正版音乐中的思想卡洛斯查韦斯西南师范大学出版社全新考研教材9787562174172 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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卡洛斯·查韦斯 著，孙红杰，冯欣欣 译

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• 音乐学
• 考研教材
• 卡洛斯·查韦斯
• 正版
• 西南师范大学出版社
• 9787562174172
• 音乐思想
• 音乐史
• 艺术理论
• 高等教育

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 西南师范大学出版社

ISBN：9787562174172

商品编码：29684831893

页数：148

图书基本信息
书名：	音乐中的思想
丛书名：	俄耳甫斯音乐译丛·微茫之辨系列
作者/主编：	卡洛斯·查韦斯，孙红杰，冯欣欣
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562174172
出版年份：	2015年9月1日

版次：	第1版
总页数：	148页
开本：	32
图书定价：	29元
实际重量：	299g
新旧程度：	正版全新

编辑

《音乐中的思想》袒露了作者以及他的同时代人对音乐所怀的思想。他聚焦艺术的“交流”属性，从容潇洒地论述了音乐这一表达性媒介，作曲家的角色、训练、灵感、技巧，以及作曲家与公众之间的关系。正是从作曲家与公众的关系入手，查韦斯论述了听众从音乐中获得的享受、音乐的伟大性以及公众在判定作曲家伟大性时所发挥的作用。

作者简介

作者：（墨西哥）卡洛斯·查韦斯（Carlos Chavez） 译者：冯欣欣 

卡洛斯·查韦斯（Carlos Chavez）（1899—1978），墨西哥作曲家、指挥家、音乐理论家、教育家、报刊评论家，墨西哥交响乐团（OSM）的。生于墨西哥城。曾任墨西哥国立音乐学院总监、墨西哥国立美艺术学会总理事长、卡布里罗当代音乐节音乐总监。 
冯欣欣（1981—），女，河南郑州人，音乐学博士、钢琴演奏硕士，武汉音乐学院音乐学系讲师。在德国柏林艺术大学获得硕士学位。在上海音乐学院攻读博士学位期间获得国家留学基金管理委员会奖学金。作为联合培养博士生赴德国科隆音乐学院进行学术研究，获博士学位。多次获得国家和国外科研机构奖学金，包括教育部中德DAAD精英奖、德国兴德米特基金会奖学金、德国奥黛利·塞尔巴赫基金会奖学金等。目前主要从事西方音乐发展史、作品分析以及钢琴演奏方面的教学与研究工作，多次在德国、中国举办钢琴独奏及室内乐音乐会。

 讲 

一位拉丁美洲作曲家 
第二讲 
作为交流的艺术 
第三讲 
音乐中的形式 
第四讲 
音乐中的重复 
第五讲 
作曲家与公众 
第六讲 
来自音乐的享受 
索引

《音乐中的思想》从一位作曲家的视角出发，论及了作曲家在现代文化语境中的身份转变、艺术如何作为人类之间相互交流的重要媒介、作曲家与它的音乐听众之间的联系、音乐中的形式要素、音乐中的重复原则，以及音乐在社会生活中为人类带来的不容替代的娱乐效应。

音乐思想的深度探索与多元视角 一部引领你深入理解音乐本体、历史脉络与社会语境的权威著作 本书旨在为音乐学、音乐史学、美学以及相关人文社科领域的学习者、研究者和爱好者提供一个系统、深刻且富有启发性的知识框架。我们摒弃碎片化的知识点罗列，致力于构建一个宏大而精密的音乐思想殿堂，探讨音乐如何作为一种独特的精神活动，承载、反映并塑造人类文明的进程。 第一部分：西方音乐思想的源流与演变 本部分将追溯西方音乐思想的哲学根基，解析其在不同历史阶段的演变轨迹，重点剖析核心概念的形成与流变。 第一章：古希腊的和谐论与宇宙观 毕达哥拉斯的数与音的奥秘： 详细阐述“万物皆数”的哲学如何奠定了西方音乐理论的数学基础。探究音程、比例与宇宙秩序之间的内在关联，这是音乐作为理性科学的开端。 柏拉图的“理念”与“模仿说”： 分析柏拉图在《理想国》中对音乐伦理的严格规范，探讨其“乐论”如何服务于城邦的道德建构，以及音乐在摹仿（Mimesis）与情感激发中的双重角色。 亚里士多德的“情感宣泄”： 对比柏拉图的规范性，深入解读亚里士多德在《诗学》中提出的“净化”（Catharsis）理论，揭示音乐对个体心灵的治疗与释放功能。 中世纪早期的教会音乐理论： 概述波爱修斯《音乐教程》对古典传统的继承与转化，分析“自然音乐”、“乐器音乐”与“人声音乐”的等级划分，以及格里高利圣咏的礼仪功能确立。 第二章：中世纪经院哲学与音乐的地位 “四艺”框架下的音乐学： 考察中世纪大学教育中，音乐作为“算术、几何、天文之后的第四艺”（Quadrivium）的学科定位，其与数学和宇宙论的紧密捆绑。 和声的萌芽与记谱法的革新： 讨论奥托·冯·格雷萨姆（Guido d'Arezzo）等人在记谱法上的贡献如何为复调音乐的发展奠定技术基础，以及早期的音高与音响观念的转变。 修辞学与音乐叙事： 分析中世纪晚期，音乐如何逐渐从纯粹的礼仪工具向表达复杂情感和叙事（如神秘剧）的方向发展。 第三章：文艺复兴的人文主义转向 复兴古典美学与音乐的独立性： 探讨人文主义思潮如何促使音乐家关注人的情感体验，摆脱神学绝对控制。 文本与音乐的统一： 深入研究“众赞歌”（Chanson）和“经文歌”（Motet）的创作实践，解析对文本清晰度（Text Underlay）的重视，预示着音乐对语义的追求。 音乐理论的世俗化趋势： 介绍乔斯坎·德普雷时代对位法的成熟，以及早期关于调式（Modal System）向大小调体系过渡的理论探讨。 第四章：巴洛克：情感的逻辑与装饰的艺术 “情感理论”（Doctrine of the Affections）： 详尽阐释此理论如何成为巴洛克音乐创作的核心驱动力，即通过特定的音乐语言（和声、节奏、织体）来描绘和维持单一、强烈的情感状态。 和声的巩固与数字低音（Basso Continuo）： 分析巴赫、亨德尔等大师如何将功能和声推向成熟，以及数字低音作为即兴与结构支撑的作用，如何确立了现代和声语法的基石。 歌剧的诞生与戏剧性： 考察“第一部歌剧”的理论基础——试图复兴古希腊悲剧的理想，以及蒙特威尔第对音乐戏剧性表达的创新。 理性与感性的辩证统一： 剖析笛卡尔的音乐理论与莱布尼茨的形而上学如何影响对音乐结构清晰度和装饰手法的理解。 第五章：古典主义的清晰、均衡与普世性 启蒙运动的影响： 探讨洛克、卢梭的经验主义和自然主义如何影响对“自然美”的追求，要求音乐摆脱巴洛克的繁复，回归清晰、平衡的形态。 奏鸣曲式理论的确立： 深入分析海顿、莫扎特时代对曲式结构的规范化，解析呈示部、展开部、再现部的内在逻辑，将其视为一种辩证的结构模型。 “纯音乐”观念的兴起： 讨论康德美学中对“目的论的无目的性”的理解，如何为纯器乐（Absolute Music）在美学上正名，使其独立于文学和绘画。 第六章：浪漫主义：主体性、无限与“艺术作品” 主体性与个性化表达： 分析贝多芬向彻底的主体性过渡，以及舒伯特、肖邦等人如何将私人情感、乡愁、民间元素融入宏大结构。 “音乐的未来”与瓦格纳的综合艺术： 聚焦瓦格纳的“乐剧”理论，解析其对“导机动机”（Leitmotif）的运用，以及“总体艺术作品”（Gesamtkunstwerk）的哲学诉求——旨在超越传统界限，实现艺术的终极统一。 音乐的哲学阐释： 详细研究叔本华的悲观主义形而上学，特别是其将“意志”（Will）视为世界本体、音乐是意志的直接体现的观点，以及尼采早期对酒神精神与日神精神的音乐分野。 标题音乐的兴盛： 探讨李斯特的“交响诗”对音乐叙事边界的拓展与挑战。 第二部分：二十世纪的思潮冲击与音乐的重构 本部分着眼于现代社会结构、科学进步和哲学激进主义对传统音乐观念的颠覆与重塑，探讨音乐本体论的危机与新生。 第七章：印象主义与民族乐派的文化转向 德彪西与声音的“物质化”： 分析德彪西如何从绘画和象征主义文学中汲取灵感，通过音色、和弦色彩本身来传达瞬间的感知，而非结构逻辑。 民族主义的音乐表达： 探讨斯美塔那、德沃夏克、巴托克等音乐家如何通过民歌、民间节奏构建民族音乐身份认同，音乐成为文化主权和历史记忆的载体。 第八章：第二维也纳学派与十二音体系的理性回归 勋伯格的“十二音体系”（Dodecaphony）： 深入解析这一系统的技术原理，更重要的是其背后的哲学动因——对主调功能和声体系崩溃后，寻求新的结构秩序、对抗“无政府状态”的努力。 新古典主义（Neoclassicism）的立场： 剖析斯特拉文斯基在“转向古典”的过程中，对“客观性”和“工艺性”的强调，以及对浪漫主义主观性的疏离。 韦伯恩的序列化思维： 探讨韦伯恩如何将序列原则推广到节奏、力度等所有音乐元素，使音乐成为一个高度抽象、内敛的“思想结晶”。 第九章：战后先锋音乐与观念的激进化 电子音乐与录音技术的介入： 分析电子音乐的兴起如何挑战“演奏性”和“现场性”的传统定义，声音的来源与编辑成为新的创作核心。 对传统“作品”概念的解构： 重点研究布列兹（Pierre Boulez）对“可控性”的追求，以及约翰·凯奇（John Cage）的“机遇音乐”（Chance Operations）对作曲家意图的彻底解放与对“寂静”的重新定义。 极简主义（Minimalism）的回归： 探讨赖利、莱赫等人如何通过重复、渐变等过程美学，回应前卫音乐的复杂性，将听众的注意力引导至时间流逝和细微变化本身。 第三部分：音乐学、美学与社会语境的交互场域 本部分从更广阔的学科交叉角度，审视音乐思想如何嵌入社会结构、意识形态与认识论之中。 第十章：音乐社会学与意识形态批判 阿多诺的“被修正的音乐”： 详尽梳理法兰克福学派对音乐的批判理论，特别是对“文化工业”如何将音乐商品化、扼杀批判性的深刻剖析，以及对勋伯格音乐作为“真正抵抗”的辩护。 音乐与权力结构： 分析特定音乐（如国歌、进行曲、赞美诗）在国家构建、意识形态传播中所扮演的角色。 二十世纪后期的音乐转向： 探讨后现代思潮下，对宏大叙事（如“进步史观”）的祛魅，音乐对身份政治、文化挪用和跨文化交流的介入。 第十一章：符号学、结构主义与后结构主义的视角 音乐符号学的基础： 引入索绪尔的语言学模型，探讨音乐符号（如音高、节奏）如何构成意义系统，以及区分“音”与“音乐意义”的难度。 列维-斯特劳斯的结构分析： 考察人类学方法如何用于音乐分析，寻找隐藏在不同文化音乐结构中的普世性心智模式。 德里达与意义的不确定性： 分析后结构主义如何挑战文本中心主义，揭示音乐结构中内在的延异（Différance）和意义的流动性。 第十二章：听觉经验与主体建构 现象学的倾听： 借鉴梅洛-庞蒂的身体经验理论，探讨声音如何首先作用于具身的主体，而非纯粹的理性认知。 “聆听”作为文化实践： 考察不同的文化和社会阶层如何训练其“有效聆听”的能力，以及技术（如唱片、耳机）如何重塑我们的声音感知环境。 全书不仅是一部音乐理论的梳理，更是一场跨越两千五百年的人类精神史的考察。它鼓励读者以批判性的眼光审视音乐的“必然性”与“可能性”，理解每一次风格的变革背后，都是一次深刻的哲学抉择与时代精神的投射。

评分☆☆☆☆☆

这本书的学术严谨性毋庸置疑，但最让我惊喜的是，它成功地做到了学术深度与可读性之间的完美平衡。很多音乐学专著读起来都像是在啃硬骨头，充满了晦涩的术语和跳跃的逻辑链条，但这本书完全没有这种感觉。作者似乎是一位高明的引导者，他总能在关键时刻插入一些生动的历史轶事或者精准的类比，帮助我们这些非科班出身的读者快速抓住核心概念。我特别欣赏它在处理复杂理论时的那种‘去魅’能力，它把那些看似高高在上的艺术理论，转化成了我们日常生活中可以理解的情感和意图。举个例子，书中对某个特定和声进行处理的分析，如果换作别人写，可能就要陷入冗长的技术细节，但这里却是将其与当时的政治气候联系起来，让你瞬间明白，原来‘不和谐’也可以是一种激进的宣言。这种跨学科的思维方式，使得阅读过程充满了智力上的愉悦。而且，作为一本针对备考的书籍，它对知识点的梳理和归纳做得非常到位，结构清晰，脉络分明，这为我后期的复习节省了大量时间，简直是效率神器。

评分☆☆☆☆☆

天哪，这本书真是让我对音乐的理解提升到了一个新的高度！我原本以为自己对古典音乐已经算是有所涉猎了，但读了这本之后，才发现自己之前了解的只是冰山一角。作者的笔触细腻而深刻，他没有停留在枯燥的乐理分析上，而是将每一首乐曲背后的文化脉络、作曲家的个人心路历程，甚至是那个时代社会思潮的暗流涌动，都娓娓道来。尤其是关于那些不太为人所知的墨西哥作曲家的论述，简直是打开了一扇全新的窗户。我记得有一章专门分析了某位作曲家作品中对本土自然意象的运用，那种将自然景观转化为听觉体验的魔力，被描述得淋漓尽致，让我忍不住想立刻找来那张唱片，戴上耳机，重新沉浸其中，去‘看见’作者笔下的那些山川河流和热烈阳光。这本书的魅力在于它的‘穿透力’，它不仅仅在教你如何‘听’音乐，更在引导你如何‘思考’音乐，如何将其视为一种活生生的历史与思想的载体。这本书的排版和装帧也十分考究，拿在手里就能感受到出版方对内容的尊重，每一个音符仿佛都被赋予了重量和故事。强烈推荐给所有对音乐史和文化研究有兴趣的朋友们，这绝对是案头必备的经典之作。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我拿到这本书的时候，有些担心它会不会过于偏重某个特定的流派或地域，毕竟音乐的世界浩瀚无边。但这本书的广度令人叹服，它以一种非常宏大的视野，勾勒出了一条清晰的主线，却又巧妙地在分支上进行了细致的打磨。它没有固步自封于欧洲中心论，而是真正将目光投向了更广阔的声场，那些带有强烈地域色彩和文化基因的音乐表达，在这里得到了应有的尊重和深入的发掘。我印象最深的是，它将音乐的演变过程描绘成了一幅不断与‘外部世界’进行对话的画卷，无论是技术革新、社会动荡，还是宗教信仰的变迁，都成为了塑造旋律与节奏的无形之手。这种将音乐置于宏大历史背景下的叙事方式，极大地拓宽了我的历史观和审美观。读完之后，再听任何一场音乐会，都会不自觉地带着一种‘追溯源头’的眼光，去探寻每一个音符背后深藏的文化密码。这本书的价值，绝不仅仅是考试工具书可以概括的，它是一部浓缩的音乐文化史。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格，有一种奇特的‘冷静的激情’。它在陈述事实和分析理论时，措辞极其审慎和精确，用词考究，绝无半点浮夸之词，但当你跟随作者的思绪深入下去时，那种对音乐纯粹热爱的火焰，却能透过字里行间喷薄而出。我尤其喜欢作者在总结某个阶段性成就时的那种克制而有力的赞美，它不是那种空泛的“太棒了”，而是通过对复杂问题的清晰梳理和对局限性的坦诚分析后，自然而然产生的对伟大创造力的致敬。这种阅读体验非常高级，它让你在被知识充盈的同时，精神上也受到了极大的鼓舞。很多时候，我读完一个章节，会合上书本，静坐良久，脑海中回荡的不是书里的文字，而是作者引导我‘构建’出来的那种清晰的音乐画面。对于即将踏入专业研究领域的学生来说，这本书无疑提供了一种极佳的范本——如何既保持学者的客观性，又能保有艺术家的灵敏度。它的存在，本身就是对高质量学术出版的最好诠释。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计非常巧妙，简直是为深度学习者量身定制的。它不是简单地按照时间顺序罗列作品，而是采用了主题式、问题驱动式的章节划分。每一部分都围绕着一个核心的哲学或美学问题展开，比如“论旋律的形而上学意义”或者“节奏的社会建构性探讨”，这种提问式的切入点，立刻就抓住了读者的好奇心，让人忍不住想知道作者将如何解构这个宏大的议题。更值得称赞的是，书中大量的引用和注释体系做得非常完善和规范，每一次涉及到他人的观点或理论时，都能清晰地标注出处，这对于我们后续进行更深入的文献追踪和拓展阅读，提供了极大的便利。我甚至发现了一些因为这本书而新接触到的、非常冷门的学术文献，这对我个人的研究方向产生了关键性的启发。总而言之，这本书不仅仅是一本教材，它更像是一张结构清晰的知识地图，为学习者指明了通往更深层学术殿堂的路径，堪称是学术训练的典范之作。