时代的缩影，是作曲家内心世界的精准投射。在浩瀚的音乐文献中，有许多经典之作，它们不仅塑造了演奏技巧的基石，更引领了艺术审美的潮流。我们在此探讨的系列书籍，旨在构建一个全面且深入的音乐学习与欣赏体系，聚焦于那些对器乐发展和音乐教育产生深远影响的里程碑式作品，而非某些特定练习曲集。 第一部分：管弦乐的辉煌史诗——从巴洛克到浪漫主义的管弦乐巨匠 本系列丛书将带领读者穿越时空的隧道，细致剖析西方管弦乐发展史上最光辉的篇章。我们不关注单一器乐的练习素材，而是着眼于管弦乐队这一宏大有机体的演变。 1. 巴洛克时期的结构与对位艺术： 深入探究约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach）的管弦乐作品，如《布兰登堡协奏曲》和《G大调第一号管弦乐组曲》。重点分析巴赫如何将复杂的对位技巧融入到群体演奏中，以及他如何利用独奏乐器与乐队的对话，确立协奏曲（Concerto Grosso）的基本形态。书籍将详细解析赋格结构在乐队织体中的应用，而非针对特定乐器的单线练习。讨论将侧重于织体密度、声部平衡的控制，以及如何通过清晰的节奏型来驱动整个乐队向前流动。 2. 古典主义的清晰与平衡： 海顿与莫扎特是古典主义音乐的奠基人。本卷将聚焦于海顿的“伦敦交响曲”系列和莫扎特的“哈夫纳交响曲”等作品。我们将探讨“奏鸣曲式”如何在管弦乐中被完美构建，以及木管声部如何在海顿手中逐渐从单纯的和声支持转变为拥有独立歌唱性的重要角色。分析的重点在于主题呈示、展开与再现的逻辑严密性，以及弦乐组内部的声部交织与清晰度控制。这将是关于交响曲结构分析的权威指南，而不是关于练习音阶或琶音的指南。 3. 浪漫主义的色彩与情感洪流： 贝多芬的交响曲是连接古典与浪漫的桥梁，其对情感深度的挖掘和对传统形式的革新，为后来的浪漫主义巨匠铺平了道路。随后的篇章将聚焦于勃拉姆斯、柴可夫斯基和马勒的管弦乐作品。对于勃拉姆斯，我们将研究他如何巧妙地融合巴赫式的对位技巧与瓦格纳式的丰富和声；对于马勒，则着重于他如何利用庞大的乐队编制，描绘出宏大叙事与内心挣扎的复杂图景。书籍将提供详细的配器法分析，探讨不同乐器组合如何创造出独特的音响色彩（Timbre），并指导读者如何理解和演绎这些复杂的情感层次，避免对单一乐器技巧的片面强调。 第二部分：键盘音乐的演变——从赋格到印象派的技法革新 本部分专注于键盘音乐（钢琴或大键琴）在不同历史时期的发展，重点是那些奠定现代演奏技巧基础的、具有里程碑意义的作品集，而非简单的入门练习集。 1. 巴赫的键盘艺术与复调思维： 我们将深入研究《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）的结构与演奏策略。这套作品不仅是关于“调性”的实验，更是关于如何通过双手独立地、清晰地演奏复调织体的终极考验。分析将集中于如何分辨并突出不同的旋律线，以及如何处理复杂的指法跨越，这些都是对演奏者大脑和手指协调能力的全面训练，而非零散的短小练习。 2. 贝多芬奏鸣曲的结构与力度控制： 贝多芬的钢琴奏鸣曲是演奏曲目的核心。本卷将剖析其标志性的力度对比（如极端的p到ff）、节奏的爆发力，以及在单个乐章内部如何维持长距离的音乐动机发展。讨论将围绕如何用踏板来烘托和声的饱满度，以及如何在保持速度的同时，确保每一个音符的清晰度和意图。 3. 肖邦与李斯特的浪漫主义钢琴语汇： 浪漫主义时期，钢琴技巧达到了前所未有的高度。肖邦的练习曲（Études）虽然是“练习曲”，但它们的核心价值在于将某一项技术难题——如连续的琶音、复杂的和弦进行、或快速的八度——融入到具有深刻音乐性的作品中。本书将从音乐分析的角度去解构这些作品，阐释其背后的浪漫主义情感张力，而非仅仅提供技术指引。对于李斯特的炫技作品，我们将探讨其如何拓展键盘的音域和和声的色彩，以及如何通过宏大的结构来驾驭超乎想象的演奏难度。 第三部分：室内乐的对话艺术——乐器间的和谐共鸣 室内乐被誉为“音乐的哲学”，因为它要求最少的演奏者之间进行最精密的交流与协作。 1. 弦乐四重奏的精髓： 海顿奠定了弦乐四重奏的典范，但贝多芬、舒伯特和德彪西的创作将其推向了极致。本节将聚焦于四把乐器（两把小提琴、一把中提琴、一把大提琴）之间的“对话”能力。分析的重点是何时应当突出某一声部，何时需要完全融入背景，以及如何通过细微的音色变化（如弓法的选择）来表达不同的情绪倾向。这要求演奏者不仅精通自己的乐器，更要对其他三件乐器的音域特性有透彻的理解。 2. 钢琴三重奏与管乐室内乐的挑战： 钢琴三重奏（通常是钢琴、小提琴和大提琴）要求钢琴承担起乐队的角色，同时与其他两件独奏乐器保持平衡。我们将审视勃拉姆斯的厚重室内乐织体，以及拉威尔的轻盈、精确的线条处理。对于管乐五重奏等作品，我们将探讨如何平衡木管乐器天然的音色差异，实现一种“透明而统一”的声响效果。 结语：超越技巧，直抵艺术的彼岸 本系列丛书的宗旨是提供一套系统、深入的音乐知识框架，旨在培养具有深厚理论基础和广阔音乐视野的演奏者和鉴赏家。我们强调的是对音乐作品历史背景、结构逻辑和情感内涵的全面掌握，鼓励学习者将技巧训练融入到对伟大作品的理解之中，从而实现演奏水平的质的飞跃。学习的终点，永远是更深刻、更富创造性的音乐表达，而非单纯的指法熟练度。

评分☆☆☆☆☆

从整体的学习体验来看，这套教材的设计思路明显是站在现代学习者的角度出发的。它没有采用那种“老祖宗传下来”的僵硬结构，而是更加灵活和开放。特别是在练习曲之间的过渡和衔接部分，作者似乎考虑到了如何将不同技巧无缝地融入到实际的演奏情境中去。举个例子，其中有一组练习，在连续的琶音练习之后，紧接着要求演奏一个带有颤音的长音，这非常贴合我们在演奏奏鸣曲或协奏曲中经常遇到的技术衔接难题——如何在爆发力之后迅速恢复到细腻的控制。这种“模拟实战”的设计，让练习成果的转化率大大提高。它教会的不仅仅是“如何弹奏单个音符”，更是“如何在乐章的语境下运用这些技巧”。这本书无疑是为那些追求高效、深度且不失趣味性的长笛学习者量身定做的。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我一直对那些动辄上百页的传统练习曲集有些望而却步，感觉它们更像是给专业音乐学院学生准备的“大部头”，对我这种业余爱好者来说，压力太大了。但是这本练习曲集完全颠覆了我的看法。它的核心在于“精炼”与“实用性”。每一首曲子似乎都针对了长笛演奏中某个特定的技术难点进行精准打击，比如快速音阶的连贯性、断奏的清晰度，或是特定把位转换时的平滑过渡。我特别喜欢它那种循序渐进的难度设置，你不是一下子就被扔进一片技术汪洋里，而是被温和地引导着，一步步建立起扎实的根基。我用了大概一个月的时间来消化前十分之一的内容，明显感觉到自己的气息控制有了质的飞跃。那种感觉就像是原本松散的肌肉线条，现在被塑造成了更具弹性和爆发力的形态。这完全归功于作者对练习逻辑的深刻理解，它不追求数量取胜，而是追求质量上的深度挖掘。

评分☆☆☆☆☆

我是在一个资深长笛演奏家的推荐下买的这本教材，他强调这本书的“音乐性”远超一般技术练习册。一开始我还持怀疑态度，毕竟“练习曲”这个词听起来就和“枯燥”划等号。然而，当我尝试演奏其中的几首“可爱”系列的练习曲时，那种感觉完全不同了。它们仿佛带着一种轻快的、跳跃的生命力，让原本冰冷的音符组合变得生动起来。这对于提高演奏的音乐表现力至关重要。很多练习在追求速度和准确性的同时，往往忽略了音乐的表情变化。但这里的很多段落，都明确标注了强弱对比和乐句的呼吸点，提示演奏者要去“歌唱”而不是单纯地“吹奏”。这极大地帮助我跳出了单纯技巧训练的桎梏，开始真正理解如何在技术层面支撑起音乐的感染力。如果你的目标不仅仅是把音吹准，更是想让你的长笛发出有灵魂的声音，那么这本书提供的视角是极其宝贵的。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着十几年经验的乐器教师，我在寻找新的、能真正触动到学生兴趣点的教材方面投入了大量精力。这本练习册最大的亮点，或者说它最“狡猾”的地方，就是它成功地将“功课”伪装成了“游戏”。我发现我的那些平时对练习感到抗拒的学生，对这套曲子表现出了前所未有的热情。这可能与它“小”和“精”的特点有关，短小精悍的曲目不会给人造成心理上的负担。更妙的是，不同系列的练习曲之间，风格的切换非常自然。你可能刚完成一个需要极高手指灵活度的练习，紧接着就是一个侧重于长音和音色控制的慢板小品，这种节奏的切换让学生的精神始终保持在一种放松但集中的状态，避免了长时间在单一技术点上钻牛角尖而产生的厌烦情绪。这种多样性使得整个学习过程充满了新鲜感和期待感。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计真的让人眼前一亮，拿到手的时候就觉得物超所值。封面那种古典与现代交织的风格，让人忍不住想立刻翻开。内页的纸张质感非常棒，即便是长时间练习，眼睛也不会感到疲劳，这对于我们这些需要对着谱子盯很久的人来说，简直是福音。而且，清晰的印刷质量让那些复杂的指法和呼吸标记都一目了然，哪怕是初学者也能轻松上手，不用费劲去猜那些模糊不清的符号。再说说它的曲目编排，虽然我还没完全摸透里面的所有曲子，但从前几首就能感受到作者在设计这些练习曲时所下的苦心。它们不是那种枯燥乏味的机械重复，而是巧妙地融入了旋律性，让人在练习技巧的同时，也能享受到音乐本身的美感。特别是那些高音区的处理，作者给出的示范非常到位，让我在攻克难关时少走了不少弯路。整体来说，这本书在制作工艺上体现了一种对音乐学习者的尊重和关怀，这是很多教材所欠缺的。