海顿第九十四交响曲(惊愕G大调Hob I:94总谱)/全国音乐院系教学总谱系列 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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孙佳 责任编辑 著

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• Hob I:94
• G大调
• 惊愕交响曲

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出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540427276

商品编码：10310305553

包装：平装

出版时间：2002-04-01

基本信息

书名：海顿第九十四交响曲(惊愕G大调Hob I:94总谱)/全国音乐院系教学总谱系列

原价：7.50元

作者：孙佳 责任编辑

出版社：湖南文艺出版社

出版日期：2002-04-01

ISBN：9787540427276

字数：

页码：65

版次：1

装帧：平装

开本：

商品重量：0.4kg

编辑推荐

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内容提要

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《第九十四交响曲》交响曲作于1791年，初演于1792年。作品之所以命名为“惊愕”，是得名于作品的第二乐章。据说海顿写此曲的目的是为了嘲笑那些坐在包厢中的对音乐不懂装懂，而又附庸风雅的贵妇人们。他故意在第二乐章中安祥柔和的弱奏之后突然加入一个全乐队合奏的很强的属七和弦。实际演出中，当乐队演奏到那段旋律时，那些贵妇人们果然从睡梦中惊醒，以为发生了什么重大的事情，甚至想逃出剧场，这部交响曲因此而成名，于是后人也就给此曲冠以“惊愕”的标题。
这部交响曲是海顿为著名的交响曲之一，与海顿的其他几部交响曲被认为是古典交响乐的丰碑，乐曲中充满了生机盎然的民间歌舞气息和明快欢乐的情绪。作品共分四个乐章：第一乐章，G大调，序奏为如歌的慢板，3/4拍子，奏鸣曲式。乐章始终以第一主题贯穿整体，其清澈的动机连接与围绕同一主题发展的结构，可以说是成熟时期海顿的代表性作曲手法。第二乐章，行板，C大调，2/4拍子。即著名的“惊愕”的乐章。平缓的旋律之后突然出现一个乐队的强音，之后又进入平缓的旋律。第三乐章，小步舞曲，甚快板，G大调，3/4拍子。曲调诙谐，音乐富有活力。第四节章，终曲，急板，G大调，2/4拍子，奏鸣曲形式。主题具有鲜明的歌谣风味，略带有感伤的情调。

目录

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作者介绍

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文摘

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序言

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音乐理论与实践精粹：弦乐四重奏与管弦乐配器专题研究 本书系“全国音乐院校教学总谱系列”的又一力作，专注于对西方古典音乐核心曲目——弦乐四重奏与管弦乐队配器法的深入剖析与教学实践。全书旨在为高等音乐院校的作曲、指挥、音乐学及演奏专业的学生与教师提供一套系统、详尽的理论框架与丰富的实战案例，以期全面提升读者对音乐织体、配器技法及作品结构细微之处的理解与驾驭能力。 第一部分：弦乐四重奏的艺术与技法 本部分以十八世纪末至二十世纪初的经典弦乐四重奏文献为基础，构建了一套完整的分析与实践体系。我们选取了海顿、莫扎特、贝多芬的早期与晚期作品，以及勃拉姆斯、德彪西、肖斯塔科维奇的代表作作为核心研究对象。 第一章：弦乐四重奏的结构演变 本章首先追溯了弦乐四重奏从奏鸣曲式到严格复调结构的过渡。重点探讨了海顿如何确立了“四种独立声部相互对话”的原则，尤其关注其对引子（Introduction）和呈示部（Exposition）中主题呈述策略的创新。我们详细分析了莫扎特如何将歌唱性旋律融入对位结构中，并通过对位法的应用，如何实现声部之间的平衡与张力。贝多芬中晚期作品中的四重奏，如“大赋格”（Grosse Fuge），被作为分析焦点，探讨了其打破传统调性规范、运用复杂对位技术和非对称乐段结构的前瞻性。 第二章：声部处理与织体构建 深入探讨了作为四重奏核心的四个声部——第一提琴、第二提琴、中提琴和大提琴——在不同音乐语境下的功能变化。 第一提琴（Violin I）： 分析了其作为主导旋律声部的特点，包括高把位技巧的应用、装饰音的处理、以及在复杂对位中承担的主导角色。 第二提琴（Violin II）与中提琴（Viola）： 重点解析了这两个中声部的“粘合剂”作用。如何通过和声填充、模仿性对位以及节奏上的微妙差异，来支撑第一声部和确立低声部的基础。特别关注了中提琴在十九世纪浪漫主义作品中被赋予的独特音色和“歌唱性中音区”的运用。 大提琴（Cello）： 不仅是低音声部，更被视为与第一提琴平等的旋律伙伴。本章展示了如何通过大提琴的音域拓展和高把位独奏段落，拓宽四重奏的表现力。 第三章：演奏技巧与诠释的深度 本章侧重于实践层面，结合具体的乐谱片段，讲解弓法（如分弓、连弓、顿弓、跳弓的精确控制）、揉弦（Vibrato）的力度与速度对音色情感的影响，以及拨弦（Pizzicato）在不同力度的表现差异。此外，我们还探讨了作品的情感内核与历史背景对演奏诠释的指导意义，如如何理解“古典的克制”与“浪漫的激情”之间的平衡。 第二部分：管弦乐队配器的原理与实践 本部分是为有志于管弦乐配器的学习者准备的详尽指南，系统梳理了从巴洛克时期到现代的管弦乐队编制演变、各声部的音色特性以及如何实现声部间的和谐交融与对比。 第四章：管弦乐队的结构与功能 首先介绍了标准的浪漫主义晚期管弦乐队编制，包括木管组（长笛、双簧管、单簧管、巴松管及其变体）、铜管组（圆号、小号、长号、大号）、打击乐组和弦乐组的固定配置。 功能定位： 详细分析了每个声部在和声、旋律、节奏和音色对比中的核心功能。例如，圆号在连接木管与铜管、提供丰满和声背景方面的不可替代性；小号在需要清晰、辉煌的宣告性乐句中的作用。 第五章：木管组的色彩潜能 木管乐器以其丰富的音色变化著称。本章深入研究了： 单音与和弦的组合： 如何使用相近音色的乐器（如长笛与双簧管）进行八度叠加或三度、五度组合，以创造出更饱满、更具穿透力的旋律线。 变体乐器的运用： 探究了短笛、英国管、低音单簧管、低音巴松管等变体乐器在特殊音区和情感色彩渲染中的独特贡献。例如，英国管在表现忧郁、田园诗般的主题时所起的作用。 管乐重奏： 重点分析了木管五重奏的编制特点，以及如何在小型管乐织体中保持清晰的对位线条。 第六章：铜管组的力量与张力 铜管组是管弦乐队力量的源泉。本章着重于对铜管组的层次性控制： 音量控制（Dynamics）： 如何精确控制圆号在弱奏时的柔和性与长号在强奏时的宏大性。 音色变化： 详细分析了使用弱音器（Mutes）——如直音、闷音（Straight）、泛音（Harmonic）或“爵士弱音器”（Cup）——对小号和圆号音色的戏剧性改变。 和声的厚度： 探讨了如何通过不同铜管乐器在和声结构中的垂直堆叠，来构建出宏伟、庄严的和声效果。 第七章：弦乐组的深度织体与技巧扩展 弦乐组不仅是基础，更是配器法中变化最丰富的组成部分。 分奏（Divisi）： 详细阐述了不同分奏方式（如两部、三部或更多声部）对和声密度和音色明亮度的影响。 特殊演奏法（Extended Techniques）： 系统梳理了如低音提琴的拨弦、小提琴的靠近琴码演奏（Sul ponticello）以产生尖锐、空灵音色，以及靠近指板演奏（Sul tasto）以获得朦胧、柔和音色的技术应用。 音色混合： 分析了如何利用弦乐组内部的精细分配，来模仿人声的合唱效果，或者与木管乐器进行“音色渗透”，达到天衣无缝的过渡。 第八章：配器实例分析与风格模仿 本章通过对特定历史时期大师作品的精选片段进行解剖式分析，将理论付诸实践。 古典主义时期的清晰度（以莫扎特或海顿晚期交响曲为例）： 分析其配器如何服务于清晰的结构和透明的织体，强调木管乐器的“对话”功能而非单纯的音量增强。 浪漫主义时期的色彩（以德彪西或拉威尔的管弦乐作品为例）： 重点研究如何使用不常见的乐器组合（如阿尔特号、低音单簧管、竖琴、以及更广泛的打击乐群）来创造印象派特有的“色彩斑点”和模糊的调性感。 二十世纪配器的突破： 探讨了如何运用非传统音高、集群音（Tone Clusters）以及对传统配器法则的颠覆，来实现现代主义的听觉冲击力。 本书的编排旨在引导读者从分析者、演奏者和未来创作者的角度，多维度地掌握音乐的“物质构成”——即乐器的实际音响特性，从而真正理解和驾驭管弦乐与室内乐的复杂美学。

评分☆☆☆☆☆

我必须承认，从一个收藏家的角度来看，这本书的装帧设计是相当吸引人的。封面选择了非常典雅的深蓝色调，配上那种复古的花体字印刷，很有历史的厚重感。我本来对海顿“惊愕”交响曲的这个特定版本抱有极高的期待，因为系列名称听起来就很正规。然而，当我翻开内页，那种期望瞬间破灭了。纸张的质量非常一般，拿在手里总感觉软塌塌的，而且有一股淡淡的油墨味，让人不太舒服。更让人失望的是，尽管排版设计初衷可能是想追求“古典美学”，但在实际阅读时，字体大小和行距的调整极其不合理，导致在快速阅读复杂对位时，眼睛很容易疲劳。对于我这种需要长时间伏案分析乐谱的人来说，这本书的“视觉体验”简直是一种折磨。它更像是一个装在精美外壳里的普通出版物，内在的实用性远远低于它的外在包装所暗示的价值。

评分☆☆☆☆☆

这本乐谱的排版简直是灾难，完全不适合学习和演奏。音符之间的距离挤压得不成样子，尤其是那些快速的段落，简直就是一团乱麻，根本看不清楚。我本来是想买一本可以认真研究的教材，结果拿到手才发现，印刷质量也差强人意，有些小节的线条模糊不清，像被人用铅笔随便涂抹过一样。指板标记和指法提示少得可怜，对于初学者来说，这简直就是一本“天书”。我尝试在排练时使用，结果因为频繁地停下来辨认那些扭曲的音符，拖慢了整个乐队的进度，指挥的脸色都很难看。这本“教学总谱”的名称简直是个笑话，它更像是一个未经校对的草稿，而不是一个专业的音乐教育资源。如果真的想深入理解海顿的这部杰作，我强烈建议大家避开这个版本，去找那些经过严格编辑和印刷的权威版本。这本东西放在书架上，除了占地方，对我目前的学习没有任何实质性的帮助。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我购买这本书的动机更多是出于对特定历史版本的兴趣，希望能找到一些早期诠释的线索。然而，这本书的介绍文字极其空泛，除了罗列作者和作品编号外，对于这个“总谱”的版本来源、编辑团队背景、或者它在海顿研究史上的地位，几乎没有任何介绍。这对于一个想要深入研究这部作品演变历程的读者来说，简直是信息真空。我期待的是那种附带详细引言、解释早期演奏实践和版本差异的学术性导读，而不是这样一本只有“裸乐谱”的出版物。它缺乏一种与读者的“对话感”，仿佛只是冷冰冰地呈现了一堆音符，却吝啬于提供任何背景知识的滋养。它更像是一个未经修饰的资料堆砌，而非一本经过精心策划的学术工具书。

评分☆☆☆☆☆

这本书的定价，考虑到其最终呈现的质量，实在让人感到被“割韭菜”了。我不是说海顿的作品不值钱，而是说，一个在可读性、信息完整性和印刷质量上都存在明显缺陷的出版物，其售价应该与它的实用价值相匹配。特别是对于学生群体而言，他们需要的是清晰、耐用的学习资料，而不是这种阅读起来充满挫败感的版本。我试着用荧光笔标记重点，结果发现墨水在纸张上晕染得厉害，很多重要标记都被破坏了。这让我意识到，这本书的设计者似乎完全没有考虑到使用者在实际学习和练习中的需求。它更像是为书店的货架而生产的，而非为音乐家的书桌而存在的。如果出版商不能保证一个合格的“使用体验”，那么高价销售无疑是对消费者预算的一种不尊重。

评分☆☆☆☆☆

作为一名资深的管弦乐队指挥，我对乐谱的准确性和完整性有着近乎偏执的要求。翻阅这本所谓的“总谱”后，我发现了一些令人担忧的疏漏。首先是关于配器指示的细节缺失，比如某些木管乐器的弱奏力度标记模糊不清，这在处理海顿标志性的幽默和对比效果时是致命的。其次，在某些变奏部分的和声标记上，我发现了与我手中其他权威版本不一致的地方，这让我不得不花费额外的时间去交叉比对，以确定哪个版本才是作曲家的真实意图。教学总谱的核心价值在于其严谨性和指导性，但这本书似乎在编辑环节偷工减料了。它给我的感觉是，出版方可能仅仅是将一个较旧的、未经现代乐学研究修订的版本重新付印，而没有进行必要的学术审校。对于我这种需要带领乐团进行专业排练的人来说，这种不确定性是无法接受的，它极大地增加了我的教学难度和风险。