指挥基础教程胡立谭中央音乐学院出版社9787810960984 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡立谭 著

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出版社： 中央音乐学院出版社

ISBN：9787810960984

商品编码：29586559784

页数：312

图书基本信息
书名：	指挥基础教程
丛书名：
作者/主编：	胡立谭
出版社：	中央音乐学院出版社
ISBN号：	9787810960984
出版年份：	2005年4月

版次：	第1版
总页数：	312页
开本：	16
图书定价：	35元
实际重量：	581kg
新旧程度：	正版全新

《指挥基础教程》由中央音乐学院出版社出版。

前言 
第一章关于指挥的常识 
一、指挥法的概念 
二、指挥的任务 
三、做一名指挥的基本条件 
第二章指挥图式及基本姿势 
一、指挥图式 
二、基本姿势 
三、击拍动作的基本要领 
四、击拍动作的练习方法 
第三章指挥图式剖析 
一、指挥动作轨迹的构成及其作用 
二、关于加速与减速 
第四章指挥的基本技巧 
一、预备动作 
二、预备拍 
三、收拍 
四、并拍 
五、分拍 
六、强、弱与渐强、渐弱的指挥方法 
七、渐慢与渐快的指挥方法 
八、指挥棒的表现力 
第五章击拍的特殊技巧 
一、预示 
二、主动拍与被动拍 
三、死拍子 
四、划拍子 
五、先入法 
六、附点节奏的指挥技巧 
七、三连音的指挥方法 
八、两段敲击法 
九、双手的配合 
十、指挥动作的设计 
第六章 多声部音乐的指挥法 
一、人体其他部位的功用 
二、指挥拍点高度 
三、示意各声部先后进入的指挥方法 
四、示意各声部相继收束的指挥技巧 
五、复调音乐的指挥原则 
第七章不同音乐情绪的指挥动作语言 
一、表达节奏活力强的旋律的指挥手势 
二、表达安静、平稳的音乐的指挥要领 
三、表达流畅性旋律的指挥手势 
四、表达抒情性旋律的指挥要领 
五、表达宽厚、沉重的旋律的指挥动作 
六、表达配器浓淡、乐器音色的指挥手势特点 
七、表达其他音乐情绪的指挥动作 
第八章乐队训练的一般知识 
一、整齐 
二、音准 
三、平衡 
四、融合 
五、统一 
第九章合唱队的训练 
一、合唱状态 
二、呼吸训练 
三、发声训练 
四、共鸣训练 
五、字音的训练 
第十章合唱曲的改编处理 
一、变换音色演唱 
二、加写二声部成为二部合唱 
三、改编为四部合唱 
四、领、合唱 
五、轮唱 
六、和弦衬托 
七、加写复调 
八、转调及换调 
九、加写前奏、引子 
附录一指挥法发展简介 
一、早期意义上指挥棒的运用 
二、键盘乐器指挥 
三、用小提琴弓子的指挥法 
四、指挥棒的再度使用 
五、现代指挥艺术的开创者 
六、无指挥乐团 
附录二著名指挥家简介 
一、阿尔图罗?托斯卡尼尼 
二、利奥波德?斯托科夫斯基 
三、赫伯特?冯?卡拉扬 
附录三课堂教学实践合唱曲 
（简谱） 
1.半个月亮爬上来（无伴奏合唱） 
2.长江之歌 
3.大海啊，故乡 
4.东方之珠 
5.飞来的花瓣 
6.过雪山草地 
7.黄水谣 
8.茉莉花（童声合唱） 
9.七律?长征 
10.四渡赤水出奇兵 
11.十送红军（无伴奏合唱） 
12.乌苏里船歌 
13.小河淌水（无伴奏合唱） 
14.红河谷 
15.红莓花儿开（女声合唱） 
16.缆 车 
17.天 鹅 
18.雪绒花 
（五线谱） 
19.阿拉木汗 
20.保卫黄河 
21.阳关三叠 
22.渔光曲（女声合唱） 
23.远方的客人请你留下来 
24.沁园春?雪 
25.在银色的月光下（无伴奏合唱） 
26.走进新时代 
27.祖国颂 
28.祖国，慈祥的母亲 
28.祝酒歌 
30.乘着歌声的翅膀（女声合唱） 
31.一片丹心（女声合唱） 
32.蓝色多瑙河 
33.老人河（男声合唱） 
34.猎人合唱（男声合唱） 
35.梦幻曲（无伴奏女声合唱） 
主要参考书目

　　《指挥基础教程》共分十章，内容包括：指挥的常识、指挥图式及基本姿势、指挥图式剖析、指挥的基本技巧、击拍的特殊技巧、多声部音乐的指挥法、不同音乐情绪的指挥动作语言、乐队训练的一般知识、合唱队的训练、合唱曲的改编处理等。
　　《指挥基础教程》不仅适用于音乐教育专业，也适用于专业音乐院校器乐专业学生，并可作为普通高校公共选修课程教材使用。

《音乐理论基础与实践进阶：从入门到精通》 内容概要： 本书是一本全面涵盖音乐理论基础知识并深入探讨实践应用的综合性教材。全书旨在为音乐学习者、爱好者以及专业人士提供一个系统、深入的学习路径，帮助读者建立扎实的音乐理论根基，并能有效地将理论知识应用于实际的音乐创作、演奏与欣赏之中。本书内容结构严谨，逻辑清晰，不仅涵盖了传统西方音乐体系的核心要素，更融合了现代音乐分析的新视角，力求达到理论与实践的完美结合。 第一部分：音乐理论的基石——听觉与概念的建立 本部分着重于建立学习者对音乐基本元素准确的感知和理解。 第一章：音与律的基础 音高与频率： 详细解释音高是如何由声波频率决定的，介绍赫兹（Hz）作为量化单位的应用。 音程的构成与计算： 系统讲解半音、全音的概念，并详细阐述大小二度、三度等各类音程的结构和听觉感受。引入纯律、平均律等不同律制的历史沿革及其对音准感的影响。 记谱法入门： 详述五线谱、谱号（高音谱号、低音谱号、中音谱号）的用法，以及音符、休止符的时值与拍号的对应关系。 第二章：调性体系的构建 大调与小调的结构： 深入分析大调（自然、和声、旋律）与小调（自然、和声、旋律）的音阶结构、三度关系和音级功能。 调号与关系调： 阐述升降号如何决定调性，详细绘制关系大小调（关系小调、同主音大小调）的转换图表，并提供快速识别调性的实用技巧。 调式概述： 介绍除大小调外的其他常见调式，如五声调式、七声音阶以及中古调式（如多利亚、弗里吉亚等），分析它们各自独特的色彩和在不同音乐风格中的运用。 第二部分：和声的语言——横向与纵向的结合 本部分是本书的核心，深入探讨和声学的原理和应用。 第三章：三和弦与七和弦的分析 三和弦的构建与功能： 详述大、小、增、减三和弦的构成及其在调性中的主、属、下属功能分类。重点讲解和弦转位及其在旋律进行中的作用。 七和弦的扩展： 引入属七和弦、导七和弦等，分析其解决倾向性。探讨九和弦、十一和弦等复杂和弦的初步概念。 和弦的序进与连接： 讲解和弦进行的基本规律，如功能和声的逻辑（T-S-D-T），并介绍连接和弦的技巧，如副属和弦、经过和弦等，以增强和声的流动性。 第四章：和声的深化与扩展 调性外和声的运用： 探讨远关系转调、平行转调的手法，引入半音和声（如减七和弦的多种功能解析）。 不协和音的解决： 详细分析九音的解决方式，以及特殊和弦（如拿波里六和弦、增六度意大利/法/德和弦）的结构和应用场景。 和声的织体与配器： 讨论四部和声的写作规范，包括声部进行中的平行五八度的避免，以及不同乐器组合下和声色彩的变化。 第三部分：节奏、节拍与织体分析 本部分着眼于时间维度上的音乐组织。 第五章：节奏的精确定位 节拍的层级结构： 区分单拍子、复拍子和混合拍子，分析强弱规律在不同拍子中的体现。 复调节奏的交织： 介绍复调音乐中，不同声部之间如何通过节奏的错位和对比来构建张力与平衡。 自由节奏的探讨： 讨论附点、延音线、切分音等节奏处理技巧，并简要介绍无节拍（A-metric）音乐的现象。 第六章：曲式结构与音乐形式 小型曲式分析： 深入解析二部曲式、三部曲式（ABA结构）的内在逻辑与平衡原则。 复曲式与奏鸣曲式： 详细剖析复三部曲式、回旋曲式，并以奏鸣曲式（呈示部、发展部、再现部）为例，讲解主题的呈示、对比、冲突与解决的全过程。 赋格曲的结构： 介绍复调音乐的巅峰——赋格曲的呈露、插部、中入等关键部分的写作手法。 第四部分：实践应用与音乐分析 本部分将理论知识应用于实际的音乐作品解读中。 第七章：风格鉴赏与分析方法 巴洛克风格的解析： 侧重对巴赫作品中对位法和固定低音的分析，探讨其和声的严谨性。 古典主义的清晰： 以海顿、莫扎特的作品为例，分析其曲式结构如何服务于清晰、平衡的表达。 浪漫主义的色彩： 探讨肖邦、李斯特等作曲家如何运用复杂的和声色彩和自由的节奏来表达强烈情感。 二十世纪音乐的变革： 介绍十二音体系、偶然音乐等现代音乐思潮对传统理论的冲击与发展。 第八章：视唱练耳与演奏实践结合 提高视唱能力： 提供大量包含复杂音程、调式转换和节奏变化的视唱练习，强调节奏与音高的同步准确性。 听觉辨识训练： 针对和弦的转位、七和弦的种类、模态转换等进行专项听辨练习，以加深对和声色彩的直觉判断。 理论指导实践： 讲解如何通过和声分析来指导器乐演奏的力度、表情和分句，实现“用心弹奏”而非机械模仿。 目标读者： 音乐学院本科生、音乐教育专业学生、有志于系统学习和声学与曲式分析的音乐爱好者，以及希望加深对古典音乐理解的演奏者。 本书特色： 1. 图表丰富： 大量使用自绘的音型图、和弦结构图和调性关系图谱，直观易懂。 2. 案例详尽： 引用大量经典音乐片段进行理论支撑，而非仅仅停留在抽象规则层面。 3. 实践导向： 每章节后附有“实践挑战”栏目，鼓励读者立即动手进行和声写作或即兴创作尝试。

评分☆☆☆☆☆

老实说，这本书的文字密度相当高，初读时需要极大的耐心去消化吸收。它没有采取那种迎合初学者的“碎片化”教学方式，而是步步为营，层层递进。我尤其喜欢其中关于“肢体语言的精确性”那一章的论述。它不仅仅停留在“左手管力度，右手管速度”这种基础口诀上，而是深入探讨了如何通过微小的关节变化来传达出情感的微妙起伏，比如颤音时手臂的悬停与回弹，或者渐强时手指张开的角度与空气的“阻尼感”。这就像是学习一门高级外语，每一个手势都对应着一个特定的语法结构和情感词汇。我尝试着对着镜子练习书中所描述的几种基础性引导动作，发现自己过去那种“用力过猛”的习惯确实阻碍了音乐线条的流畅性。这本书强迫你去思考每一个动作背后的音乐逻辑，而不是仅仅停留在表面的模仿，对于提升个人的表达精准度，帮助实在太大了。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和纸张选择也透露出一种对知识的尊重，拿在手里很有分量感，印刷清晰，图例的线条流畅且易于辨认。我发现它在处理“预备动作”和“收束处理”这两个看似细枝末节的部分时，投入了极大的篇幅进行精细化拆解。这对于提升排练效率至关重要。以前我总觉得排练时间不够用，很多时候是因为乐团成员对下一步的指示模棱两可。这本书通过对不同情绪下的“目光交流”和“呼吸引导”的细致图示，提供了一套统一的、高效的“指挥语汇”。这套语汇构建了一个指挥家与演奏家之间心领神会的桥梁，极大地减少了口头沟通的需要，让排练过程更加专注和纯粹。对于任何渴望从“会指挥”迈向“能有效引导”的音乐工作者来说，这本书无疑是一部值得反复研读的宝典。

评分☆☆☆☆☆

作为一本学术性的著作，它的严谨性令人信服，但更难能可贵的是，作者似乎始终没有忘记指挥的“艺术”本质。在讲解技术要领的同时，穿插着许多对音乐史和指挥大师实践的案例分析。例如，书中对某位特定指挥家在处理某个特定段落时，选择性地强调某一两个声部，以突显其戏剧性张力的详细描述，非常有说服力。这使得阅读过程不再是枯燥的技术手册研读，而更像是一场与历史巨匠的隔空对话。它教导我们，技术是基础，但真正的指挥魅力来源于对作品精神的深刻洞察和富有创意的诠释。它提醒我们，每一个技术动作的最终目的，都是为了更好地服务于音乐的情感表达，而不是为了炫耀技巧本身，这一点把握得非常到位，让人受益匪浅。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实操性，体现在它对于不同乐团编制和声部平衡的洞察上。我之前总觉得，指挥就是站在高台上，把所有人都拉到一个音量上。但读完关于“室内乐与大型交响乐的控制差异”这一节后，我才明白其中的复杂性。作者详尽地分析了木管组的穿透力与铜管组的覆盖力之间的微妙平衡点，以及弦乐群中不同声部（第一小提琴、中提琴等）的音色占比如何影响整体的和声厚度。书中给出的关于“虚拟声场构建”的练习方法非常具有启发性，它引导读者在没有实际乐团的情况下，通过对分谱的默读和想象，预先在脑海中完成音响的定位和调整。这是一种对听觉记忆和空间感的极限训练，让指挥的思考过程变得更加立体和全面，远非一本简单的指挥法教材所能比拟。

评分☆☆☆☆☆

这本书的封面设计着实吸引人，那种沉稳又不失力量感的色调，一下子就把人带入了严肃的学习氛围中。我本来对“指挥”这个领域还停留在非常模糊的印象阶段，觉得无非就是挥舞一下手臂，控制一下节奏。但翻开这本书的扉页，看到那精细的排版和严谨的目录结构，我就知道这绝非泛泛之谈。它不是那种随便翻翻就能了解皮毛的工具书，更像是一扇通往专业殿堂的坚实大门。我特别欣赏作者在绪论部分对于指挥艺术的哲学思考，将音乐的听觉体验与视觉表达之间的张力探讨得淋漓尽致。那种对音乐理解深度的要求，远超出了我最初的预设。比如，书中对不同时期作曲家创作意图的细致剖析，简直像是给每一部作品都做了一次深度“体检”，让人在拿起指挥棒之前，就能在脑海中构筑起一座完整的音乐场景。这种由内而外的构建能力，正是优秀指挥家所必备的素质，而这本书，无疑是帮助我们打下这种基础的最佳向导。