融合与借鉴中国钢琴作曲家的创作研究胡原原中国纺织出版社9787518040063 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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胡原原 编

图书标签:

• 钢琴曲
• 中国钢琴音乐
• 作曲研究
• 音乐史
• 胡原原
• 中国纺织出版社
• 音乐理论
• 融合
• 借鉴
• 现代音乐

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 中国纺织出版社

ISBN：9787518040063

商品编码：29684812782

出版时间：2018-01-31

页数：239

图书基本信息
书名：	融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究
丛书名：
作者/主编：	胡原原
出版社：	中国纺织出版社
ISBN号：	9787518040063
出版年份：	2018年2月

版次：	第 1 版
总页数：	239页
开本：	16
图书定价：	68.5元
实际重量：	0.699kg
新旧程度：	正版全新

编辑

《融合与借鉴:中国钢琴作曲家的创作研究》由中国纺织出版社出版。

作者简介

胡原原，女，1980年3月生，汉族，硕士，现任职于临沂大学从事教学研究，主要研究方向：中国钢琴作曲家的创作。教学经验丰富，科研成果丰硕，已发表学术科研论文多篇。

目录

章 学习与模仿：早期中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 中国首钢琴曲——《和平进行曲》
第三节 20世纪20年代的钢琴创作
第四节 艺术歌曲的钢琴伴奏
第二章 “本土化”摸索：20世纪30年代中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 “中国风味钢琴曲”的创作比赛
第三节 中国批“中国风味钢琴曲”
第三章 战争中的摸索：20世纪40年代中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴小品的创作
第三节 大型钢琴作品的创作
第四节 无调性钢琴作品的摸索
第四章 初步繁荣：20世纪五六十年代中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 钢琴序曲的创作
第三节 钢琴组曲的创作
第四节 具有地方特色的钢琴创作
第五章 艰难生存：20世纪六七十年代中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 根据样板戏改编的创作
第三节 根据民族器乐曲改编的创作
第四节 根据民歌旋律改编的创作
第五节 钢琴曲《红灯记》与《黄河》
第六章 复苏与发展：20世纪80年代后中国钢琴作曲家的创作
节 钢琴创作的概况
第二节 以中国音乐素材为基础的钢琴创作
第三节 钢琴协奏曲的创作
第四节 全新手法的钢琴创作
参考文献

　《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》首先从历史的角度，依次梳理了20世纪初、20世纪30年代、20世纪40年代、20世纪五六十年代、20世纪六七十年代、20世纪80年代后的中国钢琴创作情况，展示了中国钢琴创作从学习与模仿、“本土化”摸索、战争中的摸索、初步繁荣、艰难生存到复苏与发展的历程，具体探讨了钢琴创作的概况、各种体裁的钢琴曲的创作以及有代表性的钢琴曲作品。《融合与借鉴：中国钢琴作曲家的创作研究》观点独特，展示了中国钢琴音乐文化“中和”的特点；层次鲜明、脉络清晰，以中国钢琴作曲家与作品为主线，对中国钢琴创作的发展有比较清晰的梳理，是一本值得学习研究的著作。

深入解析二十世纪西方现代主义音乐思潮及其在世界范围内的影响 本书旨在为音乐研究者、高等院校师生以及对二十世纪音乐抱有浓厚兴趣的读者，提供一个全面而深入的视角，审视自十九世纪末兴起并深刻影响了整个二十世纪音乐面貌的现代主义思潮。我们聚焦于西方世界，尤其是欧洲和北美，探讨了诸如印象主义、表现主义、十二音体系、序列主义、偶然音乐以及极简主义等关键流派的理论基础、美学追求与具体实践。 第一部分：现代主义的序曲与核心基石 本部分追溯了现代主义音乐的源头。首先，对德彪西和拉威尔所代表的印象主义进行了详尽的阐述。我们不仅分析了他们如何运用色彩化的和声、模糊的调性轮廓以及对大自然音响的模仿，还深入考察了其背后的象征主义文学与绘画思潮的影响。重点分析了《牧神午后前奏曲》和《拉·梅尔》等作品中，对传统功能和声的瓦解与重构。 紧接着，我们将目光投向奥地利，系统梳理了勋伯格、贝尔格和魏本构成的第二维也纳乐派的演变历程。从勋伯格早期受瓦格纳影响的晚期浪漫主义探索，到其彻底抛弃传统调性的“无调性”阶段，直至其在革命性的十二音作曲法中的理论构建与首次应用。我们详细拆解了十二音体系的生成规则、矩阵构建方法，并对比了贝尔格在保持一定听觉可达性方面的努力，以及魏本对音色、节奏细微控制的极端化追求。这部分内容辅以大量的乐谱分析实例，力求清晰展现从主观情感表达向客观结构控制的范式转移。 第二部分：二战后的实验浪潮与技术革新 二战的结束，不仅改变了地缘政治格局，也催生了音乐界对既有体系的彻底反思与激进突破。本部分着重探讨了战后在欧洲和美国兴起的一系列激进实验。 一、序列主义的深化与扩展： 我们首先关注了由布列兹（Pierre Boulez）所领导的达姆施塔特夏令营所代表的严密序列主义。这不仅是对十二音的继承，更是将序列控制的概念扩展至音高之外的所有音乐要素——时长、力度、音色和演奏法。本书细致分析了布列兹《结构 I》和《不喜欢夜曲》中对“不可知性”和“确定性”的辩证处理。 二、电声音乐与电子音乐的崛起： 战后，录音技术和电子合成技术的进步为作曲家开辟了全新的音响世界。我们区分了基于磁带剪辑、声音拼贴的电子音乐（Musique concrète，以皮埃尔·舍费尔为代表）与基于振荡器、信号发生器生成纯粹音波的电子音乐（Elektronische Musik，以布鲁诺·马代尔纳为代表）。通过对科隆工作室和巴黎工作室早期作品的分析，揭示了声音本体论的探讨在这一时期的核心地位。 三、偶然性与不确定性： 约翰·凯奇（John Cage）是这一思潮的标志性人物。我们深入剖析了凯奇关于“意图性”的批判，以及他如何通过概率、随机程序和接受听众的参与来解放音乐的创作过程。通过对《改变计划》、《4分33秒》等里程碑式作品的文本与实践分析，探讨了东方哲学（特别是禅宗）对西方前卫艺术的深远影响。 第三部分：回归“当下”与后现代的回响 进入二十世纪六七十年代，音乐界对前一阶段的过度智性化和复杂性产生了反动，寻求更直接、更具普适性的表达方式。 一、极简主义（Minimalism）的回归： 本部分重点剖析了以莱利（Terry Riley）、赖希（Steve Reich）和格拉斯（Philip Glass）为代表的极简主义的兴起。我们阐释了其核心特征——重复、相位移位、缓慢的渐变以及对调性基础的重新肯定。通过对赖希《鞭打音乐》中相位差原理的详细图解，展示了极简主义如何通过简单的听觉过程，引导听众进入一种沉浸式的、时间感的体验，这被视为对复杂序列主义的强有力反拨。 二、新浪漫主义与后现代拼贴： 面对现代主义的“高深”姿态，一些作曲家开始重新审视调性、旋律和情感的价值。我们探讨了如潘德列茨基（Krzysztof Penderecki）等作曲家在特定时期对音块（Mass Sound）的运用，以及后期如詹金斯（Harry Partch）对非十二平均律乐器的探索。同时，我们也触及了“后现代”语境下，作曲家对历史母题的挪用、戏仿与拼贴现象，标志着音乐语言的进一步开放与多元化。 总结与展望 全书在结论部分对二十世纪西方音乐的演变脉络进行了系统性的总结，强调了技术（如电子技术、信息论）与哲学（如现象学、解构主义）对音乐创作的交互作用。本书力求展现的，并非是一条线性的发展史，而是一张充满张力、相互批判又彼此渗透的复杂网络，为读者理解二十世纪至今的音乐语言提供了一套坚实的理论工具和丰富的案例支撑。

评分☆☆☆☆☆

这本书对中国钢琴创作语境的探讨，展现出一种极高的历史敏感度和前瞻性视野。我欣赏作者对于“借鉴”一词所持的批判性态度，它并未将借鉴等同于依附，而是将其视为一种主动的选择和重塑的过程。书中对于特定历史节点下，作曲家们面临的文化选择与艺术抉择的描写，让人深思。例如，在某些关键时期，如何在外来技法与本土审美之间进行艰难的平衡，这些内心的挣扎和最终的艺术成果，都被梳理得井井有条。此外，该书在结构编排上，也体现出作者对脉络清晰度的执着追求，使得复杂的演变过程条理分明，易于读者跟进。它不仅仅是对已成名作品的总结，更像是对未来创作方向的一种温柔预示，提醒着后来者，真正的融合，是从心底深处对自身文化源泉的深刻理解与自信表达。这种自信，是推动中国音乐走向世界的根本动力。

评分☆☆☆☆☆

坦率地说，市面上关于中国音乐的专著不少，但像这样能够将宏观的历史视野与微观的乐曲技法分析结合得如此紧密的，实属罕见。这本书的价值，在于它提供了一个多维度的解读框架。当我们审视那些标志性的钢琴作品时，这本书帮助我们不仅听到了音符，更听到了那个时代的声音、地域的特色，以及作曲家在吸收外来养分时所经历的消化与再创造。特别是对某些标志性“融合点”的深入剖析，作者的见解往往独到且富有启发性，能够打破一些约定俗成的认知。它鼓励我们以更开放的心态去接受那些看似矛盾的元素——比如极致的技巧性与深沉的东方韵味——如何在同一件作品中和谐共存。这对于提升我们对中国当代音乐的审美鉴赏能力，具有非常实际的助益。我感觉自己对钢琴艺术的理解，随着阅读的深入，正在悄然发生质的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

初捧此书时，我原以为会是一本枯燥的理论堆砌，没想到它在学术的严谨性之外，更展现出一种近乎文学性的叙事张力。作者的笔触细腻而富有洞察力，尤其在分析那些具有里程碑意义的作品时，能够精准捕捉到旋律背后所蕴含的时代情绪和作曲家个人的心路历程。这种对音乐“内在精神”的挖掘，远超出了常规的音乐分析范畴。我尤其关注到其中对于地域性差异如何影响创作手法的对比分析，不同区域的民族音乐元素在钢琴语汇中呈现出的不同侧重点，被作者描绘得栩栩如生。它不是简单地告诉我“这个作品借鉴了什么”，而是深入剖析了“为什么要借鉴这个”以及“借鉴后产生了怎样独特的美学效果”。这种层层递进的分析，使得即便是对音乐理论不太精通的读者，也能感受到作品中那股奔涌的生命力和创新精神。整本书的阅读体验是流畅且富有启发性的，它成功地搭建起了一座桥梁，连接了宏大的理论体系与鲜活的艺术实践。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧和排版，也反映出出版方对内容品质的尊重，整体阅读体验非常舒适，这对于一本需要长时间沉浸其中进行思考的学术著作来说至关重要。更重要的是，作者在论述中展现出的那种对中国文化艺术的深厚感情和责任感，是文字背后最动人的底色。它不仅仅是冷冰冰的分析，而是充满了对民族艺术生命力的热切关注。它成功地展现了“借鉴”并非简单的模仿，而是一种策略性的吸收，是为了更好地“弘扬”和“创新”。书中所呈现的那些充满张力的创作历程，恰恰是中国艺术在现代化进程中不断自我革新的生动写照。它激励着每一个投身于此领域的学习者或创作者，去勇敢地探索属于自己的声音，既不忘根源，也不惧未来。这是一部让人读完后，对中国钢琴音乐的未来充满信心的作品。

评分☆☆☆☆☆

这本关于中国钢琴创作的著作，其立意之深远和梳理之详尽，着实令人眼前一亮。作者似乎并未停留在对现有作品的简单罗列和风格划分，而是深入探究了“融合”与“借鉴”这一核心命题在当代中国钢琴音乐发展脉络中的具体体现。我尤其欣赏它对跨文化对话的细致描摹，比如，如何将西方二十世纪的作曲技法与中国传统音乐语汇进行有机结合，而非生硬嫁接。阅读过程中，仿佛跟随一位学识渊博的向导，穿梭于不同地域、不同时代作曲家们的内心世界，去理解他们是如何在坚守民族音乐身份认同的同时，又积极拥抱世界音乐思潮的。全书的论证逻辑严密，引用史料扎实可靠，对于那些希望系统了解中国钢琴音乐如何走出一条具有自身特色而非盲目模仿的道路的读者来说，无疑是一份极具参考价值的指南。它不仅仅是一部学术专著，更像是一部中国音乐精神的探索史，引导我们思考：真正的创新，究竟是在“继承”与“创新”的天平上如何找到那个微妙的平衡点。对于钢琴演奏者而言，理解了这些作品背后的文化基因和技术挑战，无疑能让他们的演绎更具深度和洞察力。