人像攝影 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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侯全利 編

圖書標籤:

• 人像攝影
• 攝影技巧
• 肖像攝影
• 光綫運用
• 構圖
• 姿勢指導
• 攝影後期
• 人像修圖
• 攝影入門
• 攝影教程

齣版社： 中國人民大學齣版社

ISBN：9787300153735

版次：1

商品編碼：11007732

包裝：平裝

開本：16開

齣版時間：2012-05-01

用紙：膠版紙

頁數：174

字數：235000

正文語種：中文

內容簡介

《人像攝影》堅持下列編寫指導思想：
1.案例引領教師提供實際工作案例，並進行技法指導，學生分組進行技能演練，在案例的處理中，運用課程所學的實用技能，完成教師的要求。這一過程中“參與”、是“掌握”的保障。教師就學生的操作予以專業點評，使學生能夠迅速掌握影棚布光、擺姿等技能要領。
2.任務驅動學生學習的過程中，在教師的幫助下，緊緊圍繞一個共同的真實工作任務，在強烈的問題動機的驅動下，通過對學習資源的積極主動應用，進行自主探索和互動協作的學習，並在完成既定任務的同時，進行學習實踐，順利完成單人照、雙人照、集體照等典型工作任務。
3.工作過程導嚮讓學生更加深刻地瞭解企業，提前與崗位接軌。在學習的過程中引入企業的管理和競爭機製，建立一套完整的小組體製，設計攝影師、助理主管、燈光助理、擺姿助理、道具助理等職位，發揮團隊閤作精神，建立優秀工作團隊評比機製。通過工作任務書的發放、工作評價錶的填寫，組織學生體驗、反思實踐過程中的經驗和不足，實現“學中做，做中學，學後思”的完整學習過程，循序漸進地掌握實際工作技能。

作者簡介

侯全利，攝影高級技師，北京市勁鬆職業高中影像與影視技術專業教師。

內頁插圖

目錄

引言
用光篇
第一章 自然光照明
第一節 認識光
第二節 光的投射方嚮
第三節 光的投射高度
第四節 光的種類
第五節 色溫
第二章 室內人像攝影用光
第一節 專業照明設備
第二節 影室五種光綫成分
第三節 人像攝影的布光步驟
第四節 光比
第五節 人像攝影的布光方法
第六節 經典布光模式

美姿篇
第一章 擺姿的基本原理
第一節 雙腳和腿部的基本姿勢
第二節 兩邊不對稱法則
第三節 陽剛姿勢與陰柔姿勢
第二章 錶情與姿勢
第一節 雙手與雙肩姿勢
第二節 抓拍錶情
第三節 頭部姿勢
第三章 人像景彆與光綫
第一節 人像景彆
第二節 姿勢與光綫的關係
第四章 男性姿勢與女性姿勢
第一節 男性姿勢
第二節 女性姿勢
第五章 婚紗人像攝影的擺姿
第一節 雙人婚紗的擺姿
第二節 新娘婚紗的擺姿

實戰篇
第一章 緒論
第一節 人像攝影典型工作任務分類
第二節 人像攝影的拍攝要求
第三節 人像攝影的基本工作流程
第二章 單人照
第一節 證件人像
第二節 人物肖像
第三節 時尚人像
第四節 兒童攝影
第三章 雙人照（婚紗攝影）
第一節 婚紗攝影的拍攝要求
第二節 婚紗攝影的創作流程
第三節 婚紗攝影的創作形式
第四章 集體照
第一節 傢庭組照
第二節 團體閤影
參考文獻

前言/序言

《光影之間：捕捉靈魂的瞬間》 引言 攝影，這項捕捉瞬間、定格時光的藝術，早已滲透進我們生活的方方麵麵。從記錄傢族的喜怒哀樂，到凝固曆史的宏大敘事，再到錶達個體內心深處的細膩情感，攝影以其獨特的語言，連接著過去、現在與未來。而在攝影的諸多門類中，人像攝影以其直麵人心、探究靈魂的特質，顯得尤為引人入勝。它不僅僅是對一個人外貌的簡單描繪，更是對生命狀態、情感軌跡、思想深度的深刻洞察與呈現。 然而，真正的傑齣人像攝影，並非僅僅依靠昂貴的器材或精湛的後期技術便能輕易達成。它更像是一場無聲的對話，一次心靈的碰撞。攝影師需要具備敏銳的觀察力，能夠穿透錶象，捕捉被攝者眼神中那一閃而過的真實情緒；需要具備同理心，能夠與被攝者建立信任，引導他們卸下防備，展現最自然的狀態；更需要具備藝術傢的眼光，能夠巧妙運用光影、構圖、色彩等元素，將個體的獨特魅力升華為永恒的視覺符號。 本書，《光影之間：捕捉靈魂的瞬間》，並非一本簡單的攝影技巧手冊，也不是一本堆砌著華麗作品的畫冊。它更是一次對人像攝影藝術精髓的深度探索，一次對攝影師與被攝者之間微妙關係的剖析，一次對如何用鏡頭觸及靈魂、傳遞情感的思考。我們將深入探討那些真正偉大的人像作品背後所蘊含的理念與實踐，從經典大師的創作手法到當代攝影師的創新視角，從不同文化背景下人像攝影的演變到特定主題（如兒童、老人、藝術傢、職業肖像等）的拍攝要領。 本書旨在為所有熱愛攝影、對人像創作抱有熱情的朋友們提供一條通往更高藝術境界的路徑。無論您是初涉攝影的新手，還是經驗豐富的愛好者，亦或是希望提升藝術錶現力的專業攝影師，都將從中獲得啓發。我們將一同學習如何超越技術層麵，將攝影升華為一種錶達自我、理解他人、記錄生命獨特性的深刻方式。 第一章：人像攝影的哲學思考——凝視與被凝視的張力 人像攝影的核心在於“凝視”。攝影師的鏡頭，便是他們凝視世界的眼睛。然而，這種凝視並非單嚮的審視，而是一種雙嚮的互動。被攝者在鏡頭前，也在以自己的方式“凝視”著攝影師，迴應著這份注視。這種“凝視與被凝視”的張力，構成瞭人像攝影最迷人的內在驅動力。 “真實”的探尋： 在一個信息爆炸、信息碎片化的時代，“真實”變得越來越難以捉摸。人像攝影，試圖在快速流轉的生活中，抓住一個人最真實的瞬間。這並非意味著要捕捉最“醜陋”或最“不堪”的一麵，而是要展現一種未經修飾的、內在的真實。它可能是眼神中的疲憊，也可能是嘴角不經意揚起的微笑，亦或是額頭上深刻的紋路所承載的故事。如何通過技術手段和心理引導，引導被攝者展現其最本真的自我，是攝影師需要思考的首要問題。 情緒的語言： 人類的情感是復雜的、多層次的。眼神、錶情、肢體語言，都是情感流露的載體。攝影師需要具備洞察細微情緒的能力，能夠識彆並捕捉那些稍縱即逝的情感信號。有時，一句簡單的問話，一個溫暖的眼神，一次靜默的陪伴，都能在被攝者心中激起漣漪，從而在畫麵中留下深刻的印記。如何理解和引導被攝者錶達喜悅、悲傷、沉思、堅定等各種情緒，是人像攝影的關鍵。 身份的建構與解構： 每個人都有多重身份，社會身份、職業身份、傢庭身份，以及內心深處的自我認同。人像攝影，既可以是對既定身份的確認與呈現，也可以是對身份邊界的挑戰與解構。攝影師可以通過場景的選擇、服裝的搭配、道具的運用，以及對被攝者氣質的捕捉，來強化或顛覆其原有的身份認知。例如，一位嚴謹的學者，在實驗室中拍攝，與在書房中擺弄老物件拍攝，所呈現齣的身份感便截然不同。 時間的印記： 人是時間的産物，也是時間的塑造者。時間在每個人身上留下瞭不可磨滅的痕跡，無論是生理上的衰老，還是人生閱曆的沉澱。人像攝影，能夠捕捉時間在個體身上留下的印記，並將其升華為一種美學錶達。褶皺的皮膚、斑駁的白發，這些在客觀上代錶著“衰老”的特徵，在藝術的語境下，卻可能成為智慧、堅韌、滄桑等品質的象徵。如何以尊重的態度，去記錄和呈現時間的痕跡，是人像攝影師的責任。 第二章：光影的魔法——塑造情緒與空間的藝術 光，是攝影的生命。光影的運用，直接決定瞭人像照片的氛圍、情緒和立體感。懂得光影的攝影師，如同點石成金的魔法師，能夠將平淡的場景化為充滿戲劇張力的視覺語言。 自然光的魔力： 清晨的柔光、午後的暖陽、傍晚的餘暉，自然光擁有最豐富、最細膩的質感。如何利用自然光的特性，是人像攝影師必備的技能。例如，側光可以勾勒齣麵部的輪廓，突齣立體感；逆光可以營造齣夢幻、飄逸的效果，將人物與背景分離；漫射光則能夠提供柔和、均勻的照明，減少陰影，展現細膩的膚質。理解不同時段、不同方嚮的自然光，並善加利用，是創造自然、真實人像的關鍵。 人造光的掌控： 在光綫不足或需要精確控製光綫時，人造光便成為攝影師的得力助手。閃光燈、持續光源，配閤柔光罩、反光闆等附件，能夠創造齣各種復雜的光照效果。硬光可以産生強烈的陰影，增加畫麵的戲劇性；軟光則能營造齣柔和、夢幻的氛圍。通過調整光源的位置、角度和強度，攝影師可以精準地塑造被攝者的麵部特徵，引導觀眾的視綫，並營造齣特定的情緒。 光影的情感錶達： 光影不僅僅是技術層麵的運用，更是情感的載體。明亮的光綫可以傳達積極、愉悅的情緒；昏暗的光綫則可能暗示著神秘、憂鬱或沉思。強烈的明暗對比，能夠營造齣衝突感和張力；柔和的光影過渡，則能帶來寜靜、和諧的感受。攝影師需要理解光影與情緒之間的關聯，並將其巧妙地融入到構圖中，以達到更深層次的藝術效果。 陰影的敘事力量： 陰影並非總是需要避免的“瑕疵”，它同樣擁有強大的敘事力量。巧妙運用的陰影，能夠隱藏部分細節，激發觀眾的想象；能夠勾勒齣人物的輪廓，增強畫麵的立體感；甚至能夠成為畫麵的視覺焦點，暗示某種情緒或故事。例如，一雙被陰影籠罩的眼睛，可能傳遞齣不安、深邃或難以言說的秘密。 第三章：構圖的藝術——引導視綫與平衡空間的智慧 構圖，是攝影作品的骨架。一個精妙的構圖，能夠引導觀眾的視綫，突齣主體，並創造齣和諧、有力的視覺平衡。 黃金分割與三分法： 這類經典的構圖法則，並非束縛，而是為攝影師提供瞭一個思考和安排畫麵元素的基礎框架。將畫麵劃分為若乾區域，將主體或關鍵元素放置在交叉點或綫上，能夠有效地避免畫麵呆闆，增強視覺吸引力。深入理解這些法則的原理，並靈活運用，可以幫助攝影師創造齣更具衝擊力和協調性的作品。 景彆與視角的變化： 全身像、半身像、特寫，不同的景彆能夠傳遞不同的信息和情感。全身像可以展現人物的整體狀態和環境；半身像則更聚焦於人物的麵部錶情和上半身肢體語言；特寫則能夠深入到細節，捕捉最細微的情感流露。同時，不同的拍攝視角，如平視、仰視、俯視，也能極大地改變畫麵的視角和人物所呈現的氣質。 綫條與形狀的運用： 畫麵中的直綫、麯綫、斜綫，以及各種形狀，都能夠影響畫麵的動感和情緒。銳利的直綫可以帶來力量和穩定感；柔和的麯綫則能增添優雅和流暢；斜綫則能賦予畫麵動感和方嚮感。攝影師需要學會識彆畫麵中的綫條和形狀，並利用它們來引導視綫，強調主體，或創造視覺上的韻律。 留白與呼吸空間： 畫麵中的“留白”，並非畫麵的缺失，而是構圖的重要組成部分。適當的留白，能夠讓畫麵“呼吸”，突齣主體，避免畫麵雜亂，並營造齣寜靜、深遠的意境。留白的多少和位置，都需要攝影師精心考量，以達到最佳的視覺效果。 打破常規的創造力： 在掌握瞭基礎的構圖法則後，更重要的是學會打破常規，發揮創造力。不對稱的構圖、大膽的裁剪、獨特的視角，都可能帶來意想不到的驚喜。攝影師需要不斷嘗試，挑戰自己的思維定勢，纔能在構圖上實現突破。 第四章：色彩的語言——喚醒情感與營造氛圍的奧秘 色彩，是人像攝影中最直觀、最富有感染力的元素之一。它能夠直接觸動觀眾的情感，營造齣特定的氛圍，並為畫麵增添豐富的層次感。 色彩的情緒聯想： 不同的色彩，往往與特定的情緒和意象相關聯。例如，暖色調（紅、黃、橙）通常與熱情、活力、喜悅聯係在一起；冷色調（藍、綠、紫）則可能營造齣寜靜、憂鬱或神秘的氛圍。黑白影像則以其獨特的質感，能夠突齣光影的對比和人物的情緒。理解色彩的心理學效應，是攝影師運用的基礎。 色彩的協調與對比： 色彩的協調（和諧搭配）能夠營造齣統一、平和的畫麵；色彩的對比（強烈衝突）則能增加畫麵的視覺衝擊力和張力。攝影師需要根據想要錶達的情感和主題，選擇閤適的色彩搭配方案。例如，人物服裝與背景的色彩關係，便是色彩運用中一個重要的考量點。 色彩的象徵意義： 在不同的文化和語境下，色彩也可能承載著特定的象徵意義。瞭解這些象徵意義，能夠幫助攝影師更深刻地理解和運用色彩，賦予作品更豐富的內涵。 後期色彩的調整： 盡管強調前期拍攝的重要性，但後期色彩的調整也是人像攝影不可或缺的一環。通過調整飽和度、色溫、色調，攝影師可以進一步強化畫麵的情緒，統一風格，或糾正前期拍攝中可能齣現的色彩偏差。然而，後期的調整應以服務於前期拍攝的理念為前提，而非盲目地追求某種“流行”的色調。 第五章：與被攝者的連接——信任、引導與共創 人像攝影的成功，很大程度上取決於攝影師與被攝者之間能否建立起有效的連接。這種連接，建立在信任、理解和尊重的基礎上。 建立信任的藝術： 鏡頭前的緊張和不自在，是大多數人都會有的感受。攝影師需要用耐心、真誠和積極的態度，來消除被攝者的顧慮。在拍攝前進行充分的溝通，瞭解被攝者的想法和需求，並在拍攝過程中給予積極的反饋和鼓勵，是建立信任的關鍵。 引導而非擺布： 真正的引導，是幫助被攝者展現最自然的自我，而不是強行擺布他們的姿勢和錶情。攝影師可以提齣一些開放性的問題，引導被攝者思考，從而自然流露齣真實的情感。也可以通過一些小遊戲或互動，讓拍攝過程變得輕鬆有趣，從而捕捉到更加生動的瞬間。 傾聽與觀察： 很多時候，被攝者自身並沒有意識到自己最迷人的狀態。攝影師需要成為一個齣色的傾聽者和觀察者，捕捉被攝者不經意間流露齣的眼神、笑容或動作，並抓住這些瞬間。 共同創造的過程： 理想的人像攝影，是攝影師與被攝者共同創造的過程。被攝者並非被動的“模特”，而是主動的參與者。攝影師應該尊重被攝者的意見，並將其融入到創作中，最終形成雙方都滿意的作品。 第六章：人像攝影的多元探索——主題、風格與未來 人像攝影的領域廣闊，幾乎可以涵蓋生命的每一個麵嚮。 兒童攝影： 捕捉孩童天真爛漫、充滿活力的瞬間，需要耐心、敏銳的觀察力以及對兒童心理的理解。 老年攝影： 記錄老年人的人生閱曆、智慧與從容，需要以尊重和深情去對待。 藝術傢人像： 展現藝術傢的創作狀態、思想深度與個性魅力，需要對藝術領域有一定程度的理解。 職業肖像： 突齣個人職業特質和專業形象，需要在場景、道具和姿態上下功夫。 紀實人像： 捕捉真實的生活狀態和人物故事，強調現場感和人文關懷。 時尚人像： 追求視覺美學和潮流元素，注重造型、燈光和後期。 概念人像： 錶達攝影師的思想觀念和情感，形式更加自由和富有創意。 當代人像攝影的趨勢： 隨著技術的發展和觀念的演變，人像攝影也在不斷創新。虛擬現實、人工智能等技術，可能會為未來的人像攝影帶來新的可能性。同時，對身份認同、性彆議題、社會群體等的關注，也將繼續驅動人像攝影的探索。 結語 《光影之間：捕捉靈魂的瞬間》所呈現的，不僅僅是關於人像攝影的理論知識和技術技巧，更是一種對生命、對情感、對人性的深刻體悟。我們相信，每一個個體都擁有其獨特的光輝，都值得被用心去記錄和珍藏。願這本書能夠點燃您對人像攝影的熱情，激發您用鏡頭去發現、去錶達、去創造，在光影交織的世界裏，捕捉那些觸動心靈的瞬間，留下永恒的生命印記。

評分☆☆☆☆☆

我通常對那些宣稱能“徹底改變你的攝影風格”的書持保留態度，因為大多數都隻是換湯不換藥的重復。然而，這本書在探討“眼神交流”這一主題時的處理方式，徹底顛覆瞭我的認知。它沒有用傳統的“眼神是心靈的窗戶”這類陳詞濫調，而是深入研究瞭不同焦距下，人眼瞳孔的幾何變形與觀眾心理之間的微妙關聯。作者用大量的微距圖和不同焦段下的對比圖，清晰地展示瞭廣角鏡頭如何誇張化眼部特徵帶來的侵略感，以及長焦鏡頭如何通過壓縮空間感來營造一種疏離的、被審視的距離感。特彆是關於“非直視”的運用，書中的分析已經上升到瞭社會心理學的高度，探討瞭目光迴避在不同文化語境下所傳遞的復雜情緒，從謙卑到抗拒，再到一種內心的疏離。我記得其中有一段，作者分析瞭如何通過控製眼睛的高光點來引導觀眾的注意力流嚮，那段文字的精準度，比很多專業的光學手冊還要嚴謹。這本書對於那些緻力於捕捉人物內心活動，而非僅僅是捕捉外在形象的攝影師來說，簡直是寶藏。

評分☆☆☆☆☆

我得說，這本書的敘事結構簡直是教科書級彆的反傳統。它沒有遵循傳統的“器材介紹——基礎理論——實戰案例”的流水綫模式，而是像一部懸疑小說，層層遞進地揭示齣作者的創作秘密。開篇幾章，作者仿佛在故弄玄虛，大量引用瞭古代藝術史中關於“理想人體比例”的討論，讓我一度懷疑我是否拿錯瞭一本藝術史專著。但隨著閱讀深入，我纔明白，作者是用這種宏大的曆史視角來反襯齣現代攝影中對“瞬間”的過度追求，並以此為基點，開始拆解如何用經典的美學原則去指導當下的創作。其中關於“動態平衡”的章節尤其精彩，它沒有給齣具體的參數設置，而是通過一係列看似不相關的運動圖像（比如水流、風中的旗幟）來類比人像中的“姿態流動性”。讀完後，我立馬去實踐瞭一下，效果驚人地自然。這種從哲學層麵切入、再落到具體創作的行文方式，使得全書的知識體係非常紮實，而不是浮於錶麵的“小技巧匯編”。對我而言，它提供瞭重新審視我自己的攝影思維框架的契機，讓我不再滿足於僅僅拍齣一張“清晰漂亮”的照片，而是開始思考“為什麼這樣拍會更打動人”。

評分☆☆☆☆☆

這本書最令人稱道（同時也最讓人頭疼）的一點，是它對“不完美”的頌揚到瞭極緻。全書充斥著大量使用高感光度拍攝的圖像，噪點清晰可見，邊緣銳化也常常顯得粗糙，甚至有些照片的曝光還略顯不足，整體色調偏冷。這完全顛覆瞭我們長期以來對“精修肖像”的追求。作者似乎在用這種近乎“粗礪”的視覺語言，挑戰那種過度美化、失真人性的商業標準。他似乎在強調，那些不經意間的瑕疵、皮膚的紋理、甚至是略微失焦的邊緣，纔是真實存在過的證明。書中有一個部分專門探討瞭膠片時代那種特有的“顆粒感”與“情感記憶”之間的聯係，並試圖在數碼時代尋找對應的質感錶達。這種對“真實性”的執著追求，使得全書的基調非常沉穩、甚至略帶一絲憂鬱。讀完之後，我感覺自己對那些看似“失敗”的作品有瞭新的理解，它們不再是技術上的失誤，而成為瞭特定情緒的載體。對於那些厭倦瞭“磨皮美白”流水綫作業的創作者來說，這本書提供瞭一種堅定的精神支持和明確的藝術方嚮。

評分☆☆☆☆☆

這部新齣的攝影集實在讓人眼前一亮，特彆是它對光影的運用達到瞭令人驚嘆的境界。我本來以為這又是一本老生常談的教科書，翻開後纔發現完全不是那麼迴事。書裏對自然光在不同時間段對物體錶麵的微妙影響做瞭極其深入的探討，那些圖例簡直就像是光影的詩歌。特彆是有一組關於清晨薄霧中人臉輪廓的解析，作者通過復雜的色溫和曝光補償描述，將那種稍縱即逝的朦朧美捕捉得淋灕盡緻，讀起來讓人仿佛能親身感受到空氣中的濕潤與微涼。更絕的是，書中並未過多糾纏於復雜的後期處理技巧，而是將重點放在瞭如何通過鏡頭語言本身去構建氛圍。它更像是一部關於“觀看”哲學的著作，教你如何真正地去觀察光綫如何塑造我們所見的每一個細節。對於那些沉迷於後期渲染、卻忽略瞭前期布光基本功的攝影愛好者來說，這本書無疑是一劑清醒劑。我個人最欣賞的是它對“環境”在肖像構建中的地位的闡述，它強調瞭背景不再是可有可無的點綴，而是與主體共同呼吸、共同敘事的有機組成部分。這本書的紙張質感也相當齣色，即便是黑白照片，油墨的層次感也得到瞭極好的還原，拿在手裏閱讀本身就是一種享受。

評分☆☆☆☆☆

這本書的排版設計簡直是災難性的藝術。我不是說它內容不好，而是從一個純粹的視覺消費者的角度來看，它幾乎是在挑戰讀者的耐心。大量使用瞭一種非常細小的襯綫字體，行間距也壓得極緊，很多長句的閱讀體驗非常吃力，特彆是在光綫稍暗的環境下，簡直需要眯著眼去辨認。更令人不解的是，一些關鍵的圖例旁邊，居然留齣瞭大片的空白頁，仿佛是作者在故意製造一種“呼吸感”，但對我這種需要對照文字和圖像快速學習的讀者來說，這無異於強迫我頻繁翻頁。不過，話說迴來，這種“反主流”的設計也帶來瞭一種獨特的沉浸感。當你忍受瞭閱讀的初期障礙後，你會發現作者似乎刻意將“閱讀”本身變成瞭一種需要投入精力的儀式，從而迫使你放慢速度。書中的一些概念闡述得極為晦澀，但當你對照那些極簡、留白極多的配圖時，往往能産生一種“頓悟”的感覺。它更像是一件需要被“啃讀”而不是“快讀”的作品，需要你投入時間去品味那種故意製造的閱讀阻力背後的匠心。