合唱编配陈国权正版新款教材重庆西南师范大学出版社考研大书指定教材?9787562141877 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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陈国权 著

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• 合唱
• 编配
• 音乐教材
• 陈国权
• 西南师范大学出版社
• 考研
• 音乐理论
• 高等教育
• 教材
• 9787562141877

店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 重庆西南师范大学出版社

ISBN：9787562141877

商品编码：29684834968

页数：262

书名：	合唱编配
作者/主编：	陈国权 著
出版社：	西南师范大学出版社
ISBN号：	9787562141877
出版年份：	2008年11月

版次：	第1版
总页数：	262页
开本：	8
图书定价：	38元
实际重量：	721g
新旧程度：	正版全新

《合唱编配》由西南师范大学出版社出版。

 前言

章 曲目选择
第二章 人声音域及记谱
第三章 二声部合唱编配
第四章 三声部及同声四声部合唱编配
第五章 混声四部合唱编配
第六章 合唱体裁选择与主旋律声部选择
第七章 合唱方式，织体的增长、减薄和对比
第八章 原歌曲结构的扩展
第九章 原歌曲旋律的派生和延展
第十章 调性及节拍转换、对比
第十三章 合唱声部的简化
第十四章 将器乐曲改编为合唱
第十五章 “组合”作品浏览
后记

摘引了大量谱例供读者揣摩之用。合唱是人类生活的共通音乐语言与艺术形式，它是人们容易接受，易交流的方式之一。合唱是人类古老的音乐形式之一，也是人类声乐艺术中富有难度的形式之一。

合唱艺术包括：合唱音乐创作和合唱的实践，这是合唱艺术的两个基本方面。合唱实践是指演唱与指挥。合唱要求充分地发挥个人声音的魅力，并把这魅力融化在群体的整齐划一的和谐之中。因此，合唱既可以培养个人敏锐的审美感受力，又可以树立人们关于局部与整体、个人与群体合而为一的正确观念。

以下是一份关于其他音乐理论与实践类图书的详细介绍，这些书籍涵盖了音乐教育、作曲、和声、配器、音乐史等多个方面，与您提到的教材并非同一本： --- 音乐理论与实践的广阔天地：精选参考书目导览 在音乐学习与研究的旅程中，掌握坚实的理论基础和丰富的实践技能是至关重要的。本书系旨在为音乐学、作曲与音乐技术、音乐教育等领域的学习者和实践者提供一系列经典、前沿且实用的参考资料。我们精选的这些著作，力求覆盖从基础乐理到高级和声、从传统对位到现代配器技巧，以及不同历史时期的音乐风格分析等多个维度，帮助读者构建一个全面而深入的音乐知识体系。 第一部分：基础与和声的殿堂 任何高阶的音乐学习都必须建立在扎实的基础之上。这一部分的书籍专注于音乐的“语法”——旋律、节奏、和声的构成与运作规律。 1. 深入浅出的基础乐理：构建音乐思维的基石 对于初学者而言，一套清晰、逻辑严密的乐理教材是不可或缺的。我们推荐的教材，往往不拘泥于枯燥的规则罗列，而是结合大量的实例分析，讲解音程、音阶、调式、节奏的组合，以及曲式结构的基本单元。这些书籍通常会配有大量的练习题和听力训练模块，确保读者不仅“知道”规则，更能“运用”规则。例如，它们会详细阐述大小调体系的构建逻辑，探讨调性关系之间的色彩变化，并引入更复杂的变音和转调技巧，为后续的和声学习铺平道路。它们强调理论与实践的结合，力求让读者在阅读的同时，就能在键盘上或脑海中“听见”所学的概念。 2. 经典与现代和声学：色彩的调配大师 和声学是音乐的灵魂之一，决定了音乐的情感走向和织体厚度。这一领域的经典著作往往追溯至巴赫时代的“功能和声”，系统地梳理了和弦的构成、连接、解决，以及清晰的终止式。它们不仅教授如何写出规范的和声进行，更深入探讨和声在不同音乐时期（如古典主义、浪漫主义）中的风格体现和情感功能。 更进一步，现代和声学的研究则将视野拓展到了二十世纪及当代音乐。这些教材会系统地介绍非功能性和声（如印象主义的和声色彩、印象主义的平行和弦）、十二音体系（如勋伯格的系统介绍）、集合理论（Set Theory）在无调性音乐中的应用，以及各种音高类（Pitch Class Set）的分析方法。通过对这些前沿理论的学习，读者能够更好地理解和驾驭现代作曲家们所使用的丰富和声语言，为自己的创作提供更广阔的调色盘。 第二部分：织体与技法的精进 音乐的呈现需要精湛的“手艺”，这包括对位法（Contrapuntal Writing）和配器法（Orchestration）。 3. 对位法的艺术：线条的交织与对话 对位法是音乐写作的“内功”。经典的对位法教材（如基于帕莱斯特里那风格的严格对位）着重训练作者对独立声部线条的控制能力——如何保持各声部旋律的独立性、流畅性，同时确保它们在垂直组合时达到完美的和谐。学习者将系统掌握一、二、三、四、五种对位（Species Counterpoint）的技巧，理解严格对位中声部间的张力与平衡。 进入到巴赫的赋格曲分析范畴，对位法将与曲式紧密结合。教材会剖析赋格的呈示部、呈展部、中段的写作策略，以及主题的变形（如倒影、逆行、增值、减值）在复调织体中的应用。通过这些训练，作者能够构建复杂而清晰的音乐结构，使多条旋律线索并行不悖，如同精密的钟表结构般运作。 4. 配器法的科学与艺术：赋予音响以生命 配器法是将和声与旋律转化为实际听觉体验的关键。优秀的配器教材通常以管弦乐队为核心，细致入微地分析每一种乐器的音域、音色特性、演奏技巧的难点与优势。 这些书籍会从声部布局（Voicing）、音响平衡（Balance）、音色混合（Timbre Blending）等方面提供实用的指导。例如，它们会讲解如何使用木管组的柔和音色来衬托弦乐的主题，如何有效地利用铜管组的冲击力来营造高潮，以及打击乐在增加节奏动感和色彩效果方面的策略。更高级的配器教材还会涉及电子音乐、合成器音色设计与传统乐器的融合，探讨“音响景观”（Soundscape）的构建，指导创作者如何根据音乐的情感需求，精准地选择和调配“乐器的色彩”。 第三部分：音乐史与风格的纵览 理论和技巧的运用，离不开对音乐发展历程的理解。 5. 音乐史的脉络：从中世纪到二十一世纪 系统性的音乐史著作是连接过去与现在的桥梁。这些教材并非仅仅是作曲家和作品的罗列，而是深入探讨了音乐艺术在特定社会、文化、技术背景下的演变。它们会清晰地梳理从古希腊音乐的残存影响，到中世纪的圣咏与早期复调，再到文艺复兴时期的人文主义精神对音乐的渗透。 重点章节会详述巴洛克音乐（如歌剧的诞生、巴赫与亨德尔的贡献）、古典主义音乐（奏鸣曲式与交响曲的成熟）、浪漫主义音乐（主观情感的喷发与民族乐派的兴起）。进入近现代，这些书籍会着重分析瓦格纳的音乐戏剧、德彪西的印象主义、斯特拉文斯基的新古典主义，直至二战后序列音乐、随机音乐及电子音乐的先锋探索。通过对风格演变的宏观把握，学习者能够将理论知识放置于历史的坐标系中进行理解和创新。 6. 音乐分析与曲式结构：作品的深度解码 理解音乐，必须学会“解剖”作品。曲式分析教材提供了系统的方法论，帮助读者识别音乐的骨架——如二部曲式、三部曲式、回旋曲式、奏鸣曲式等。它们会详细拆解奏鸣曲式中呈示部、展开部、再现部的结构特征、调性逻辑和主题发展的手法。 此外，高级分析还涉及对位结构的分析（如赋格的结构）、动机的发展（Motivic Development）以及小型音乐片段（如乐句、乐段）的内部组织。通过对这些经典作品（如海顿、莫扎特、贝多芬的交响曲和奏鸣曲）的精细分析，读者不仅能掌握作曲家的“套路”，更能体会其在既有框架内实现个人表达的巧妙之处。 --- 这些精选的参考书目，共同构成了一个完整的音乐知识体系，从最基础的音符认知，到复杂的织体构建，再到深层的历史与风格理解，为所有致力于音乐学术研究与艺术实践的人士，提供了坚实的理论支撑和无限的启发。它们强调系统性、实践性和批判性思维的培养，旨在让学习者真正掌握音乐的规律，并在此基础上，发展出属于自己的独特声音。

评分☆☆☆☆☆

我购买这本书的主要目的是为了考研复习，冲着它是指定教材的名头来的，原本做好了啃硬骨头的准备。但意外的是，这本书的阅读体验远超预期。它的结构布局非常合理，每一章的开头都会有一个简短的“学习目标”概述，结尾则有“关键概念回顾”和小型的“自我检测题”，这种设置对于需要进行高强度、短时间记忆的考研党来说简直是福音。特别是针对一些概念性的区分，比如“模仿”与“卡农”的区别，或者“复调”与“主调”在合唱中的具体体现，作者都用非常精准且对比鲜明的文字进行了界定，避免了太多模糊地带。我注意到，书中的插图和乐谱示例都清晰无比，即便是复杂的四声部或五声部处理，也能通过精细的字体和排版清晰地分辨出每个声部的走向，这在对照教材或自己做习题时，极大地减少了因视觉疲劳而产生的错误。这套书的出版质量也令人满意，装帧结实，纸张适中，长时间翻阅也不会有破损的担忧。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值远远超出了一个普通教材的范畴，它更像是一份详尽的合唱编配“方法论”手册。我特别喜欢其中关于“音域适应性”的探讨。很多初学者会陷入一个误区，认为高音就是越往上越好，低音就是越低越好，以炫技为目的。但作者非常现实地指出了不同声部在实际演唱中，其音区压力和听觉感受的差异，并提供了大量的“安全音域”和“高光音域”的参考标准。这些标准并非僵硬的规定，而是基于大量的实际演出经验总结出来的“潜规则”。对于想要将自己原创歌曲改编成合唱作品的创作者而言，这本书提供的工具箱是极其实用的。它不仅限于西方古典合唱的技巧，还涉及对民族和声的转写原则，这让我能够更自信地处理那些具有浓郁地方色彩的旋律，确保在转为多声部时，既保留了原有的风味，又符合合唱织体的逻辑。总而言之，这是一本需要反复研读、常读常新的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本关于合唱编配的教材，简直是为我这种对声部设计有着强烈好奇心却又苦于缺乏系统指导的音乐学习者量身定做的。我一直觉得，合唱的魅力就在于那些声部之间微妙的交织与碰撞，但真正动手编配时，才发现里面的学问深似海。这本书的编排非常注重理论与实践的结合，它没有停留在枯燥的记谱法讲解上，而是大量引入了经典的合唱作品作为案例进行剖析。比如，它对不同时期、不同风格的作曲家如何处理女高音与男高音的对位关系，分析得极为透彻。我记得有一次尝试为一个很熟悉的民歌进行改编，一开始总觉得声音堆叠起来很“满”，缺乏呼吸感，翻阅此书后，才明白是自己在控制声部厚度时过于保守或过于激进。书中关于“织体变化”那一章，简直醍醐灌顶，它用清晰的图示说明了如何通过声部增减、音域调整来瞬间改变作品的情绪张力，这比我之前在网上零散学习的技巧要体系得多，真正体会到了“编配”二字背后的艺术和技术含量。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期在基层合唱团担任指挥的老师，我深知舞台效果与教材编写之间的那道鸿沟。很多学术性的教材，理论扎实，但一到实际应用就显得水土不服，面对的都是非科班出身的合唱团员，复杂的高深理论只会让他们望而却步。然而，这本书的作者显然深谙此道。它在讲解复杂的和声进行和转调技巧时，总是能迅速地引申到“如何让你的团员更容易唱准”这个实际问题上。例如，在讨论如何处理不协和音程时，它不仅给出了数学上的解决公式，更提出了“以弱声部引导强声部”的实用建议，这在实际排练中极大地提高了效率。更让我欣赏的是，它没有把所有东西都塑造成“标准答案”，而是鼓励读者根据自己团体的音色特点、成员的优势劣势来灵活运用编配手法。这种既有学院派的严谨，又不失一线工作者智慧的平衡感，是市面上很多教材所不具备的，让我感觉手中捧着的不仅仅是一本书，更像是一位经验丰富的资深编配导师的贴身指导。

评分☆☆☆☆☆

从一个纯粹的音乐爱好者角度来说，这本书为我打开了一扇了解“幕后工程”的大门。以前听音乐会，我只沉醉于宏大、和谐的最终效果，很少去思考，那几十个独立的声音是如何被精确计算和安排的。这本书让我开始关注“空白”的力量。它详细阐述了何时“不写”比“乱写”更有效，如何利用休止符和声部的暂时退场来制造情绪的起伏和空间的层次感。举例来说，它分析了某一首近现代合唱作品中，如何通过反复让女高音组在极高音区进行短暂的“闪现”，来营造一种空灵而又略带不安的氛围，这种处理手法在传统的合唱教学中是很少被提及的。阅读这些内容时，我甚至会产生一种“偷窥”作曲家私密思考过程的兴奋感。这本书不只是教你“怎么做”，更重要的是教你“为什么要这么做”，这种思维层面的引导，才是真正有价值的学术传承。