融合与借鉴中国钢琴作曲家的创作研究胡原原中国纺织出版社9787518040063 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡原原 编

图书标签:

• 钢琴曲
• 中国钢琴音乐
• 作曲研究
• 音乐史
• 胡原原
• 中国纺织出版社
• 音乐理论
• 融合
• 借鉴
• 现代音乐

店铺： 一碧万顷图书专营店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518040063

商品编码：29586412104

出版时间：2018-01-31

页数：239

图书基本信息
书名：	融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究
丛书名：
作者/主编：	胡原原
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518040063
出版年份：	2018年2月

版次：	第 1 版
总页数：	239页
开本：	16
图书定价：	68.5元
实际重量：	0.699kg
新旧程度：	正版全新

编辑推荐

《融合与借鉴:中国钢琴作曲家的创作研究》由中国纺织出版社出版。

作者简介

胡原原，女，1980年3月生，汉族，硕士，现任职于临沂大学从事教学研究，主要研究方向：中国钢琴作曲家的创作。教学经验丰富，科研成果丰硕，已发表学术科研论文多篇。

目录

第一章 学习与模仿：早期中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 中国第一首钢琴曲——《和平进行曲》
第三节 20世纪20年代的钢琴创作
第四节 艺术歌曲的钢琴伴奏
第二章 “本土化”摸索：20世纪30年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 “中国风味钢琴曲”的创作比赛
第三节 中国第一批“中国风味钢琴曲”
第三章 战争中的摸索：20世纪40年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴小品的创作
第三节 大型钢琴作品的创作
第四节 无调性钢琴作品的摸索
第四章 初步繁荣：20世纪五六十年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴序曲的创作
第三节 钢琴组曲的创作
第四节 具有地方特色的钢琴创作
第五章 艰难生存：20世纪六七十年代中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 根据样板戏改编的创作
第三节 根据民族器乐曲改编的创作
第四节 根据民歌旋律改编的创作
第五节 钢琴曲《红灯记》与《黄河》
第六章 复苏与发展：20世纪80年代后中国钢琴作曲家的创作
第一节 钢琴创作的概况
第二节 以中国音乐素材为基础的钢琴创作
第三节 钢琴协奏曲的创作
第四节 全新手法的钢琴创作
参考文献

　《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》首先从历史的角度，依次梳理了20世纪初、20世纪30年代、20世纪40年代、20世纪五六十年代、20世纪六七十年代、20世纪80年代后的中国钢琴创作情况，展示了中国钢琴创作从学习与模仿、“本土化”摸索、战争中的摸索、初步繁荣、艰难生存到复苏与发展的历程，具体探讨了钢琴创作的概况、各种体裁的钢琴曲的创作以及有代表性的钢琴曲作品。《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》观点独特，展示了中国钢琴音乐文化“中和”的特点；层次鲜明、脉络清晰，以中国钢琴作曲家与作品为主线，对中国钢琴创作的发展有比较清晰的梳理，是一本值得学习研究的著作。

钢琴音乐的无界之声：中西合璧的艺术探索 聚焦二十世纪中叶至当代，解析钢琴创作的文化张力与融合之路 本书深入探究了二十世纪中叶至今，全球范围内一系列具有里程碑意义的钢琴作品，它们不再固守单一的地域或文化藩篱，而是成为东西方音乐语言、传统与现代思潮激烈碰撞后诞生的结晶。这不是对既有范式的简单罗列，而是对创作主体如何处理“身份认同”与“艺术表达”之间复杂关系的细腻剖析。 第一部分：现代主义浪潮下的东方回响 本部分首先将目光投向欧洲和北美的重要音乐学派，考察它们如何吸纳非西方音乐元素，特别是东亚的音高、节奏结构和哲学意境。我们避开对传统西方和声学的重复论述，转而关注那些勇于挑战五度圈的作曲家。 例如，对于德彪西晚期作品中对日本浮世绘风格的借鉴，我们将深入分析其如何转化为对音色层次和非传统调性的处理，并对比分析同一时期日本本土作曲家对印象主义手法的本土化尝试。我们关注的重点是“借鉴”如何从表层模仿提升到深层结构改造的层面。书中将详细梳理分析Olivier Messiaen对印度节奏模式的系统性研究，以及他如何将其融入其宏大的宗教叙事框架中，这种结构上的移植，远超出了简单的异域情调的添加。 同时，我们考察了后序列主义（Post-Serialism）对“不确定性”和“概率音乐”的探索，并将其置于中国传统哲学中“变易”思想的语境下进行参照。这些西方作曲家在追求结构严谨性的同时，无意中触碰到了与东方艺术理念相通的领域，形成了一种跨文化的共鸣。 第二部分：地域身份与国际语境的对话 本册的核心论述聚焦于那些在国际舞台上发声的作曲家群体，他们身处文化交汇点，其创作无不带有强烈的“双重身份”印记。我们不满足于简单地将他们的作品贴上“民族风格”的标签，而是致力于揭示他们在吸收西方作曲技法（如十二音体系、复调技术、电子音乐处理）的同时，如何巧妙地嵌入本土的音乐基因。 详细分析了巴托克·贝拉在匈牙利民间音乐发掘与形式结构创新上的模式，并将其作为对照组，来审视那些在二十世纪六十年代后成长起来的作曲家，他们面对的是一个已经高度全球化的音乐图景。 我们将深入分析特定乐器配置的选用。例如，对某些传统打击乐器或特色调式乐器的引入，究竟是作为色彩点缀（Ornamentation），还是作为作品整体结构和驱动力的核心元素（Structural Element）。书中特别探讨了对五声音阶的运用，如何从简单的旋律替代，演变为对和声功能性以及织体密度的重塑。 第三部分：技术革新与美学重构 当代钢琴创作的显著特征之一是技术难度和对钢琴发声极限的探索。本部分将分析在吸收了布列瑟（Prepared Piano）概念和非传统演奏技法（Extended Techniques）之后，作曲家如何将这些技术语言与特定的文化叙事相结合。 我们对比了西方先锋派对噪音和泛音的系统性研究，以及当代亚洲作曲家如何将这些技巧与对“气”、“韵”等东方美学概念的追求相融合。这不是简单的技术嫁接，而是对“如何发声”这一根本问题的重新定义。例如，某些作品中对琴弦内部演奏的强调，不仅仅是为了产生特定的音高，更是为了模仿或象征某种自然界的形态，如风的流动或水波的涟漪。 书中包含对微音程（Microtonality）在不同文化背景下的应用对比。西方微音程的运用多基于精确的数学划分，而某些东方传统音乐体系中的微小音高差异，往往是基于听觉的微妙感觉或装饰的需要。考察这两种路径的交汇，揭示了当代作曲家在追求音高自由度时所面临的理论和实践挑战。 第四部分：跨媒介与观念的渗透 最后，我们探讨钢琴作品如何超越纯粹的音乐文本，与文学、视觉艺术乃至空间观念发生关联。当代钢琴音乐往往具有强烈的戏剧性或观念性。我们分析了作品标题、乐谱标记中蕴含的非音乐信息，它们如何引导听众建立起一种跨越语言障碍的理解框架。 本书通过对大量一手资料和文献的梳理，力求提供一个宏大而又细致的视角，理解钢琴创作在后现代语境下，如何通过有意识的“借鉴”和坚定的“融合”，实现艺术的自我更新与永恒的生命力。它探讨的是音乐语言如何超越地理的界限，在不断的对话中构建新的审美高地。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期致力于音乐教育实践的工作者，我深知理论与实践相结合的重要性。这本书在这方面做得非常出色，它在扎实的理论基础之上，提供了大量可操作的、具有高度启发性的教学案例和演奏示范分析。我尤其关注了其中关于不同演奏技巧如何在特定乐曲中得到体现的部分，作者提出的练习方法和侧重点，都非常贴合钢琴学习者的实际需求。例如，书中对某个特定技术难点的分解和重构过程，清晰明了，立即可用于课堂教学，并收到了良好的反馈效果。这本书的排版和图示也非常清晰，复杂的记谱和图表都处理得井井有条，极大地方便了阅读和查找。它不仅提升了我自身的专业素养，更直接丰富了我的教学资源库。我强烈推荐所有钢琴教师将此书纳入案头必备的参考资料之中。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计很有品味，厚实耐用，拿在手上沉甸甸的，一看就知道是用心制作的。我对手边的书籍通常会有一个“亲手操作”的习惯，比如在书页边缘做标记，或者反复翻阅查找重点。这本书的纸张质量非常好，即便是反复翻折和使用铅笔标注，也不会有任何损坏的迹象。内容方面，作者的史学观和音乐本体论的结合令人印象深刻。它没有陷入纯粹的学院派钻研，而是将艺术史置于更广阔的社会文化背景下进行考察，使得阅读过程充满了智识上的愉悦。我特别欣赏其中对不同音乐思潮互相渗透的论述，这种宏观视野让人在面对具体作品时，能有一个更全面的把握。这本书不仅是工具书，更是一本能够引发深度思考的智性读物，非常适合在宁静的午后，泡上一杯茶，慢慢品读，去体味其中蕴含的深厚底蕴。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱集简直是音乐学习者的福音！我最近入手了一批新的钢琴教材，但总觉得内容有些陈旧，缺乏新鲜感。直到我翻开了这本书，那种眼前一亮的感觉至今难忘。它收录的曲目跨越了不同的风格和时期，从巴洛克时期的严谨对位，到浪漫主义的激情抒发，再到近现代的创新探索，简直是一部浓缩的钢琴音乐史。尤其让我惊喜的是，很多曲目都配有非常详尽的演奏指导和背景介绍。作者并没有简单地罗列音符和指法，而是深入挖掘了每一首作品的情感内核和历史背景，这对于提升演奏者的音乐理解力非常有帮助。例如，在一首著名的奏鸣曲的分析中，作者不仅指出了难点，还提供了几种不同的处理方式，极大地拓宽了我的思路。封面设计也十分雅致，装帧精美，拿在手里就有一种珍视感。对于任何渴望在钢琴艺术上更进一步的演奏者来说，这本书绝对是值得反复研读的珍宝。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我挑选专业书籍通常非常挑剔，很多看似高深的著作，读起来却晦涩难懂，充斥着不必要的术语堆砌。然而，这本书却完全颠覆了我的这种刻板印象。它的行文风格极其流畅自然，读起来有一种如沐春风的舒适感，但内容的深度却丝毫不打折扣。作者对音乐织体的剖析细致入微，常常能从一个和弦的走向或一个旋律的动机中，揭示出作曲家深层的创作意图。我特别喜欢书中那种“带着耳朵去阅读”的体验，作者引导你不仅仅是用眼睛看谱子，而是要用耳朵去想象和聆听。书中关于和声语言演变的探讨，对我正在进行的课题研究提供了巨大的启发。它不仅仅是一本知识的传授者，更像是一位经验丰富的导师，耐心地引导我如何更深入地与音乐进行对话。对于那些希望从“会弹”进阶到“会思考”的演奏者和教师来说，这本书的价值无法估量。

评分☆☆☆☆☆

我一直痴迷于探究不同文化艺术形式间的交融与碰撞，所以当我在书店看到这本书的标题时，几乎是毫不犹豫地把它带回了家。这本书的视角非常独特且深刻，它没有局限于某一地域或某一特定流派的僵硬框架，而是以一种开放和包容的心态，去审视和梳理了不同音乐思想在彼此影响下的演变轨迹。我尤其欣赏作者在论述中展现出的那种严谨的学术态度，大量的史料引用和精准的音乐分析，使得每一个观点都有坚实的支撑。阅读过程中，我仿佛跟随作者进行了一场穿越时空的音乐考古之旅，对许多过去被我忽略的细节产生了全新的认识。更难能可贵的是，作者成功地将复杂的理论阐述得深入浅出，即便是初次接触这些复杂概念的读者，也能被其清晰的逻辑和流畅的文笔所吸引。这本书无疑为相关领域的研究提供了一个高质量的参考蓝本，对拓宽我们对音乐史的认知边界具有重要的推动作用。