音乐知识应考速成杨瑞庆安徽文艺出版社正版教材课本音乐考试9787539626895 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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杨瑞庆 著

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• 杨瑞庆
• 安徽文艺出版社
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• 9787539626895
• 音乐

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出版社： 安徽文艺出版社

ISBN：9787539626895

商品编码：29859859523

页数：147

图书基本信息
书名：	音乐知识应考速成
丛书名：	自学音乐丛书
出版社：	安徽文艺出版社
ISBN号：	9787539626895
出版年份：	2006年1月1日

版次：	第1版
总页数：	147页
开本：	1/32
图书定价：	11元
实际重量：	181g
新旧程度：	正版全新

作者简介杨瑞庆，中国音乐家协会会员，中国社会音乐研究会理事，研究馆员。曾出版《自学作曲辅导教程》《自学合唱编配国辅导教程》《自学简谱辅导教程》《歌曲创作90题》《向名家、名作学作曲》《中国风格旋律写作》《中国民歌旋律形态》《歌曲旋律100年》《戏曲、曲艺唱腔设计》《实用旋律学初探》《听歌、唱歌、写歌》《通俗歌曲创作温谈》《歌曲创作探索》《评歌论曲》等音乐专著。 

前言部分 知识介绍上篇·中国音乐知识章 概述节 古代音乐第二节 近代音乐第三节 现代音乐第二章 器乐节 乐器第二节 乐队第三节 乐曲第三章 歌曲节 歌种第二节 歌类第三节 歌手第四章 戏曲节 戏种第二节 戏家第三节 戏语第四节 戏段第五章 曲艺节 曲种第二节 曲坛下篇·外国音乐知识章 概述节 巴洛克音乐时期第二节 古典音乐时期第三节 浪漫音乐时期第四节 现代音乐时期第二章 器乐节 乐器第二节 乐队第三节 乐曲第三章 歌曲节 歌种第二节 歌类第三节 歌手第二部分 题型分析第三部分 模拟练习附录：模拟练习参考答案 

《基本乐理应考速成》《练耳视唱应考速成》和《音乐知识应考速成》是为音乐院校考生和音乐考级学生编写的一套考前辅导资料。内容注重简洁循序，与时俱进。本书得视各种题型的解析，并设计了各种题型的练习。既有基础知识的介绍，又有模拟试题的实践。追求快速、高效地学习，达到顺利、圆满地应试。本套丛书全面、新鲜、通俗、实用，在同类读物中独树一帜。

《古典音乐鉴赏入门：从巴赫到肖邦的旋律之旅》 本书旨在为音乐初学者和爱好者提供一个全面而深入的古典音乐鉴赏指南。我们不探讨应试技巧或特定教材的知识点，而是聚焦于西方古典音乐的核心脉络、关键作曲家及其代表作品的艺术价值与时代背景。 第一部分：古典音乐的基石——巴洛克时期的辉煌（约1600-1750年） 巴洛克时期是西方音乐史上的一个重要转折点，以其复杂的对位法、强烈的戏剧性和情感表达著称。本部分将深入剖析这一时期的两大支柱： 一、众曲之父：约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（J.S. Bach） 我们将摒弃纯粹的知识点罗列，转而探讨巴赫音乐的结构美学和精神深度。 对位法的艺术： 详细解析《平均律钢琴曲集》中的赋格曲，如何通过模仿、卡农等手法构建起宏大而严谨的音乐结构。重点解析Fugue（赋格）的呈示部、展开部与再现部的逻辑关系，而非仅仅记忆定义。 协奏曲的创新： 以《勃兰登堡协奏曲》为例，分析“合奏团”（Concerto Grosso）的编制特点，以及巴赫如何运用精妙的器乐对话，展现不同声部间的张力与和谐。 声乐的巅峰： 探讨《马太受难曲》和《约翰受难曲》的宗教戏剧性，分析咏叹调（Aria）与宣叙调（Recitative）在叙事中的功能差异，以及合唱在情感烘托上的崇高地位。 二、歌剧与协奏曲的大师：乔治·弗里德里克·亨德尔（G.F. Handel） 亨德尔的音乐更具公众性和戏剧性，是巴洛克时期世俗音乐的典范。 清唱剧的魅力： 重点解析《弥赛亚》（Messiah），尤其是“哈利路亚”大合唱的结构和感染力。讨论清唱剧（Oratorio）如何脱离舞台布景，仅凭音乐来描绘史诗般的叙事。 意大利歌剧的辉煌： 分析亨德尔在伦敦发展意大利歌剧的历程，解析咏叹调的“正规曲式”（Da Capo Aria）的特点及其情感表达的程式化魅力。 第二部分：理性与和谐的时代——古典主义时期（约1730-1820年） 古典主义时期追求清晰的结构、平衡的比例和普世的情感表达。奏鸣曲式成为这一时代音乐的骨架。 一、维也纳古典乐派的三巨头 我们将重点阐述这三位作曲家如何通过不同的方式发展和完善古典主义音乐语言。 1. 海顿：交响曲之父 奏鸣曲式的标准化： 深入剖析奏鸣曲式（Sonata Form）的呈示部、发展部和再现部的内在冲突与解决过程，并以海顿的晚期交响曲（如《惊愕》）为例，展示其在结构上的巧妙安排和幽默感。 弦乐四重奏的革命： 探讨海顿如何将室内乐提升到与交响乐同等重要的地位，分析其四重奏中对话的平等性与对话的精妙。 2. 莫扎特：旋律的天才与歌剧大师 歌剧的改革： 侧重分析《费加罗的婚礼》和《唐璜》，探讨莫扎特如何打破传统人物脸谱化，赋予角色复杂的心理深度，特别是对“宣叙调与咏叹调”的自由处理。 协奏曲的对话性： 研究钢琴协奏曲（如K. 467），分析独奏乐器与乐队之间如同高水平的智力辩论般的互动。 3. 贝多芬：古典与浪漫的桥梁 英雄主义的表达： 以《第三号“英雄”交响曲》为例，探讨贝多芬如何拓展奏鸣曲式，增强对立性，将个人意志和精神斗争融入音乐叙事。 晚期作品的超越： 简要介绍其晚期钢琴奏鸣曲（如“暴风雨”）和晚期弦乐四重奏，如何突破既有形式，预示了浪漫主义的个人化表达。 第三部分：激情与个性的绽放——浪漫主义时期（约1800-1910年） 浪漫主义音乐强调个人情感的极端表达、对自然和超自然事物的向往，以及对民族主义色彩的运用。 一、钢琴音乐的黄金时代 肖邦：波兰的灵魂与钢琴诗人 我们将聚焦于肖邦如何将民族舞曲（如玛祖卡、波兰舞曲）融入高度精致的音乐形式中。重点解析夜曲（Nocturne）中那份私密而忧郁的抒情性，以及奏鸣曲（如B小调第二号）中宏大叙事与纤细情感的对比。 练习曲的艺术性： 讨论《练习曲集》（Op. 10 & 25）如何将技术训练提升为纯粹的艺术表达，例如“革命”与“黑键”练习曲。 舒曼：心灵的独白 分析舒曼如何通过“移情别名”（Florestan与Eusebius）来表达内心的矛盾。重点讲解其钢琴套曲（如《狂欢节》）中那种碎片化、日记式的叙事手法。 二、交响诗与德奥晚期浪漫主义 李斯特与“交响诗”的诞生： 探讨李斯特如何通过“主导动机”和“主题变形”的手法，在单乐章的管弦乐作品中，实现叙事性和戏剧性的统一，标志着标题音乐（Program Music）的成熟。 勃拉姆斯：继承与革新 解析勃拉姆斯如何在继承贝多芬古典结构的同时，注入浪漫主义的深沉内省。侧重分析其对位法的回归和室内乐的“内向性”。 第四部分：超越传统——民族乐派与印象主义的曙光 本部分探讨音乐如何开始摆脱德奥体系的绝对统治，转向探索民族特色和新的音响色彩。 民族乐派的活力： 简要介绍俄罗斯五人组（如穆索尔斯基的音乐民族色彩）和德沃夏克（Dvořák）如何将民间旋律和节奏融入宏大体裁。 德彪西与印象主义： 重点分析德彪西对传统调性和和声语汇的颠覆。探讨他如何使用全音阶、五声音阶，以及如何通过“音色”和“氛围”来营造光影变化，如同绘画中的印象派。 结语：倾听的艺术 本书的目的不是提供考试答案，而是培养一种积极、深入的聆听习惯。我们鼓励读者在了解背景和结构后，回归到音乐本身，体会作曲家在特定历史语境下所传达的永恒情感。学习音乐，最终是为了学会如何更深刻地感受世界。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，刚开始接触这本教材时，我的内心是充满抵触的，因为它看起来太“学院派”了，厚厚的一本，封面设计也略显严肃，不像现在那些轻薄的、彩色印刷的辅导书那样具有视觉冲击力。然而，一旦真正沉浸其中，我才体会到什么叫“内涵胜于外表”。这本书的价值在于其内容的深度和广度，尤其是在曲式分析和音乐史的脉络梳理上，展现了作者深厚的学术功底。它没有回避那些晦涩难懂的专业术语，而是将它们置于一个更大的历史背景下去解释，使得原本僵硬的知识点忽然有了生命力。举个例子，在讲解奏鸣曲式的发展时，它不仅罗列了呈示部、展开部、再现部的结构，还结合了具体作曲家的几部代表作进行对比分析，这种“以实例证理论”的方法，极大地提高了我的理解效率。对我这种更偏爱通过实例来学习的人来说，这种详略得当的编排方式，远比纯粹的理论灌输要有效得多。读完一部分，我都有一种“原来如此”的顿悟感，这种成就感是其他教材难以给予的。

评分☆☆☆☆☆

这套书的排版实在让人眼前一亮，那种老派的、工整的字体搭配着清晰的乐理图示，让人瞬间感觉回到了那个需要下苦功啃教材的年代。我记得我拿到手的时候，首先就被它那种“务实”的气质吸引了。没有太多花哨的现代设计，完全是直奔主题。翻开目录，那种层层递进的逻辑感就扑面而来，仿佛作者深知我们这些音乐学习者最头疼的痛点在哪里，然后用最直接、最有效的方式去攻克它。比如在和声学那部分，对于那些复杂的转位和声的讲解，不是简单地罗列规则，而是用很多小小的、带着注解的范例来辅助理解，每一个音的进行都标注得清清楚楚，这对于自学者来说简直是救命稻草。我尤其欣赏它对一些基础概念的强调，比如调式、音程关系的辨析，很多市面上的教材为了追求“新颖”而把这些基础讲得过于跳跃，但这本却像是耐心地拉着你的手，一步一步确认你是否真正理解了“为什么”是这样。读起来有一种非常扎实的积累感，不是那种浮于表面的快速记忆，而是鼓励你去构建一个完整的音乐知识体系。那种老教材特有的“慢工出细活”的匠人精神，在这本书里体现得淋漓尽致。

评分☆☆☆☆☆

如果用一个词来形容我的阅读体验，那一定是“精准”。这本书简直就像是为应试而生的精准导航仪，每一个章节的设置都像是在精确计算考试的得分点。我发现作者在选取例题和练习题时，非常巧妙地涵盖了历年考试中出现频率最高的知识模块，没有一句废话，全部都是干货。特别是那些需要快速判断和记忆的知识点，比如记号的快速识别、特定时期作曲家风格的要点提炼，都被总结成了条理清晰的对比表格。我经常在复习冲刺阶段，直接翻到这些总结性的图表区域，几分钟就能迅速激活大脑中相关的记忆块。这种效率上的提升，对于时间紧迫的考生来说，是无价的。它不像某些教材，花大量的篇幅去介绍一些宏大的理论，却在具体的解题技巧上避重就轻。这本书的态度非常明确：我们就是要帮助你高效地通过考试，因此，每一个知识点的呈现方式都服务于“被考察”这个最终目的，这一点，我给满分。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我带来了一种非常难得的“系统性修复”的感觉。我的音乐基础一直有些零散，很多知识点都是通过零碎的资料或者课堂笔记拼凑起来的，总觉得结构松散，一到综合性的测试题就容易出错。读完这套教材，我感觉自己像是在进行一次彻底的知识结构重塑。作者在知识的组织上非常注重“关联性”，每一个新的知识点都会回溯到之前学过的概念上，形成一个严密的知识网络。比如，对复调音乐的讲解，从早期的对位法到后来的巴赫的赋格，中间过渡自然得如同观看一部编年史电影，让你清楚地看到音乐语言是如何一步步演变和成熟的。这种连贯性极大地增强了我对音乐发展逻辑的把握能力，不再是孤立地记忆某一个时期的风格特征。这种深层次的理解，使得我在遇到一些不熟悉的曲目分析时，也能凭借对历史脉络的清晰认知，做出相对准确的推断，这才是真正掌握知识的力量所在。

评分☆☆☆☆☆

从装帧和纸张的质感来看，这本书体现了一种对知识的尊重，也侧面反映了出版社的专业态度。我注意到内页的纸张选择偏向于哑光，这在长时间阅读和反复翻阅时，极大地减轻了眼睛的疲劳，相比于那些光亮刺眼的铜版纸，简直是为长时间学习量身定做的贴心设计。而且，这本书的装订非常牢固，我经常需要摊开来平放在书桌上比对不同的乐谱段落，它能保持得很平整，不会轻易合拢。这种细节上的用心，在面对一本需要频繁使用的参考书时，感受会更加深刻。它不仅仅是一本“看完就扔”的应试工具，更像是一个可以陪伴你度过漫长备考期的可靠伙伴。它不会因为你的频繁使用而轻易磨损，这种耐用性也间接证明了它作为“正版教材”的品质保证，让人用着踏实、放心，确实是物有所值的一项投资。