中国美术史·大师原典系列 龚贤·千岩万壑图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508666983

商品编码：10859285876

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：精装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：16开

出版时间：2016-09-01

用纸：胶版纸

内容简介

《千岩万壑图》纸本水墨，纵27.8厘米，横980厘米。描写千岩万壑，气势磅礴，山峦、高丘、林木、丛树、山涧、寒林、渔艇、农舍、清江、苇渚、野渡、空舟……场面繁复，然笔笔不懈，尽显出一种沉寂萧疏、清和静谧的美感。画风朴实，墨气深厚。

作者简介

龚贤（1618—1689），明末清初著名画家，金陵八大家之一。又名岂贤，字半千、半亩，号野遗，又号柴丈人、钟山野老，江苏昆山人，流寓金陵（今南京市），早年曾参加复社活动，明末战乱时外出漂泊流离，入清隐居不出，他与同时活跃于金陵地区的画家樊圻、高岑、邹喆、吴宏、叶欣、胡慥、谢荪等并称“金陵八家”。工山水，取法董源、吴镇，能重视写生，用墨层层染渍，浓郁苍润，自创一格。

内页插图

 

精彩书评

★这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。你爱这国家的什么？在无数可资援引的历史记中，眼下，请年轻人翻开这套画集。
——陈丹青（作家、画家、木心美术馆馆长）

★中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。
——孙机（国家文物鉴定委员会副主任委员）

★千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。
——张子康（中国美术馆副馆长）

中国近现代绘画发展史纲要 本书旨在为读者勾勒出一部清晰、深入的中国近现代绘画发展脉络图。 我们将目光投向自晚清至当代，这个中国社会经历剧烈变革、艺术思想与西方思潮激烈碰撞与融合的时代。本书不关注单一画家的个案研究，而是着力于从宏观视角，剖析中国画在面对“数千年未有之大变局”时，其内部结构、审美取向以及与社会环境的互动关系是如何被重塑与再定义的。 第一部分：晚清画坛的转型与冲突（约1840s – 1911） 晚清时期，随着西方列强的入侵和传统王朝秩序的瓦解，中国绘画领域也暗流涌动，酝酿着深刻的转型。 一、传统文人画的衰微与坚守： 尽管正统的四王画派影响力尚存，但其僵化的程式化和日益脱离现实的审美趣味，使其逐渐失去对时代精神的感召力。本书将详细分析“四王”体系在晚清末期的最后挣扎与内部裂痕，探讨他们如何试图以摹古来对抗时代的冲击。同时，我们也会考察以吴昌硕为代表的“后海派”力量，如何通过对金石入画、写意精神的重塑，为传统艺术注入新的生命力，标志着对僵化程式的一种有力反拨。 二、西学东渐对绘画观念的冲击： 随着西方写实主义绘画技法和透视学观念的传入，中国画内部产生了强烈的震动。早期留洋画家将油画的写实精神带回国内，引发了关于“素描中不中用中”的激烈争论。本书将梳理这些争论的哲学基础，分析早期“折衷主义”绘画的产生背景与特点，即试图在水墨的韵味与西法的结构之间寻找平衡点的努力。 三、新兴的社会题材与民间艺术的复苏： 传统精英艺术之外，都市商业文化和民间艺术开始以新的面貌进入视野。年画、月份牌等商业艺术的兴起，虽然在主流艺术史中常被边缘化，但它们在传播新观念、反映市民生活方面起到了不可忽视的作用。我们将分析这些新兴媒介如何影响了大众的视觉经验，并间接作用于专业画家的创作思路。 第二部分：民国时期的学院化与流派纷争（约1912 – 1949） 民国时期是中国现代美术教育体系的建立期，也是关于“中国画”何去何从的争论最为激烈的时期。 一、美育思想的导入与“新国画”的诞生： 蔡元培倡导的“美育代替宗教”理念，为艺术教育的独立性奠定了思想基础。中央大学、北京大学等高等学府设立美术系，标志着绘画教学开始走向规范化、系统化。本书重点分析陈独秀、徐悲鸿等人关于中国画改革的立场。徐悲鸿提出的“素描为体，中国画为用”的理论，以及他力主引入西方写实功底的实践，构成了当时美术界的主流思潮之一。 二、“整理国故”与“国画复兴运动”： 与激进的改革派相对立，以岭南画派、京津画派为代表，开始强调“整理国故”，强调在继承传统精髓（如写意精神、笔墨趣味）的基础上进行“创新”。岭南画派如何将西方光影和速写融入水墨，创造出清新明快的“折衷”面貌，以及京津画派如何继承和发展了清末的写意传统，构成了另一条重要的发展路径。 三、新国画的两次论战： 这一时期，关于“中国画界”的争论主要围绕两次“国画论战”展开。第一次论战聚焦于如何定位中国画的民族特性与世界性；第二次论战则更深入地探讨了水墨画的媒介本体论——“中国画”是否必须是“水墨的”？这些论战不仅是技法的争论，更是民族文化身份认同的焦虑体现。 第三部分：新中国成立后的艺术整合与发展（约1949 – 1978） 新中国的成立，为中国画的未来发展设定了全新的政治与社会框架。艺术被要求为工农兵服务，为社会主义建设服务。 一、现实主义的全面介入： 绘画的主题由过去的“山水花鸟”、“文人自娱”转向了“祖国建设”、“英雄模范”和“革命历史”。本书将分析“社会主义现实主义”思潮如何影响水墨画的创作。画家们不得不学习速写、素描的基本功，以期更准确地描绘现实生活和人物形象。 二、山水画的“时代精神”注入： 传统山水画遭遇了最大的题材危机——如何将“祖国的大好河山”描绘得既符合笔墨传统，又能体现新时代的宏大叙事？“时代山水”的形成，表现为对祖国山河的歌颂，构图上追求宏大叙事感，笔墨上则力图在传统写意与写实造型之间寻找结合点。 三、中国画的制度化建设： 随着中央美术学院等院校的专业设置日益完善，中国画的教学体系最终定型，确立了“学院派”的地位。这一阶段，官方对艺术的引导，促使了不同地域画派在新的体制下重新整合，形成了相对稳定的创作规范。 第四部分：改革开放以来的观念松动与多元探索（约1978 – 当代） 改革开放带来了思想的解放，艺术界开始全面回归对个体经验、媒介本体和文化身份的深刻反思。 一、对笔墨本体的回归与反思： 经历了多年的现实主义题材束缚后，艺术家重新将目光投向了水墨的“本体语言”。“水墨现代性”的探索成为主流。书画家们开始反思传统笔墨语言的潜力，试图在不诉诸具象叙事的情况下，通过点线面的纯粹变化来表达情感和观念。 二、中西融汇的深入与观念性介入： 抽象表现主义、极简主义等西方现代艺术思潮被更深入地引入中国画领域。一些画家开始尝试打破宣纸和水墨的物理限制，探索材料的边界，将观念表达置于传统技法之上。书法的自由形态被引入绘画，创造出更具张力和现代感的视觉效果。 三、文人画精神的当代转译： 在全球化语境下，传统文人画所蕴含的“士人精神”、“内省哲学”被重新发掘和转译。许多当代水墨艺术家试图通过对传统山水意境的解构与重构，来表达现代都市人精神上的疏离感和对文化根源的追溯。 本书通过对上述四个阶段的系统梳理，旨在揭示中国近现代绘画并非简单的“西学东渐”或“复古守旧”，而是一部在巨大社会压力下，不断进行自我定义、自我革新与艰难平衡的历史。它展现了中国画如何努力在全球艺术潮流中，保持其独特的东方韵味与哲学深度。

评分☆☆☆☆☆

我读过不少关于中国传统绘画理论的书籍，但这本书在叙事逻辑和知识体系的构建上，给了我一个全新的视角。它并没有采用那种平铺直叙、年代顺序的刻板编排方式，而是非常巧妙地将历史脉络与艺术家的精神世界、乃至当时的社会思潮紧密地编织在一起。阅读的过程中，我发现作者似乎更注重挖掘“为什么”而不是仅仅陈述“是什么”。他们对于特定历史时期士大夫阶层的心态变化、文人画理论的演进，阐述得深入浅出，逻辑链条清晰有力。尤其是在分析那些经典理论的细微差别时，那种鞭辟入里的解读，让我感觉自己仿佛跟随一位博学的导师，在历史的长河中穿梭，对那些看似抽象的“意境”、“气韵”有了更具体、更可感知的理解。这种深度的挖掘，远超出了普通普及读物的范畴，是真正有学问的体现。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计真是太用心了，从拿到手的那一刻起，就感受到了出版方对于艺术品保护和呈现的尊重。封面那雅致的色调和细腻的纹理，仿佛已经预示了内页中那些跨越时空的杰作。我尤其欣赏它在纸张选择上的考究，那种微微带有肌理感的厚重，让每一次翻页都成了一种仪式。不像有些画册，色彩印刷得过于饱和，失真严重，这本书的印刷质量高得惊人，即便是最细微的笔触变化，最微妙的墨韵过渡，都被精准地捕捉和还原了。光是看着那些高清的局部放大图，就如同亲眼目睹了古人挥毫泼墨时的现场，那种震撼感是纯粹的视觉享受。这不仅仅是一本印刷品，更像是一件值得收藏的艺术品本身，体现了中信出版社一贯的高标准和对阅读体验的极致追求。对于任何热爱传统艺术，追求高品质阅读体验的收藏家来说，这套书的物理呈现质量绝对是教科书级别的示范。

评分☆☆☆☆☆

从实用性的角度来说，这本书的索引和注释系统做得极其到位，这对于深入研究者和偶尔查阅的读者都非常友好。我注意到，对于一些关键的典故、难以辨认的题跋文字，作者都提供了详尽的考证和解释，极大地降低了阅读门槛。更难能可贵的是，它的参考书目部分极其丰富和专业，清晰地标明了每一处引文或观点的出处，这对于想要继续沿着这条线索进行学术探索的读者来说，无疑是开启下一扇大门的钥匙。这种对细节的极致负责，让这本书不仅是一次愉快的阅读体验，更是一份可靠的、值得信赖的研究工具书。它展现了出版者在学术严谨性上毫不妥协的态度，真正做到了雅俗共赏而不失专业深度。

评分☆☆☆☆☆

作为一个长期关注古代文人精神世界的爱好者，这本书中对于艺术家个人生活与创作心境的挖掘，深深地触动了我。它并没有将那些大师们描绘成高高在上的神祇，而是还原了他们作为有血有肉的文人所经历的矛盾、挣扎与超脱。在那些关于生活困顿、怀才不遇的记述中，我看到了艺术是如何从痛苦的土壤中汲取养分，最终绽放出永恒的光芒。这种侧重于“人”的叙事角度，使得冰冷的历史知识变得鲜活而富有情感张力。每当我读到某段描述艺术家心境的文字，我都会不由自主地停下来，想象他们当时的处境，那份跨越时空的共鸣感，是任何枯燥的知识点都无法比拟的，让阅读过程充满了人文关怀的温度。

评分☆☆☆☆☆

这本书的选材和编排，真的体现了一种深厚的“策展”功力。它不是简单地堆砌作品图片，而是通过精心选择的参照物和对比对象，来凸显主题人物艺术成就的独特性和开创性。我特别喜欢其中几处对不同流派之间微妙影响关系的梳理，那种如同抽丝剥茧般的比较分析，让人豁然开朗。比如，当作者讨论到某个时期山水画风格的转变时，他会立刻引用几幅不同地域、不同流派的作品进行横向对比，这种处理方式极大地增强了读者对艺术史发展的动态理解。它强迫你跳出孤立看作品的习惯，将每一幅画都放置在一个复杂的文化网络中去审视，这种全局观的构建，是自学艺术史最宝贵的一课。