网红小贝疯狂键盘 文武贝钢琴演奏技巧25课 儿童音乐艺术专业伴奏书籍成人钢琴技法自学教程 零基础钢琴 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 墨马图书旗舰店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787115471536

商品编码：29806579382

 

基本信息

图书名称：	小贝疯狂键盘 文武贝钢琴演奏技巧25课
作 者：	文武贝
定价：	39.80
ISBN号：	9787115471536
出版社：	人民邮电出版社
开本：	16
装帧：	平装
出版日期：	2018-1-1
印刷日期：	2018-1-1

编辑推荐

适读人群 ：音乐爱好者 培训学校 乐队 成人钢琴自学者 本书是一本不同于学习古典钢琴的钢琴演奏自学书。书面上的钢琴入门教程往往用古典练习曲或者钢琴曲作为练习，这对于没有任何音乐功底的自学者来说，对于弹奏的兴趣度和熟悉度都大打折扣。本书区别于这些书籍，特别选取现在流行的古装剧主题曲或者流行歌曲作为练习乐曲，更加接地气，旋律也更加容易接受。

内容介绍

本书是针对零基础音乐爱好者量身定制的钢琴演奏教程。在本书中，你将学会钢琴的各种弹奏技巧，快速地提高你的演奏水平。  本书分为25个针对性的练习，包括全音阶练习、半音阶练习、琶音练习、切分音练习、跳音练习、复调练习等。本书内容包括了学习钢琴必须要掌握的弹奏技巧。作者用详细的文字讲解，配以图解展示，同时配有伴奏音频和作者的示范演奏，大家可以跟着伴奏去练习，又不懂的还可以听示范音频。这种方式让你在枯燥的练习过程中，找到快乐并能轻松地坚持下去，而不会因为一些繁琐的文字性的钢琴弹奏技巧放弃对钢琴的热爱。  本书适合音乐爱好者阅读，也适合音乐培训学校作为教程使用。

作者介绍

文武贝，原名梁淇赟，音乐人、键盘手。自幼开始自学音乐，于2010开始进行音乐创作及钢琴曲改编，已经出版乐谱书籍数十本。2014年开始在网络上发布演奏视频，其作品深受音乐爱好者喜爱。视频浏览量突破1500万。2016年开始编写并出版钢琴家教程，在网络上发布教学视频，其独特的教学方法广受钢琴爱好者们的好评。

目录

N O．1 全音阶练习  NO．2 半音阶练习  NO．3 琶音练习  NO．4 4、5 指练习  NO．5 三度音练习  NO．6 六度音练习  NO．7 八度音练习  NO．8 和弦音练习  NO．9 跳音练习  N O．10 音的颗粒感  N O．11 切分音练习  N O．12 三连音练习  N O．13 Swing 练习  N O．14 力度变换练习  N O．15 柔音练习  N O．16 延音踏板练习  N O．17 保持音练习  N O．18 复调练习  N O．19 左右手配合练习  NO．20 大跳练习  NO．21 轮指练习  NO．22 震音练习  NO．23 颤音练习  NO．24 刮奏练习  NO．25 黑键练习

在线试读部分章节

好的，这是一本不包含您提供书名的图书简介： --- 《和声的魔力：巴赫之后西方音乐的演变与风格解析》 作者：[此处留空，或填写虚构的音乐史学家名字] 出版社：[此处留空，或填写虚构的学术出版社名称] 定价：[此处留空，或填写虚构的定价] --- 前言：穿越时代的音响迷宫 音乐，是时间的雕塑，是情感的无声语言。然而，当我们沉浸于一首悦耳的乐曲时，我们是否曾驻足思考，那些看似自然流淌的音符背后，究竟蕴含着怎样的结构、怎样的历史脉络与怎样的思维逻辑？本书并非一本枯燥的乐理教科书，亦非针对特定乐器演奏技巧的指南，而是对西方音乐体系，特别是18世纪中叶以来，和声语言如何成为驱动音乐叙事和风格变迁核心力量的深度剖析。 我们试图揭示的，是旋律与节奏的“骨架”——和声。通过对巴赫晚期作品中对位法的集大成，到古典主义的清晰与平衡，再到浪漫主义的色彩斑斓与情感张力，直至现代主义的和声瓦解与重构，本书构建了一条清晰且富有洞察力的音乐演进路线图。我们相信，理解和声的“语法”，是真正进入音乐深层意义的钥匙。 第一部分：古典语法的基石——从对位到功能和声的確立 本部分着重梳理了西方音乐从巴洛克晚期向古典主义过渡时期的关键变革。巴赫和亨德尔构建的复调世界，以其严谨的对位结构和严密的声部进行，奠定了功能和声体系的基础。 第一章：巴赫的遗产与奏鸣曲式的萌芽 深入分析巴赫晚期对位作品（如《赋格的艺术》）中蕴含的丰富和声语言，探讨其如何通过垂直与水平音响的交织，实现结构上的完美统一。随后，我们将转向C.P.E.巴赫等早期前古典主义作曲家，观察他们如何开始简化和声织体，为清晰的旋律线条和清晰的和声功能让路。 第二章：维也纳古典乐派的和声逻辑 海顿、莫扎特和贝多芬——这三位巨匠不仅是旋律的大师，更是功能和声的完美实践者。本章将详细剖析奏鸣曲式（Sonata Form）中，呈示部、发展部和再现部之间的和声冲突、解决与再确认过程。重点分析了如何通过调性关系（如主调与属调、关系小调之间的转调）来构建戏剧张力。我们探究了如何利用“陈述与回答”的和声动机，支撑起宏大而平衡的结构。 第二章节选——调性色彩的细微差别： 莫扎特在C大调作品中对属七和弦的运用，往往比海顿更具抒情性；而贝多芬则擅长通过不协和音的突然引入（如减七和弦的密集使用），在既定框架内制造出前所未有的情感冲击。 第二部分：浪漫主义的解放与和声色彩的拓展 19世纪，音乐不再仅仅是形式的完美展示，它成为了心灵最私密的表达场所。和声不再仅仅是驱动结构的工具，而成为了渲染氛围、表达极端情感的“颜料”。 第三章：舒缓的界限——从韦伯到舒伯特 浪漫主义的序幕，并非一蹴而就。本章考察了早期浪漫主义作曲家如何开始“拉伸”传统功能和声的边界。舒伯特对远关系转调的偏爱，以及他如何使用看似简单的和弦（如那不勒斯六和弦或增六和弦）来投射出深沉的忧郁感，成为本章的核心议题。 第四章：李斯特与瓦格纳的和声革命 这一章是本书最具争议性与分析深度的部分。李斯特对和声色彩的探索，特别是他对“非功能性”和弦的尝试，为后来的音乐语言开辟了道路。而理查德·瓦格纳的《特里斯坦与伊索尔德》中的“特里斯坦和弦”，被视为功能和声体系走向终结的标志性事件。我们将使用现代分析工具，细致解构该和弦的构成与它所制造的“永恒悬而未决”的听觉体验。 第五章：民族乐派与和声的本土化 在德奥主导的和声发展之外，俄罗斯的“五人强力集团”、捷克的德沃夏克和斯美塔那，以及北欧的西贝柳斯，如何将本民族的民间音调、五声音阶或教会调式融入到既有的欧洲和声框架中，形成具有独特地域风貌的音乐语言，是本章的探讨重点。 第三部分：现代的破碎与重构——调性边缘的探索 20世纪的音乐经历了两次重大的“爆炸”：一次是调性的瓦解，另一次是节奏的激进化。和声不再是统一的法则，而是碎片化的风格工具箱。 第六章：德彪西与印象主义的“泛调性” 德彪西的作品标志着对“解决”的厌倦。他引入了全音阶、五声音阶以及各种色彩和弦（如九和弦、十一和弦）的目的，是为了捕捉瞬间的光影变化，而非推动线性发展。本章分析了这种“静止的”和声如何服务于印象主义的审美目标。 第七章：勋伯格与调性的终结 无调性（Atonality）的出现，是西方音乐史上最激进的转向之一。从自由无调性到十二音体系的系统化构建，本章详细梳理了阿诺德·勋伯格的思维过程。我们不仅描述了十二音矩阵的操作规则，更着重于分析，在失去了传统调性导向后，音乐如何依靠音高组合的内在逻辑与节奏的组织来重建结构。 第八章：巴甫洛夫的“不协和的和谐” 斯特拉文斯基在不同创作阶段，对和声的运用体现了极大的灵活性。从《春之祭》中“异位和弦”所带来的巨大冲击力，到新古典主义时期对古典和声的讽刺性引用，再到晚期对序列主义的吸收，斯特拉文斯基展示了如何“借鉴”历史，并将其改造为一种全新的、充满机械美感的和声语言。 结语：后调性时代的展望 本书最终将落脚于我们所处的时代——一个“后调性”时代。在既有的所有可能性都被探索过后，当代作曲家如何看待和声？他们是回归（如新浪漫主义），还是继续探索（如极简主义的重复与泛音利用）？和声的未来，或许在于它能再次成为一种媒介，而非目的本身。 --- 本书特色： 1. 深度分析，而非简单介绍： 本书摒弃了对作曲家生平的冗长描述，专注于对音乐作品核心——和声语言的剖析。 2. 图表清晰化： 穿插大量乐谱实例的横向与纵向和声分析图表，帮助读者直观理解复杂的和声进行。 3. 跨学科视角： 适度引入哲学、文学思潮对和声变化的影响，使读者能从更广阔的文化背景中理解音乐的演进。 适合读者： 音乐学院学生、专业的音乐教师、对音乐理论有深入兴趣的业余爱好者，以及希望超越基础演奏技巧，理解音乐“为什么如此”的高阶学习者。 ---

评分☆☆☆☆☆

作为一名想在短时间内提升演奏表现力的业余爱好者，我最看重的是书中能否提供一些“立竿见影”的练习方法。这本书的“文武贝钢琴演奏技巧”部分，名气听起来很大，但实际内容中，很多技巧的分解讲解略显生硬，缺乏那种循序渐进的“坡度”。比如，它在提到“手指触键的力度控制”时，直接给出了一个复杂的练习曲片段，但没有拆解这个片段中不同指型分别应该如何调整力度，导致我练习起来感觉像是在盲目模仿，效果并不理想。我期待的是，它能像一位耐心的私教那样，告诉我“A指要像用钉子敲击，B指要像羽毛拂过”，而不是仅仅用“平均用力”来概括。对于想快速突破瓶颈的人来说，这本书的技巧深度可能需要读者自行再找其他资料来补充验证。

评分☆☆☆☆☆

这本钢琴教材拿到手，我真是又爱又恨。首先，从装帧设计上来说，它完全走的是“可爱风”，封面那张咧着嘴笑的小贝形象，确实很吸引眼球，尤其是对于那些想让自家孩子学琴的家长们。不过，内容上嘛，感觉它更像是一本“入门导览图”，而不是那种能让你立马坐下来就能上手弹奏出惊艳曲目的秘籍。它花了大量篇幅去讲解如何正确坐姿、如何找到中央C这些基础到不能再基础的内容，对于已经摸过琴一段时间的人来说，会觉得有点拖沓。我特别想看到的是那些针对不同手指独立性和手腕放松的独家练习，但这本书里这些内容点到为止，像是浅尝辄止，没有深入挖掘。也许它更适合完全零基础，连键盘都没碰过的“小白”，但如果你已经能弹奏一些简单的音阶，可能会觉得前几章有些浪费时间，希望它能在技巧解析上再给力一点，比如加入更多关于和弦连接和琶音跑动的细节指导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的儿童音乐艺术专业伴奏这一块的定位，我个人觉得有些混淆视听。如果说是给专业儿童音乐教学用的，那么它对于和声进行和曲式结构的分析应该更深入一些，能帮助教师更好地引导学生理解音乐的内涵。但它提供的伴奏范例，大多是比较简单、重复性高的旋律基础，更像是给学前班小朋友设计的，而不是针对“专业”级别的需求。我试着用书里的伴奏和声走向去为一首稍微复杂一点的儿歌做配乐，发现书中给出的和弦走向太过于“直白”，缺乏变化和色彩感，完全不能满足我希望营造的艺术氛围。如果定位是成人自学入门，它又显得太侧重于“儿童化”的教学方式，让成年人读起来总觉得少了点份量和学术性。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这本书的“零基础”承诺确实吸引了我，但阅读体验上，它更像是“半吊子”教学法的大杂烩。它把儿童启蒙、成人自学、甚至隐约提到了专业陪练的元素塞进了一本薄薄的册子里，导致每个主题都没有得到充分的发挥。比如，关于视奏训练的部分，它提供的练习曲选材过于单一，几乎都是C大调或G大调的简单旋律，一旦遇到升降号或者复杂节奏的组合，读者就会立刻卡壳，因为书中没有提供应对这些难点的过渡性练习。真正优秀的自学教程，应该能预见到学习者在哪个节点会遇到阻碍，并提前设置“路障清除卡”。这本书给出的练习，更多的是在确认你已经学会了基础知识，而不是帮你克服学习过程中的真正难关。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这本教材的期望值是能涵盖从“完全不懂乐理”到“能像网红小贝那样流畅弹奏”的完整路径，但实际体验下来，它更像是一个“基础概念梳理册”。比如，在讲解节奏型时，它使用了大量的图示和口诀，这对视觉学习者来说很友好，但对于习惯于抽象符号理解的成人自学者，那些过于口语化的描述反而有点让人摸不着头脑。我花了很大力气去尝试理解书中关于“踏板的运用时机”那几页，感觉讲解得过于笼统，像是写给一个已经有老师指导的学生看的，而不是给“自学教程”的承诺那样，提供清晰、可操作的步骤。我更希望看到的是，对于同一个和弦进行，它能提供至少两种不同的踏板处理方式，并分析其听感差异，这样才能真正体现出“技法自学教程”的价值。这本书的优点在于建立了一个不错的学习框架，但框架内的“肉”还不够丰满。