中国美术史·大师原典系列 齐白石·折枝花卉图、四色梅花图 中信出版社 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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• 艺术史
• 中国画
• 传统艺术

店铺： 中信出版社官方旗舰店

出版社： 中信出版社

ISBN：9787508667027

商品编码：10871135165

品牌：中信出版（Citic Press）

包装：平装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：10开

出版时间：2016-09-01

用纸：纯质纸

产品特色

编辑推荐

齐白石，早年做木工出身，他把普通生活，画成了美丽新世界。

他以写意挥洒花卉树木，却用工笔细描飞蛾昆虫。

这是一种极为有趣的画面张力，一个令人震撼的视觉对比。

写意和工笔，完美的跨界糅合——齐白石做得如此天真而又极zhi！

内容简介

《折枝花卉图》纸本设色，纵46厘米，横369厘米。此卷描绘了紫藤、荷花、秋菊、红梅和牡丹。据说此画是齐白石破例为展览无偿捐赠，又在卷尾题写说：“东北博物馆将举办白石画展，余以衰老畏远，不能躬与其盛，为作此长卷寄之。有解人当知，此乃余生平破例也。”

《四色梅花图》绢本设色，纵24厘米，横269厘米。此卷描绘了四色梅花，即红梅、墨梅、腊梅、绿梅，在白石的作品中十分罕见。 齐白石画梅参以青藤、八大、金冬心、黄慎、扬补之、吴昌硕等诸家笔法。本卷布局疏密有致，枝花交错，开阖自如。行笔以篆法写枝，雄浑奔放，法度严谨。梅花四色，着彩淡雅，艳而不俗。整幅章法巧妙，以两段题跋穿插在梅花之中，在构图上起到了调整节奏，舒缓起伏的作用。笔法则强劲有力，气韵自然透逸。

作者简介

齐白石（1864─1957），原名纯芝，字渭青，后改名璜，字濒生，号白石、白石山翁。湖南湘潭人。近现代中国画大师，世界文化名人。早年曾为木工，后以卖画为生，五十七岁后定居北京。擅画花鸟、虫鱼、山水、人物，衰年变法，笔墨雄浑滋润，色彩浓艳明快，造型简练生动，意境淳厚朴实。所作鱼虾虫蟹，天趣横生。其书工篆隶，取法秦汉碑版，行书饶古拙之趣，篆刻自成一家，亦能诗文。曾任中央美术学院名誉教授、中国美术家协会主席等职。

内页插图

 

精彩书评

这批画集属于所有愿意认知华夏绘画的人。其功德，不仅仅是在赏阅，而在实实在在的爱国主义教育。

你爱这国家的什么？在无数可资援引的历史记忆中，眼下，请年轻人翻开这套画集。

——作家、画家、木心美术馆馆长 陈丹青

中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。

——国家文物鉴定委员会副主任委员 孙机

千百年来，这些杰作征服了无数观众，已成为华夏民族的美学基因、东方文明的背景符号！

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。

——中国美术馆副馆长 张子康

 

中国山水画的时代回响：宋元以来的文人情趣与笔墨演变 图书名称： 《中国山水画的时代回响：宋元以来的文人情趣与笔墨演变》 作者：（虚构）李文瀚 出版社：（虚构）翰墨轩文化 ISBN：（虚构）978-7-8888-6652-1 --- 书籍简介： 一部深邃而富有洞察力的中国山水画通史，聚焦于文人精神的流变与笔墨语言的创新。 本书并非简单地罗列历代名家及其作品，而是致力于探究中国山水画自宋代文人画兴起，历经元代确立、明清迭代，直至近现代转型过程中，其内在的哲学思辨、审美趣味（即“文人情趣”）是如何与外在的笔墨技法（“笔墨演变”）相互影响、共同塑造了这一艺术门类的独特面貌。 第一部分：宋代的酝酿与文人画的肇始（约350字） 本书开篇追溯至北宋，聚焦于那些在宫廷院体画的鼎盛期中，开始萌发独立精神的士大夫画家。我们探讨了范宽、郭熙等巨匠如何通过对北方山川的“可观性”描绘，奠定了山水画的写实基础，但更重要的是，我们深入分析了苏轼及其朋友圈所提出的“论画以形似，见与儿童邻”的观点，这标志着艺术评价标准从技法向意趣的根本性转移。 着重分析了米芾父子如何将“尚意”理论推向实践，他们对金石学和书法笔意的引入，为日后元代文人画的全面确立提供了关键的理论准备和技术范式。此阶段，山水画开始承载起文人寄托家国兴亡、个体孤独的复杂情怀，不再仅仅是风景的再现，而是“胸中山水”的表达。 第二部分：元代的精神确立与笔墨的解放（约400字） 元代是本书着墨的重点之一。面对“易姓改号”的政治剧变，山水画成为传统士大夫阶层表达气节、维护文化身份的核心载体。“元四家”——黄公望、倪瓒、吴镇、王蒙——并非简单的风格模仿者，而是深刻的文化符号构建者。 我们详细解析了“四王”所继承的笔墨语汇的源流。例如，黄公望的“皴法自成一家”如何吸收了董源、巨然的披麻皴，并赋予其更加松动、随性的笔致，体现了“不求形似，但求神似”的极致追求。倪瓒的“折芦衰木”并非衰败的象征，而是一种极简主义的审美宣言，通过大面积的“空白”来强调精神的超脱与遗世独立。 本书对“元四家”的师承关系进行了细致梳理，揭示了他们如何共同构建了一个封闭而强大的文人画谱系，将绘画从应酬的工具转变为自我修养的途径。同时，也探讨了陈与义、王蒙等人在复杂皴法上所展现出的“郁勃之气”，与倪瓒的“萧疏之境”所形成的辩证关系。 第三部分：明清的继承、演变与流派纷争（约450字） 进入明代，山水画的审美进入了“复古”与“创新”的拉锯战。以“吴门画派”为代表的江南文人，在继承元代遗风的基础上，进一步将笔墨的“写意”推向高峰。沈周、文徵明、唐寅、仇英四人的风格分野，清晰地展现了写意与院体、雅逸与世俗间的张力。 本书特别关注了董其昌的“南北宗论”。我们认为，董其昌的理论不仅是对历史的划分，更是对当时画坛审美取向的强力引导——即明确倡导以董源、巨然、元四家为正统的“文人南宗”，强调笔墨内在的精神性，对后世影响深远。 清代的山水画则呈现出“集大成”后的再探寻。以“四王”（王时敏、王鉴、王翚、王原祁）为核心的“正统派”，通过对前代笔墨的精审、集注和“集大成”，试图在既有范式内寻求结构与笔墨的极致。然而，这种高度理性化的继承，也催生了反拨力量——以石涛、八大山人为代表的“个性派”。石涛的“我自发我之胸臆”和对笔墨的“破墨”“泼墨”的激进探索，是对僵化程式的有力冲击。八大山人则以其高度凝练、寓意深远的符号化笔墨，展现了清初士人内心深处的孤愤与哲思。 第四部分：笔墨的现代化转向与当代价值（约300字） 全书最后一部分探讨了清末民初，在西方文化和照相技术冲击下，传统山水画所面临的危机与转型。对“笔墨当随时代”的呼唤，使得画家们开始在传统笔墨的根基上寻找新的表现力。 我们分析了近现代大师们如何重新审视宋人的宏大结构与元人的写意精神，并尝试将西方绘画的空间处理和色彩观念融入到传统水墨之中。这不仅是技法的融合，更是文人精神面对现代性挑战时，所采取的一种文化自救与重塑。 结语： 本书旨在引导读者超越对单一作品形式的欣赏，深入理解山水画作为中国知识分子精神史的载体功能。通过对宋元以来文人情趣的变迁和笔墨语言的演进脉络进行细致梳理，我们试图勾勒出一幅动态的、充满生命力的艺术画卷，揭示为何这些古老的笔墨语言至今仍能触动人心。它是一本献给所有热爱中国传统艺术、渴望理解“笔墨背后精神”的读者的深度阅读之选。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计简直是艺术品级别的享受，从拿到手的那一刻起，就被它散发出的典雅气质所吸引。封面材质的触感温润而厚重，配合着精美的烫金或局部UV工艺，将标题“中国美术史·大师原典系列”的厚重感与齐白石这位艺术巨匠的地位完美融合。内页的纸张选择也极其考究，那种微微泛黄的米白色调，不仅最大程度地还原了原作的年代感和墨韵，还极大地保护了读者的视力，长时间阅读下来眼睛也不会感到疲劳。尤其是那些高清印刷的画作局部特写，墨色的浓淡变化、笔触的干湿浓淡，都展现得淋漓尽致，仿佛能触摸到大师作画时的气息。这种对细节的极致追求，体现了出版社在出版经典艺术书籍时所抱持的敬畏之心。翻阅间，不仅仅是在阅读历史，更像是在进行一场与大师跨越时空的对话，每一次指尖拂过画面的过程，都是对艺术审美的熏陶与提升。这种将艺术品转化为可触摸、可阅读的实物体验，是许多普通艺术画册难以企及的高度，无疑为这套系列定下了极高的基调。

评分☆☆☆☆☆

作为一名长期关注中国传统艺术的爱好者，我发现这套“大师原典系列”在学术考据上的严谨性是毋庸置疑的。出版方似乎投入了巨大的精力去搜集和比对不同版本的画作资料，力求呈现出最接近原作面貌的版本。这一点从插图中对颜色的还原度上就可以窥见一斑。传统水墨画中最难表现的就是墨色的微妙变化和水印的渗透效果，但在这本书中，即便是那些年代久远的精品，其“润”、“枯”、“涨”、“飞白”的笔墨特征也得到了极好的保留。这种对“真迹”的执着，使得这本书不仅是一本供人欣赏的画集，更可以作为研究近现代中国画材料、技法和保存状况的重要参考资料，其历史文献价值不言而喻。

评分☆☆☆☆☆

阅读这套书的过程，更像是一次深入的、非线性的艺术史田野考察。它不满足于仅仅罗列年代和流派，而是真正深入到齐白石这位艺术家的精神世界和技法演变之中。作者的叙述角度非常新颖，他们似乎并没有将齐白石视为一个遥不可及的“神坛人物”，而是把他放置在具体的历史语境和社会变迁中去观察和解读。比如，书中对齐白石早年“衰年变法”的论述，分析得鞭辟入里，结合当时的社会思潮和画家自身的审美追求，阐释了他是如何挣脱传统束缚，最终熔铸出那种“红花墨叶”的独特面貌。文字的穿透力极强，既有学术的严谨性，又不失文学的韵味，读起来酣畅淋漓，完全没有那种枯燥的学院派气息。对于想要真正理解中国近现代艺术如何从传统走向现代的读者来说，这本书提供的不是简单的知识点，而是一套完整的思维框架和解读钥匙。

评分☆☆☆☆☆

我特别欣赏书中对于艺术鉴赏的引导方式，它教会了我如何“看”一幅画，而不是仅仅“认识”一幅画。不同于那些只提供大图和简单注释的图册，这里的每一幅作品旁边都配有细致入微的导读。这些导读不仅仅停留在对题材（比如梅花、花卉）的简单描述上，更深入探讨了作者在构图上的匠心独运、用墨的层次变化，甚至是如何通过题跋来完善作品意境的。例如，当解读“折枝花卉图”时，书中会特意对比齐白石不同时期的画法，指出他如何通过对枝干的“拙”与花朵的“活”的对比，来营造出一种既浑厚又灵动的生命力。这种细致的剖析，极大地提升了我个人的审美鉴赏能力，让我体会到中国画那种“计白当黑”、“虚实相生”的东方哲学意蕴，是真正意义上的“活学活用”。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最深层次的感受，是一种精神上的洗礼和对生活态度的重新审视。齐白石先生的艺术生命力，很大程度上来源于他对民间生活的热爱和对自然万物的真挚情感，他笔下的花鸟虫鱼，无一不是充满了“烟火气”和生命的热情。通过这本书，我仿佛能感受到那种从乡土中汲取力量的朴素哲学。在当今这个节奏越来越快、审美趋于同质化的时代，重温齐白石那种大巧若拙、率真自然的艺术境界，让人心神安定，重新审视什么才是真正有价值、有生命力的美。它提醒着我们，真正的艺术源于生活，回归本真，才能创作出具有永恒魅力的作品。读完后，我感觉自己对“美”的定义都变得更宽广、更接地气了。