傳統作麯技法趙曉生安徽文藝齣版社音樂考研正版教材9787539644059 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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趙曉生 著

圖書標籤:

• 音樂考研
• 作麯技法
• 傳統作麯
• 趙曉生
• 安徽文藝齣版社
• 教材
• 音樂理論
• 和聲
• 復調
• 樂理

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齣版社： 安徽文藝齣版社

ISBN：9787539644059

商品編碼：29859849693

頁數：504

圖書基本信息
書名：	傳統作麯技法
叢書名：	趙曉生學術著作係列
作者/主編：	趙曉生
齣版社：	安徽文藝齣版社
ISBN號：	9787539644059
齣版年份：	2013年7月

版次：	第1版
總頁數：	504頁
開本：	1/16
圖書定價：	78.00元
實際重量：	940 g
新舊程度：	正版全新

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《傳統作麯技法》內容分八編：鏇律寫作、節奏集閤模型、為一至兩件樂器寫作、模仿寫作、前奏麯寫作、歌麯寫作、奏鳴麯寫作，共24章。 

序一（楊立青） 序二（陳銘誌） 再版說明（趙曉生） 緒論 編鏇律寫作 章鏇律基本形態 節 動態 第二節 句法 第三節鏇幅 第四節裝飾 第二章調式 節 五聲調式 第二節 漢族七聲調式 第三節 中古七聲調式 第四節 大小調式 第三章綜閤調式 節 五聲調式的綜閤 第二節七聲調式的綜閤 第三節 綜閤層次 第二編節奏集閤模型 第四章節奏集閤模型的構成 第五章節奏的離與閤 節 分解 第二節 綜閤 第三節 層次 第四節組織 第三編為一至兩件樂器寫作 第六章為獨奏樂器寫作 節 單綫條中的多層次 第二節 為木管樂器寫獨奏麯 第三節 為弓弦樂器寫獨奏麯 第四節 為中國樂器寫獨奏麯 第七章為兩件樂器寫作 節 為兩把小提琴寫作 第二節 為其他組閤的二重奏寫作 第四編模仿寫作 第八章巴洛剋風格模仿寫作的對位法則 第九章古組麯模仿寫作 節 阿勒曼德 第二節庫朗特 第三節 薩拉班德 第四節 小型舞麯 第五節基格 第六節 古組麯寫作 第十章古奏鳴麯模仿寫作 第五編前奏麯寫作 第十一章前奏麯寫作概論 第十二章單一材料型的前奏麯 節重復型 第二節貫穿型 第三節 交換型 第四節衍生型 第十三章對比材料型的前奏麯 節主次型 第二節派生型 第三節 結閤型 第四節分離型 第五節貫一型 第六編歌麯寫作 第十四章為獨唱歌麯寫作 節 詞麯關係 第二節 歌麯與伴奏的關係 第七編變奏麯寫作 第十五章變奏概論 第十六章裝飾性變奏麯 第十七章性格性變奏麯 第十八章和聲性變奏麯 第十九章結構性變奏麯 第八編奏鳴麯寫作 第二十章奏鳴麯式概述 第二十一章呈示部寫作 節主部主題 第二節 副部主題 第三節副部擴充 第四節連接部 第五節 小結尾 第六節前奏與引子 第二十二章展開部寫作 節概論 第二節單一材料型 第三節 階段發展型 第四節 復閤重組型 第二十三章再現部與尾聲寫作 節再現部寫作 第二節尾聲寫作 第二十四章布局與組織 節 布局 第二節 組織 第三節套麯 結語 後記 附錄一譜例索引 附錄二錶索引

《趙曉生學術著作係列：傳統作麯技法》是為音樂學院作麯係的本科學生而寫，力圖以“風格”為中心，以“組織”為總綱，從韆變萬化、令人目眩的音樂現象中，從古到今雜亂繁復的思維中，抓住兩個要點：模仿與創造，引導學生通過對各種音樂風格的親身模仿，學習曆代大師所發現音樂奧秘，獲得真諦，在此基礎上激發自身的無窮創造熱情。《趙曉生學術著作係列：傳統作麯技法》內容分八編：鏇律寫作、節奏集閤模型、為一至兩件樂器寫作、模仿寫作、前奏麯寫作、歌麯寫作、奏鳴麯寫作，共24章。  

音樂理論與創作的深度探索：一部麵嚮未來的音樂實踐指南 書名：《和聲的維度：從巴洛剋到二十世紀的音樂語匯演變》 作者： [虛構的權威音樂理論傢姓名] 齣版社： [虛構的知名學術齣版社] ISBN: [虛構的ISBN號] --- 內容概要： 本書旨在為嚴肅的音樂學研究者、作麯專業學生以及對西方音樂發展脈絡有深入探究需求的愛好者，提供一個全麵、係統且富有洞察力的視角，審視自巴洛剋時期確立以來，西方音樂理論與實踐的演變曆程。本書不拘泥於對既有規則的機械復述，而是深入剖析瞭和聲邏輯如何作為音樂結構的核心，如何隨時代思潮、技術革新和社會環境的變化而不斷被挑戰、重塑乃至徹底顛覆。 全書結構嚴謹，分為四個主要部分，層層遞進，帶領讀者穿越音樂史上最具變革性的幾個階段。 --- 第一部分：古典主義的奠基與調性語言的成熟 (1700-1820) 本部分聚焦於對西方調性體係進行最終定型並推嚮輝煌的時期。我們詳細考察瞭功能和聲的最終範式，探討瞭從巴赫對位法到海頓、莫紮特時期清晰的終止式結構、清晰的樂段劃分和主題發展模式。 協和與不協和的辯證關係： 深度分析瞭經過嚴格篩選的三和弦和七和弦在調性功能區（主、屬、下屬）中的作用，以及如何通過序進（Sequences）和轉調（Modulation）來擴展音樂的戲劇張力。 清晰的結構化： 探討瞭奏鳴麯式（Sonata Form）作為承載復雜和聲進程的“容器”，如何通過呈示部、展開部和再現部的精確劃分，體現古典主義對平衡與秩序的追求。 節奏驅動下的和聲： 分析瞭節奏的精確性如何支撐和聲的穩定性，例如在加沃特舞麯（Gavotte）或小步舞麯（Minuet）中，節奏動機與和聲解決之間的緊密耦閤。 --- 第二部分：浪漫主義的擴張與和聲邊界的模糊 (1820-1900) 進入浪漫主義時期，音樂錶達的個人化和情感的極緻化要求對既有的和聲“語法”提齣瞭前所未有的挑戰。本部分將重點解析作麯傢如何通過“拉伸”調性框架來錶達崇高或內省的情感。 色彩和聲的引入： 詳盡研究瞭九和弦、十一和弦、十三和弦的實際應用，特彆是它們如何從功能性的解決轉嚮純粹的音色效果。瓦格納對“三全音”的不斷使用如何延遲或模糊瞭核心調性的建立，是本節的核心案例。 遠關係轉調的藝術： 分析瞭如何利用異名同音（Enharmonic Equivalence）以及大幅度音程的轉調技術，實現色彩的突變和情感的劇烈波動，例如從主調轉至遠超五度關係的調域。 半音主義的普及： 考察瞭半音化（Chromaticism）如何侵蝕瞭清晰的調性中心，使音樂在聽覺上更具流動性和不確定性，為二十世紀的無調性探索埋下瞭伏筆。 --- 第三部分：二十世紀初期的分裂與新體係的誕生 (1900-1945) 這一部分是全書最具理論挑戰性的部分，記錄瞭西方音樂在麵對工業化、世界大戰以及哲學思潮衝擊下，對既有聽覺習慣的徹底反叛。 印象主義的和聲實驗： 分析德彪西如何運用全音音階（Whole-tone Scale）和五聲音階（Pentatonic Scale）來瓦解傳統的功能性和聲，追求光影流動的音響效果而非邏輯推導。 原始主義與多調性： 深入剖析斯特拉文斯基等作麯傢如何通過並置兩個或多個獨立調性（多調性/平行和聲）來製造張力和節奏的衝擊感，標誌著對統一調性中心的放棄。 無調性的邏輯： 詳細闡述瞭勛伯格如何從自由無調性過渡到十二音體係（Dodecaphony）的建立過程。本書提供瞭對音組（Tone Row）的構造、轉換（轉位、逆行、逆行轉位）及其在全麯中保持等量音高的理論框架，強調其作為一種新的組織原則，而非單純的“隨機排列”。 --- 第四部分：後調性音樂的擴展與整閤 (1945至今) 最後一部分探討瞭二戰後音樂實踐的多元化趨勢，以及如何從既有的和聲/非和聲材料中構建新的組織結構。 序列主義的深化： 考察瞭韋伯恩以及後來的作麯傢如何將十二音原則擴展到音高之外的參數（如力度、時值、音色），發展齣總體序列主義（Integral Serialism）的理論基礎。 偶然性與開放性： 分析瞭約翰·凱奇等思想傢如何引入概率與不確定性（Chance Operations）作為創作手段，挑戰作麯傢對作品的絕對控製權，以及這對傳統和聲觀念的根本性顛覆。 迴歸與融閤： 討論瞭當代作麯傢（如極簡主義者和某些新浪漫主義者）如何重新審視調性語言的潛力，將過去數百年積纍的語匯以新的、去中心化的方式進行整閤，創造齣跨越風格的音樂實體。 --- 讀者對象與本書特色： 本書的理論深度和文獻引證的嚴謹性，使其成為高等音樂院校作麯、音樂學、音樂理論專業研究生階段的必備教材。它特彆適閤那些已經掌握瞭基礎和聲與對位法，渴望理解調性瓦解和非調性結構的深層機製，並希望將這些曆史經驗融入自身創作實踐的進階學習者。 本書的獨特之處在於其批判性視角：它不僅僅羅列“是什麼”，更深入探討“為什麼會發生這種變化”，將音樂理論的演進置於廣闊的哲學、美學和社會曆史背景中進行考察，確保讀者能形成一套連貫、完整的音樂結構認知體係。全書配有大量精確的樂譜實例分析，輔助讀者將抽象概念轉化為可聽覺、可操作的實踐知識。

評分☆☆☆☆☆

這本書的語言風格非常嚴謹且富有邏輯性，沒有絲毫的贅述或空泛的贊美，每一個句子似乎都承載著明確的教學意圖。作者的敘述方式是那種典型的學院派風格，精確、冷靜，但又處處流露齣對音樂藝術的深切敬意。閱讀過程中，我感覺自己仿佛在跟隨一位知識淵博的教授進行一對一的深度研討。無論是對特定時期作麯傢技法特點的概述，還是對某一小節進行詳細的橫嚮或縱嚮分析，都做到瞭條理清晰，層次分明。對於需要大量記憶和理解專業術語的學習者來說，這種清晰明確的錶達方式大大降低瞭理解門檻，避免瞭因語言晦澀而産生的挫敗感。它提供的知識框架結構非常穩定，讓人在學習龐雜的音樂知識時，能始終保持清晰的認知地圖。

評分☆☆☆☆☆

我必須得說，這本書的配套資源和參考價值簡直是“超值大禮包”。雖然我這裏談論的主要是書本本身，但其內容所蘊含的引導性極強，它巧妙地指引讀者去聆聽和研究那些與講解內容高度相關的經典範例。通過這本書，我拓寬瞭自己音樂聽單的範圍，很多以前被我忽略的作麯傢和作品，現在都成為瞭我深入研究的對象。它不僅是一本教會你“如何寫”的書，更是一本啓發你“該聽什麼”的指南。這本書的價值在於其強大的輻射性，它能激活你對整個音樂史和作麯實踐的興趣鏈條，讓人在學習技巧的同時，同步完成瞭對音樂審美和鑒賞能力的提升。用最樸素的話講，讀完這本書，你對音樂的“敬畏心”都會不一樣。

評分☆☆☆☆☆

作為一名備考研究生專業的學生，我深知教材選擇的重要性，而這本無疑是為高階學習者量身定製的“硬通貨”。它的難度設置是循序漸進的，從最基礎的調式和弦開始，穩步攀升到復雜的復調結構和麯式分析，整個知識體係的構建邏輯非常嚴密，沒有明顯的知識斷層。尤其是關於早期音樂風格和晚期浪漫主義和聲處理的對比章節，分析得極為精闢，展現瞭作者深厚的學術功底和廣闊的音樂視野。我甚至發現，書中的一些論述角度非常新穎，讓我對一些被反復討論的經典作品有瞭全新的認識和理解，這對於提升我們在考場上分析問題的深度和層次是極其有幫助的。它更像是一位經驗豐富的大師在旁邊耳提麵命，指引你避開學習過程中的那些思維誤區。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版和裝幀設計簡直是一場視覺享受，厚實的紙張拿在手裏沉甸甸的，很有分量感，書皮的色彩搭配既古典又不失現代感，讓人一翻開就忍不住想深入探索。我特彆喜歡它在細節處理上的用心，比如字體選擇的考究，既保證瞭閱讀的舒適度，又透著一股專業人士的嚴謹。內頁的印刷清晰度極高，即便是復雜的五綫譜和理論圖錶，也能看得一清二楚，這對於需要反復研讀和臨摹的樂理學習者來說，簡直是福音。相比起那些內容堆砌但裝幀粗糙的教材，這本的質感瞬間提升瞭學習的體驗，讓人感覺手中捧著的不僅僅是一本工具書，更像是一件藝術品。每次翻閱它，都會被它那種沉靜而厚重的氣息所感染，仿佛置身於一座古典音樂的殿堂之中，學習的動力也因此被極大地激發。

評分☆☆☆☆☆

這本書的深度和廣度令人嘆為觀止，它並非僅僅停留在對基礎知識的羅列上，而是深入剖析瞭傳統作麯技法背後的邏輯和美學思想。作者在講解每一個和聲進行或對位法時，都會結閤大量的曆史案例和具體的音樂片段進行佐證，這種“理論聯係實際”的教學方法，使得原本抽象的規則變得鮮活起來。我尤其欣賞它在處理那些復雜變奏和配器手法時的詳盡說明，很多以前睏擾我的技術難題，通過這本書的層層剝繭，茅塞頓開。它不是那種隻會告訴你“應該怎麼做”的書，而是會引導你去思考“為什麼這樣更好”，這種啓發式的引導，對於培養獨立創作能力至關重要。讀完某一章節，我常常會閤上書本，立刻拿起筆來嘗試模仿和實踐，這種即時的反饋和掌握感是其他同類書籍難以比擬的。