传统作曲技法赵晓生安徽文艺出版社音乐考研正版教材9787539644059 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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赵晓生 著

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• 音乐考研
• 作曲技法
• 传统作曲
• 赵晓生
• 安徽文艺出版社
• 教材
• 音乐理论
• 和声
• 复调
• 乐理

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539644059

商品编码：29859849693

页数：504

图书基本信息
书名：	传统作曲技法
丛书名：	赵晓生学术著作系列
作者/主编：	赵晓生
出版社：	安徽文艺出版社
ISBN号：	9787539644059
出版年份：	2013年7月

版次：	第1版
总页数：	504页
开本：	1/16
图书定价：	78.00元
实际重量：	940 g
新旧程度：	正版全新

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《传统作曲技法》内容分八编：旋律写作、节奏集合模型、为一至两件乐器写作、模仿写作、前奏曲写作、歌曲写作、奏鸣曲写作，共24章。 

序一（杨立青） 序二（陈铭志） 再版说明（赵晓生） 绪论 编旋律写作 章旋律基本形态 节 动态 第二节 句法 第三节旋幅 第四节装饰 第二章调式 节 五声调式 第二节 汉族七声调式 第三节 中古七声调式 第四节 大小调式 第三章综合调式 节 五声调式的综合 第二节七声调式的综合 第三节 综合层次 第二编节奏集合模型 第四章节奏集合模型的构成 第五章节奏的离与合 节 分解 第二节 综合 第三节 层次 第四节组织 第三编为一至两件乐器写作 第六章为独奏乐器写作 节 单线条中的多层次 第二节 为木管乐器写独奏曲 第三节 为弓弦乐器写独奏曲 第四节 为中国乐器写独奏曲 第七章为两件乐器写作 节 为两把小提琴写作 第二节 为其他组合的二重奏写作 第四编模仿写作 第八章巴洛克风格模仿写作的对位法则 第九章古组曲模仿写作 节 阿勒曼德 第二节库朗特 第三节 萨拉班德 第四节 小型舞曲 第五节基格 第六节 古组曲写作 第十章古奏鸣曲模仿写作 第五编前奏曲写作 第十一章前奏曲写作概论 第十二章单一材料型的前奏曲 节重复型 第二节贯穿型 第三节 交换型 第四节衍生型 第十三章对比材料型的前奏曲 节主次型 第二节派生型 第三节 结合型 第四节分离型 第五节贯一型 第六编歌曲写作 第十四章为独唱歌曲写作 节 词曲关系 第二节 歌曲与伴奏的关系 第七编变奏曲写作 第十五章变奏概论 第十六章装饰性变奏曲 第十七章性格性变奏曲 第十八章和声性变奏曲 第十九章结构性变奏曲 第八编奏鸣曲写作 第二十章奏鸣曲式概述 第二十一章呈示部写作 节主部主题 第二节 副部主题 第三节副部扩充 第四节连接部 第五节 小结尾 第六节前奏与引子 第二十二章展开部写作 节概论 第二节单一材料型 第三节 阶段发展型 第四节 复合重组型 第二十三章再现部与尾声写作 节再现部写作 第二节尾声写作 第二十四章布局与组织 节 布局 第二节 组织 第三节套曲 结语 后记 附录一谱例索引 附录二表索引

《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》是为音乐学院作曲系的本科学生而写，力图以“风格”为中心，以“组织”为总纲，从千变万化、令人目眩的音乐现象中，从古到今杂乱繁复的思维中，抓住两个要点：模仿与创造，引导学生通过对各种音乐风格的亲身模仿，学习历代大师所发现音乐奥秘，获得真谛，在此基础上激发自身的无穷创造热情。《赵晓生学术著作系列：传统作曲技法》内容分八编：旋律写作、节奏集合模型、为一至两件乐器写作、模仿写作、前奏曲写作、歌曲写作、奏鸣曲写作，共24章。  

音乐理论与创作的深度探索：一部面向未来的音乐实践指南 书名：《和声的维度：从巴洛克到二十世纪的音乐语汇演变》 作者： [虚构的权威音乐理论家姓名] 出版社： [虚构的知名学术出版社] ISBN: [虚构的ISBN号] --- 内容概要： 本书旨在为严肃的音乐学研究者、作曲专业学生以及对西方音乐发展脉络有深入探究需求的爱好者，提供一个全面、系统且富有洞察力的视角，审视自巴洛克时期确立以来，西方音乐理论与实践的演变历程。本书不拘泥于对既有规则的机械复述，而是深入剖析了和声逻辑如何作为音乐结构的核心，如何随时代思潮、技术革新和社会环境的变化而不断被挑战、重塑乃至彻底颠覆。 全书结构严谨，分为四个主要部分，层层递进，带领读者穿越音乐史上最具变革性的几个阶段。 --- 第一部分：古典主义的奠基与调性语言的成熟 (1700-1820) 本部分聚焦于对西方调性体系进行最终定型并推向辉煌的时期。我们详细考察了功能和声的最终范式，探讨了从巴赫对位法到海顿、莫扎特时期清晰的终止式结构、清晰的乐段划分和主题发展模式。 协和与不协和的辩证关系： 深度分析了经过严格筛选的三和弦和七和弦在调性功能区（主、属、下属）中的作用，以及如何通过序进（Sequences）和转调（Modulation）来扩展音乐的戏剧张力。 清晰的结构化： 探讨了奏鸣曲式（Sonata Form）作为承载复杂和声进程的“容器”，如何通过呈示部、展开部和再现部的精确划分，体现古典主义对平衡与秩序的追求。 节奏驱动下的和声： 分析了节奏的精确性如何支撑和声的稳定性，例如在加沃特舞曲（Gavotte）或小步舞曲（Minuet）中，节奏动机与和声解决之间的紧密耦合。 --- 第二部分：浪漫主义的扩张与和声边界的模糊 (1820-1900) 进入浪漫主义时期，音乐表达的个人化和情感的极致化要求对既有的和声“语法”提出了前所未有的挑战。本部分将重点解析作曲家如何通过“拉伸”调性框架来表达崇高或内省的情感。 色彩和声的引入： 详尽研究了九和弦、十一和弦、十三和弦的实际应用，特别是它们如何从功能性的解决转向纯粹的音色效果。瓦格纳对“三全音”的不断使用如何延迟或模糊了核心调性的建立，是本节的核心案例。 远关系转调的艺术： 分析了如何利用异名同音（Enharmonic Equivalence）以及大幅度音程的转调技术，实现色彩的突变和情感的剧烈波动，例如从主调转至远超五度关系的调域。 半音主义的普及： 考察了半音化（Chromaticism）如何侵蚀了清晰的调性中心，使音乐在听觉上更具流动性和不确定性，为二十世纪的无调性探索埋下了伏笔。 --- 第三部分：二十世纪初期的分裂与新体系的诞生 (1900-1945) 这一部分是全书最具理论挑战性的部分，记录了西方音乐在面对工业化、世界大战以及哲学思潮冲击下，对既有听觉习惯的彻底反叛。 印象主义的和声实验： 分析德彪西如何运用全音音阶（Whole-tone Scale）和五声音阶（Pentatonic Scale）来瓦解传统的功能性和声，追求光影流动的音响效果而非逻辑推导。 原始主义与多调性： 深入剖析斯特拉文斯基等作曲家如何通过并置两个或多个独立调性（多调性/平行和声）来制造张力和节奏的冲击感，标志着对统一调性中心的放弃。 无调性的逻辑： 详细阐述了勋伯格如何从自由无调性过渡到十二音体系（Dodecaphony）的建立过程。本书提供了对音组（Tone Row）的构造、转换（转位、逆行、逆行转位）及其在全曲中保持等量音高的理论框架，强调其作为一种新的组织原则，而非单纯的“随机排列”。 --- 第四部分：后调性音乐的扩展与整合 (1945至今) 最后一部分探讨了二战后音乐实践的多元化趋势，以及如何从既有的和声/非和声材料中构建新的组织结构。 序列主义的深化： 考察了韦伯恩以及后来的作曲家如何将十二音原则扩展到音高之外的参数（如力度、时值、音色），发展出总体序列主义（Integral Serialism）的理论基础。 偶然性与开放性： 分析了约翰·凯奇等思想家如何引入概率与不确定性（Chance Operations）作为创作手段，挑战作曲家对作品的绝对控制权，以及这对传统和声观念的根本性颠覆。 回归与融合： 讨论了当代作曲家（如极简主义者和某些新浪漫主义者）如何重新审视调性语言的潜力，将过去数百年积累的语汇以新的、去中心化的方式进行整合，创造出跨越风格的音乐实体。 --- 读者对象与本书特色： 本书的理论深度和文献引证的严谨性，使其成为高等音乐院校作曲、音乐学、音乐理论专业研究生阶段的必备教材。它特别适合那些已经掌握了基础和声与对位法，渴望理解调性瓦解和非调性结构的深层机制，并希望将这些历史经验融入自身创作实践的进阶学习者。 本书的独特之处在于其批判性视角：它不仅仅罗列“是什么”，更深入探讨“为什么会发生这种变化”，将音乐理论的演进置于广阔的哲学、美学和社会历史背景中进行考察，确保读者能形成一套连贯、完整的音乐结构认知体系。全书配有大量精确的乐谱实例分析，辅助读者将抽象概念转化为可听觉、可操作的实践知识。

评分☆☆☆☆☆

这本书的语言风格非常严谨且富有逻辑性，没有丝毫的赘述或空泛的赞美，每一个句子似乎都承载着明确的教学意图。作者的叙述方式是那种典型的学院派风格，精确、冷静，但又处处流露出对音乐艺术的深切敬意。阅读过程中，我感觉自己仿佛在跟随一位知识渊博的教授进行一对一的深度研讨。无论是对特定时期作曲家技法特点的概述，还是对某一小节进行详细的横向或纵向分析，都做到了条理清晰，层次分明。对于需要大量记忆和理解专业术语的学习者来说，这种清晰明确的表达方式大大降低了理解门槛，避免了因语言晦涩而产生的挫败感。它提供的知识框架结构非常稳定，让人在学习庞杂的音乐知识时，能始终保持清晰的认知地图。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版和装帧设计简直是一场视觉享受，厚实的纸张拿在手里沉甸甸的，很有分量感，书皮的色彩搭配既古典又不失现代感，让人一翻开就忍不住想深入探索。我特别喜欢它在细节处理上的用心，比如字体选择的考究，既保证了阅读的舒适度，又透着一股专业人士的严谨。内页的印刷清晰度极高，即便是复杂的五线谱和理论图表，也能看得一清二楚，这对于需要反复研读和临摹的乐理学习者来说，简直是福音。相比起那些内容堆砌但装帧粗糙的教材，这本的质感瞬间提升了学习的体验，让人感觉手中捧着的不仅仅是一本工具书，更像是一件艺术品。每次翻阅它，都会被它那种沉静而厚重的气息所感染，仿佛置身于一座古典音乐的殿堂之中，学习的动力也因此被极大地激发。

评分☆☆☆☆☆

我必须得说，这本书的配套资源和参考价值简直是“超值大礼包”。虽然我这里谈论的主要是书本本身，但其内容所蕴含的引导性极强，它巧妙地指引读者去聆听和研究那些与讲解内容高度相关的经典范例。通过这本书，我拓宽了自己音乐听单的范围，很多以前被我忽略的作曲家和作品，现在都成为了我深入研究的对象。它不仅是一本教会你“如何写”的书，更是一本启发你“该听什么”的指南。这本书的价值在于其强大的辐射性，它能激活你对整个音乐史和作曲实践的兴趣链条，让人在学习技巧的同时，同步完成了对音乐审美和鉴赏能力的提升。用最朴素的话讲，读完这本书，你对音乐的“敬畏心”都会不一样。

评分☆☆☆☆☆

作为一名备考研究生专业的学生，我深知教材选择的重要性，而这本无疑是为高阶学习者量身定制的“硬通货”。它的难度设置是循序渐进的，从最基础的调式和弦开始，稳步攀升到复杂的复调结构和曲式分析，整个知识体系的构建逻辑非常严密，没有明显的知识断层。尤其是关于早期音乐风格和晚期浪漫主义和声处理的对比章节，分析得极为精辟，展现了作者深厚的学术功底和广阔的音乐视野。我甚至发现，书中的一些论述角度非常新颖，让我对一些被反复讨论的经典作品有了全新的认识和理解，这对于提升我们在考场上分析问题的深度和层次是极其有帮助的。它更像是一位经验丰富的大师在旁边耳提面命，指引你避开学习过程中的那些思维误区。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度令人叹为观止，它并非仅仅停留在对基础知识的罗列上，而是深入剖析了传统作曲技法背后的逻辑和美学思想。作者在讲解每一个和声进行或对位法时，都会结合大量的历史案例和具体的音乐片段进行佐证，这种“理论联系实际”的教学方法，使得原本抽象的规则变得鲜活起来。我尤其欣赏它在处理那些复杂变奏和配器手法时的详尽说明，很多以前困扰我的技术难题，通过这本书的层层剥茧，茅塞顿开。它不是那种只会告诉你“应该怎么做”的书，而是会引导你去思考“为什么这样更好”，这种启发式的引导，对于培养独立创作能力至关重要。读完某一章节，我常常会合上书本，立刻拿起笔来尝试模仿和实践，这种即时的反馈和掌握感是其他同类书籍难以比拟的。