吉他六线谱·米奇迪士尼音乐世界丛书系列上海音乐出版社9787552311754 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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上海音乐出版社 著

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店铺： 佳期如梦图书专营店

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552311754

商品编码：29859844399

页数：32

图书基本信息
书名：	吉他六线谱·米奇
丛书名：	迪士尼音乐世界丛书系列
作者/主编：	上海音乐出版社
出版社：	上海音乐出版社
ISBN号：	9787552311754
出版年份：	2016年

版次：	第版
总页数：	32页
开本：	1/16
图书定价：	10.00元
实际重量：	109g
新旧程度：	正版全新

《迪士尼音乐世界丛书系列:吉他六线谱·米奇》由上海音乐出版社出版。

Disney授权正版吉他六线谱

《迪士尼音乐世界丛书系列:吉他六线谱·米奇》专为吉他爱好者设计的六线谱，封二写有吉他六线谱知识，内文设计为7行谱表。封面为迪斯尼经典形象米奇，专为喜爱迪士尼动漫形象的小朋友们设计。上海音乐出版社与美国迪士尼公司合作的图书产品，名为“迪士尼音乐世界系列丛书”。

弦动世界：当代吉他演奏的无限可能 一部聚焦于现代吉他音乐创作、演奏技巧革新与跨界融合的深度探索之作 本书并非聚焦于任何特定的音乐作品集或教材，而是深入剖析了当代吉他艺术在各个流派中涌现出的新趋势、新技术以及艺术家们的创作哲学。我们旨在为严肃的吉他学习者、专业音乐人以及对现代器乐发展抱有浓厚兴趣的读者，提供一个观察吉他如何突破传统界限，融入全球音乐脉络的广阔视角。 --- 第一章：后古典时代的吉他语汇重塑 本章探讨了二十世纪后期至今，古典吉他领域内部发生的深刻变革。传统学院派训练模式在面对电子技术和非西方音乐影响时，如何自我调适并拓展其表达的广度。 1.1 拓展的演奏技法与音色实验： 我们详细分析了“触弦”（Tirando）与“靠弦”（Apoyando）技法在现代作曲家笔下被如何解构与重组。重点介绍了超指法（Extended Fingering Techniques），包括使用指甲的非传统部位、运用弓弦（Bowing techniques on fretted instruments）、以及对琴身的物理敲击（Percussive body tapping）。这些技术不再仅仅是炫技的手段，而是成为表达特定情绪或模仿电子音效的关键工具。例如，分析了二十世纪末几位先锋作曲家如何要求吉他演奏者模仿颗粒合成器（Granular Synthesis）的音色，从而模糊了原声乐器与电子音乐的界限。 1.2 现代作品中的结构主义与碎片化叙事： 本节着重考察了当代吉他独奏曲中，结构美学从传统的奏鸣曲式或回旋曲式向序列主义、微观元素（Minimalism）和即兴片段化的过渡。探讨了如何通过节奏的复杂交织（如多重节拍的叠加）和无调性材料的应用，来构建一种挑战听觉习惯的音乐体验。特别是对“非传统记谱法”（如图形记谱或指令性记谱）在吉他作品中的应用进行了细致的解读，以及演奏者如何在这种开放性的框架下重建音乐的连贯性。 1.3 跨文化对话：巴赫与异域和声的交汇： 古典吉他界对世界音乐元素的吸收从未停止，但本章关注的重点是更深层次的“对话”，而非简单的模仿。我们比较了对巴赫对位法理解与印度拉格（Raga）体系中旋律发展逻辑的异同，探讨了如何将复杂的塔布拉（Tabla）节奏模式转化为适合六根琴弦的指法逻辑。这不仅是技巧的融合，更是对音乐时间观的重新认识。 --- 第二章：电声革命与音景构建 本章将焦点转向电吉他——这种在流行音乐中占据核心地位的乐器，如何在技术飞速发展的今天，超越其原有的角色定位，成为前卫音乐和实验艺术中的重要载体。 2.1 效果器链条的“合成器化”： 过去，效果器（Pedals）主要用于增强或修饰音色（如失真、延迟）。如今，本章探讨了效果器如何被视为独立的音源合成模块。深度解析了模块化合成器（Modular Synthesis）理念如何影响吉他效果器的设计，特别是数字建模技术（Digital Modeling）的演进，使得单把吉他能够模拟出完整的管弦乐队或复杂的电子音景。分析了艺术家如何构建复杂的“效果器矩阵”来进行实时声音塑形，将演奏过程转化为一种动态的音频编程。 2.2 噪音美学与声场雕塑： 电吉他的潜力远超传统旋律与和声。本节研究了噪音（Noise）作为核心音乐材料的运用。考察了如何通过反馈（Feedback）、琴弦共振（Sympathetic Resonance）的极端控制，以及使用非标准拾音器（如接触麦克风）来捕捉乐器与周围环境互动产生的“环境声音”。这部分内容着重于声场（Soundfield）的构建，即不仅仅是声音的大小，而是声音在空间中的移动和分布，如何成为作品结构的重要组成部分。 2.3 即兴的结构化：从爵士到算法： 现代电吉他即兴演奏的自由度空前提高。我们分析了两位不同风格的吉他大师，如何将自由即兴建立在坚实的理论基础上——一位是通过对“集合理论”（Set Theory）的快速应用来构建临时的和声框架；另一位则是在受“算法生成”（Algorithmic Generation）启发的限制下进行演奏，即预设的参数在演奏过程中自动生成新的限制条件，迫使演奏者做出即时的、非预期的音乐决策。 --- 第三章：指板之外：吉他作为多媒体媒介 本章探讨吉他如何与其他艺术形式，特别是视觉艺术、舞蹈和数字媒体相结合，展现其作为一种跨学科艺术媒介的潜力。 3.1 运动捕捉与指法可视化： 随着动作捕捉技术（Motion Capture）的普及，吉他演奏的物理动作本身开始被纳入艺术表达的范畴。本章介绍了一些先锋项目，它们利用高精度传感器记录演奏者指尖的细微移动、拨片的角度变化，并将这些数据实时映射到三维模型或抽象的视觉效果上。这种“动作即乐谱”的理念，挑战了传统上将乐谱视为最终成品的方式。 3.2 互动性与观众的参与： 探讨了吉他演奏如何在数字舞台上变得更具互动性。分析了传感器集成（Sensor Integration）技术，例如在指板上嵌入压力敏感器，使得观众的动作、光线的变化甚至环境的温度都能反过来影响吉他发出的声音。这种双向反馈机制，使得音乐会从单向的表演转化为一种共同创造的体验。 3.3 录音室作为最终的演奏场地： 在当代音乐制作中，最终的“演奏”往往发生在录音室中。本章着重分析了后期制作工程师如何利用编辑、混音和效果处理，将一次简单的吉他演奏转化为一个复杂的声音景观。这要求演奏者不仅要精通乐器，更要对声音工程的原理有深刻理解，将“录音的瞬间”视为与现场演奏同等重要的创作阶段。 --- 结语：超越木材与琴弦的未来共鸣 本书旨在揭示，吉他艺术的生命力正来源于它对自身边界的不断质疑与超越。从精密的古典技艺到广阔的电子音景，从严肃的学术探讨到前卫的跨界实验，吉他正在以一种前所未有的多样性，持续为全球的音乐对话贡献其独特的“弦动世界”。

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最近沉迷于一套关于世界打击乐器的考察报告集，其中《非洲西海岸：鼓语与社会记忆》这本尤其让我震撼。这本书完全不是那种旅游随笔式的蜻蜓点水，而是真正深入到了加纳和塞内加尔腹地的村落，用人类学家的严谨态度去记录和分析了当地的鼓乐传统。它探讨的重点不仅仅是“如何敲击”，而是“敲击的意义”。比如，它详尽记录了一种被称为“Talking Drum”的乐器，如何通过模仿特定方言的音高和节奏变化，在没有现代通讯工具的时代，承担了信息传递、历史叙事甚至法律裁决的功能。我读到其中关于“迎宾鼓语”的部分时，简直惊呆了——当地人仅仅通过鼓声的细微变化，就能判断来访者的社会地位、意图甚至情绪波动。作者还附带了大量原始的录音转录和详尽的指法图解，虽然我没法亲身学习，但光是看着那些复杂的节奏型标记，就能感受到那种跨越千年的文化厚重感。这本书让我对“音乐”的定义彻底改观，它不再是娱乐，而是活生生的语言、是不可磨灭的文明载体。读完它，我看向家里的任何一个会发声的物体，都多了一层敬畏之心。

评分☆☆☆☆☆

我找了很久，终于在二手书店角落里发现了这本保存得还算不错的《巴洛克键盘的秘密：羽管键琴与古钢琴的音色探秘》。这本书的视角非常独特，它没有过多纠结于巴赫或亨德尔的作品分析，而是专注于乐器本身——那些已经基本被现代钢琴取代的古老键盘乐器。作者是一位资深的古乐器修复师，他的文字里充满了木屑、羊皮纸和金属拉丝的味道。他详细描述了羽管键琴（Harpsichord）的“拨弦机制”和古钢琴（Clavichord）的“鼻音式敲击”是如何从根本上决定了它们无法像钢琴那样拥有力度变化，从而迫使巴洛克作曲家必须依赖装饰音和复调织体的复杂性来表达情感张力的。书中对不同时代、不同地区制作的羽管键琴的木材选择、弦材合金甚至镇弦方式的细致对比，简直就是一本微型的乐器工程学教材。最精彩的部分是作者如何通过修复一台18世纪的维也纳古钢琴，重新发现了莫扎特在某些奏鸣曲片段中可能隐藏的呼吸感和微弱的动态层次，那种“复活历史声音”的过程，读起来让人热血沸腾。这本书是给那些对“原版演奏”有着近乎偏执追求的音乐爱好者准备的深度读物。

评分☆☆☆☆☆

天哪，我简直不敢相信我竟然在亚马逊上淘到了这本绝版已久的《摇滚之魂：失落的蓝调吉他手传记》！这本书的封面设计就充满了上世纪七八十年代那种粗粝的、带着烟草味道的复古感，那种饱和度较低的橙色和深蓝色调，一看就知道不是什么流行口水歌的曲谱集。它娓娓道来了鲍勃·迪伦时期一个名叫“幽灵”的吉他手的故事，一个真正用指尖在木头上刻下岁月痕迹的家伙。作者的笔触非常细腻，不是那种干巴巴的生平罗列，而是充满了对那个黄金时代的音乐氛围的捕捉。比如，书中有一段描写他如何在纽约格林威治村一个昏暗的小酒吧里，仅仅用一把老掉牙的Martin D-28，就让满屋子抽烟的诗人、画家和流浪汉都为之屏息的场景，那种画面感强到我仿佛能闻到空气中弥漫的廉价威士忌和潮湿木头的味道。这本书最打动我的是它对“创作的痛苦”的深入挖掘，它没有回避那些关于灵感枯竭、乐队分裂和毒品诱惑的黑暗面，反而以一种近乎朝圣般的热情去还原了一个艺术家真实的挣扎。读完后，我立刻把我的电吉他从柜子里抱了出来，调高了失真效果，试图去模仿那种粗粝、略带沙哑却直击灵魂的和弦走向，感觉自己仿佛也参与了一场跨越时空的地下音乐会。这本书绝对是献给那些真正热爱布鲁斯、民谣以及一切根植于泥土的摇滚乐迷的圣经。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我对这种“深度”解读音乐史的书籍一直抱有保留态度，通常它们要么过于学术化到让人打瞌睡，要么就是过度美化英雄主义的无病呻吟。但《钢琴上的几何学：20世纪后半叶前卫作曲家的和声革命》完全颠覆了我的看法。这本书的结构极其精巧，它不像传统的音乐史那样按时间线推进，而是以“音色”和“结构”作为坐标轴，构建了一张复杂而迷人的网。作者极其擅长用清晰易懂的图表和数学逻辑来解析那些听起来“怪异”的无调性音乐。我尤其欣赏它对斯托克豪森晚期作品中空间声学处理的分析，那种不是用耳朵“听”，而是用大脑“构建”音乐场景的描述方式，太震撼了！我记得有一章专门分析了某个作曲家如何利用延迟、回声和不同空间反射率来设计听众的移动轨迹，这已经超越了单纯的作曲范畴，简直是声场建筑学。虽然阅读过程中需要反复对照附带的乐谱片段，甚至得戴上耳机听作者推荐的示例音频，但那种豁然开朗的感觉是无与伦比的。它让我明白了，那些看似混乱的音符堆砌，背后蕴含的是多么严谨而狂野的理性之美。这本书让枯燥的现代音乐理论变得像解开一个复杂的谜题，挑战性十足，但奖励巨大。

评分☆☆☆☆☆

对于古典音乐评论，我通常更偏爱那些带着强烈个人色彩、近乎文学散文的评论集，而《交响乐的黄昏：瓦格纳之后德奥音乐的迷失方向》恰好满足了我对浪漫主义后期的那种纠结、颓废和宏大叙事的迷恋。这本书的作者明显是带着一种既崇拜又批判的复杂情感来书写勃拉姆斯、马勒乃至施特劳斯晚期作品的。他认为，当瓦格纳把歌剧推向了那个无可超越的“总体艺术作品”的顶峰之后，后继者们就陷入了一种巨大的身份危机：是继续扩张宏大叙事，还是退回纯器乐的私人表达？书中对马勒《第九交响曲》的分析尤为精彩，作者将其解读为“告别时代的史诗”，而不是简单的心脏病遗作。他不是在分析乐谱，而是在剖析作曲家面对一个行将崩溃的旧世界时，那种强烈的疏离感和无力感是如何渗透到每一个和弦、每一个管乐声部中的。文字的节奏感极强，充满了长句和大量的排比，读起来像是在聆听一场音量逐渐减弱、充满历史回响的交响乐。这本书的价值在于，它提供了一种情感投射的框架，让你在听那些宏大而又带着末日感的作品时，能更清晰地定位到创作者的内心风暴。