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侯全利 编

图书标签:

• 人像摄影
• 摄影技巧
• 肖像摄影
• 光线运用
• 构图
• 姿势指导
• 摄影后期
• 人像修图
• 摄影入门
• 摄影教程

出版社： 中国人民大学出版社

ISBN：9787300153735

版次：1

商品编码：11007732

包装：平装

开本：16开

出版时间：2012-05-01

用纸：胶版纸

页数：174

字数：235000

正文语种：中文

内容简介

《人像摄影》坚持下列编写指导思想：
1.案例引领教师提供实际工作案例，并进行技法指导，学生分组进行技能演练，在案例的处理中，运用课程所学的实用技能，完成教师的要求。这一过程中“参与”、是“掌握”的保障。教师就学生的操作予以专业点评，使学生能够迅速掌握影棚布光、摆姿等技能要领。
2.任务驱动学生学习的过程中，在教师的帮助下，紧紧围绕一个共同的真实工作任务，在强烈的问题动机的驱动下，通过对学习资源的积极主动应用，进行自主探索和互动协作的学习，并在完成既定任务的同时，进行学习实践，顺利完成单人照、双人照、集体照等典型工作任务。
3.工作过程导向让学生更加深刻地了解企业，提前与岗位接轨。在学习的过程中引入企业的管理和竞争机制，建立一套完整的小组体制，设计摄影师、助理主管、灯光助理、摆姿助理、道具助理等职位，发挥团队合作精神，建立优秀工作团队评比机制。通过工作任务书的发放、工作评价表的填写，组织学生体验、反思实践过程中的经验和不足，实现“学中做，做中学，学后思”的完整学习过程，循序渐进地掌握实际工作技能。

作者简介

侯全利，摄影高级技师，北京市劲松职业高中影像与影视技术专业教师。

内页插图

目录

引言
用光篇
第一章 自然光照明
第一节 认识光
第二节 光的投射方向
第三节 光的投射高度
第四节 光的种类
第五节 色温
第二章 室内人像摄影用光
第一节 专业照明设备
第二节 影室五种光线成分
第三节 人像摄影的布光步骤
第四节 光比
第五节 人像摄影的布光方法
第六节 经典布光模式

美姿篇
第一章 摆姿的基本原理
第一节 双脚和腿部的基本姿势
第二节 两边不对称法则
第三节 阳刚姿势与阴柔姿势
第二章 表情与姿势
第一节 双手与双肩姿势
第二节 抓拍表情
第三节 头部姿势
第三章 人像景别与光线
第一节 人像景别
第二节 姿势与光线的关系
第四章 男性姿势与女性姿势
第一节 男性姿势
第二节 女性姿势
第五章 婚纱人像摄影的摆姿
第一节 双人婚纱的摆姿
第二节 新娘婚纱的摆姿

实战篇
第一章 绪论
第一节 人像摄影典型工作任务分类
第二节 人像摄影的拍摄要求
第三节 人像摄影的基本工作流程
第二章 单人照
第一节 证件人像
第二节 人物肖像
第三节 时尚人像
第四节 儿童摄影
第三章 双人照（婚纱摄影）
第一节 婚纱摄影的拍摄要求
第二节 婚纱摄影的创作流程
第三节 婚纱摄影的创作形式
第四章 集体照
第一节 家庭组照
第二节 团体合影
参考文献

前言/序言

《光影之间：捕捉灵魂的瞬间》 引言 摄影，这项捕捉瞬间、定格时光的艺术，早已渗透进我们生活的方方面面。从记录家族的喜怒哀乐，到凝固历史的宏大叙事，再到表达个体内心深处的细腻情感，摄影以其独特的语言，连接着过去、现在与未来。而在摄影的诸多门类中，人像摄影以其直面人心、探究灵魂的特质，显得尤为引人入胜。它不仅仅是对一个人外貌的简单描绘，更是对生命状态、情感轨迹、思想深度的深刻洞察与呈现。 然而，真正的杰出人像摄影，并非仅仅依靠昂贵的器材或精湛的后期技术便能轻易达成。它更像是一场无声的对话，一次心灵的碰撞。摄影师需要具备敏锐的观察力，能够穿透表象，捕捉被摄者眼神中那一闪而过的真实情绪；需要具备同理心，能够与被摄者建立信任，引导他们卸下防备，展现最自然的状态；更需要具备艺术家的眼光，能够巧妙运用光影、构图、色彩等元素，将个体的独特魅力升华为永恒的视觉符号。 本书，《光影之间：捕捉灵魂的瞬间》，并非一本简单的摄影技巧手册，也不是一本堆砌着华丽作品的画册。它更是一次对人像摄影艺术精髓的深度探索，一次对摄影师与被摄者之间微妙关系的剖析，一次对如何用镜头触及灵魂、传递情感的思考。我们将深入探讨那些真正伟大的人像作品背后所蕴含的理念与实践，从经典大师的创作手法到当代摄影师的创新视角，从不同文化背景下人像摄影的演变到特定主题（如儿童、老人、艺术家、职业肖像等）的拍摄要领。 本书旨在为所有热爱摄影、对人像创作抱有热情的朋友们提供一条通往更高艺术境界的路径。无论您是初涉摄影的新手，还是经验丰富的爱好者，亦或是希望提升艺术表现力的专业摄影师，都将从中获得启发。我们将一同学习如何超越技术层面，将摄影升华为一种表达自我、理解他人、记录生命独特性的深刻方式。 第一章：人像摄影的哲学思考——凝视与被凝视的张力 人像摄影的核心在于“凝视”。摄影师的镜头，便是他们凝视世界的眼睛。然而，这种凝视并非单向的审视，而是一种双向的互动。被摄者在镜头前，也在以自己的方式“凝视”着摄影师，回应着这份注视。这种“凝视与被凝视”的张力，构成了人像摄影最迷人的内在驱动力。 “真实”的探寻： 在一个信息爆炸、信息碎片化的时代，“真实”变得越来越难以捉摸。人像摄影，试图在快速流转的生活中，抓住一个人最真实的瞬间。这并非意味着要捕捉最“丑陋”或最“不堪”的一面，而是要展现一种未经修饰的、内在的真实。它可能是眼神中的疲惫，也可能是嘴角不经意扬起的微笑，亦或是额头上深刻的纹路所承载的故事。如何通过技术手段和心理引导，引导被摄者展现其最本真的自我，是摄影师需要思考的首要问题。 情绪的语言： 人类的情感是复杂的、多层次的。眼神、表情、肢体语言，都是情感流露的载体。摄影师需要具备洞察细微情绪的能力，能够识别并捕捉那些稍纵即逝的情感信号。有时，一句简单的问话，一个温暖的眼神，一次静默的陪伴，都能在被摄者心中激起涟漪，从而在画面中留下深刻的印记。如何理解和引导被摄者表达喜悦、悲伤、沉思、坚定等各种情绪，是人像摄影的关键。 身份的建构与解构： 每个人都有多重身份，社会身份、职业身份、家庭身份，以及内心深处的自我认同。人像摄影，既可以是对既定身份的确认与呈现，也可以是对身份边界的挑战与解构。摄影师可以通过场景的选择、服装的搭配、道具的运用，以及对被摄者气质的捕捉，来强化或颠覆其原有的身份认知。例如，一位严谨的学者，在实验室中拍摄，与在书房中摆弄老物件拍摄，所呈现出的身份感便截然不同。 时间的印记： 人是时间的产物，也是时间的塑造者。时间在每个人身上留下了不可磨灭的痕迹，无论是生理上的衰老，还是人生阅历的沉淀。人像摄影，能够捕捉时间在个体身上留下的印记，并将其升华为一种美学表达。褶皱的皮肤、斑驳的白发，这些在客观上代表着“衰老”的特征，在艺术的语境下，却可能成为智慧、坚韧、沧桑等品质的象征。如何以尊重的态度，去记录和呈现时间的痕迹，是人像摄影师的责任。 第二章：光影的魔法——塑造情绪与空间的艺术 光，是摄影的生命。光影的运用，直接决定了人像照片的氛围、情绪和立体感。懂得光影的摄影师，如同点石成金的魔法师，能够将平淡的场景化为充满戏剧张力的视觉语言。 自然光的魔力： 清晨的柔光、午后的暖阳、傍晚的余晖，自然光拥有最丰富、最细腻的质感。如何利用自然光的特性，是人像摄影师必备的技能。例如，侧光可以勾勒出面部的轮廓，突出立体感；逆光可以营造出梦幻、飘逸的效果，将人物与背景分离；漫射光则能够提供柔和、均匀的照明，减少阴影，展现细腻的肤质。理解不同时段、不同方向的自然光，并善加利用，是创造自然、真实人像的关键。 人造光的掌控： 在光线不足或需要精确控制光线时，人造光便成为摄影师的得力助手。闪光灯、持续光源，配合柔光罩、反光板等附件，能够创造出各种复杂的光照效果。硬光可以产生强烈的阴影，增加画面的戏剧性；软光则能营造出柔和、梦幻的氛围。通过调整光源的位置、角度和强度，摄影师可以精准地塑造被摄者的面部特征，引导观众的视线，并营造出特定的情绪。 光影的情感表达： 光影不仅仅是技术层面的运用，更是情感的载体。明亮的光线可以传达积极、愉悦的情绪；昏暗的光线则可能暗示着神秘、忧郁或沉思。强烈的明暗对比，能够营造出冲突感和张力；柔和的光影过渡，则能带来宁静、和谐的感受。摄影师需要理解光影与情绪之间的关联，并将其巧妙地融入到构图中，以达到更深层次的艺术效果。 阴影的叙事力量： 阴影并非总是需要避免的“瑕疵”，它同样拥有强大的叙事力量。巧妙运用的阴影，能够隐藏部分细节，激发观众的想象；能够勾勒出人物的轮廓，增强画面的立体感；甚至能够成为画面的视觉焦点，暗示某种情绪或故事。例如，一双被阴影笼罩的眼睛，可能传递出不安、深邃或难以言说的秘密。 第三章：构图的艺术——引导视线与平衡空间的智慧 构图，是摄影作品的骨架。一个精妙的构图，能够引导观众的视线，突出主体，并创造出和谐、有力的视觉平衡。 黄金分割与三分法： 这类经典的构图法则，并非束缚，而是为摄影师提供了一个思考和安排画面元素的基础框架。将画面划分为若干区域，将主体或关键元素放置在交叉点或线上，能够有效地避免画面呆板，增强视觉吸引力。深入理解这些法则的原理，并灵活运用，可以帮助摄影师创造出更具冲击力和协调性的作品。 景别与视角的变化： 全身像、半身像、特写，不同的景别能够传递不同的信息和情感。全身像可以展现人物的整体状态和环境；半身像则更聚焦于人物的面部表情和上半身肢体语言；特写则能够深入到细节，捕捉最细微的情感流露。同时，不同的拍摄视角，如平视、仰视、俯视，也能极大地改变画面的视角和人物所呈现的气质。 线条与形状的运用： 画面中的直线、曲线、斜线，以及各种形状，都能够影响画面的动感和情绪。锐利的直线可以带来力量和稳定感；柔和的曲线则能增添优雅和流畅；斜线则能赋予画面动感和方向感。摄影师需要学会识别画面中的线条和形状，并利用它们来引导视线，强调主体，或创造视觉上的韵律。 留白与呼吸空间： 画面中的“留白”，并非画面的缺失，而是构图的重要组成部分。适当的留白，能够让画面“呼吸”，突出主体，避免画面杂乱，并营造出宁静、深远的意境。留白的多少和位置，都需要摄影师精心考量，以达到最佳的视觉效果。 打破常规的创造力： 在掌握了基础的构图法则后，更重要的是学会打破常规，发挥创造力。不对称的构图、大胆的裁剪、独特的视角，都可能带来意想不到的惊喜。摄影师需要不断尝试，挑战自己的思维定势，才能在构图上实现突破。 第四章：色彩的语言——唤醒情感与营造氛围的奥秘 色彩，是人像摄影中最直观、最富有感染力的元素之一。它能够直接触动观众的情感，营造出特定的氛围，并为画面增添丰富的层次感。 色彩的情绪联想： 不同的色彩，往往与特定的情绪和意象相关联。例如，暖色调（红、黄、橙）通常与热情、活力、喜悦联系在一起；冷色调（蓝、绿、紫）则可能营造出宁静、忧郁或神秘的氛围。黑白影像则以其独特的质感，能够突出光影的对比和人物的情绪。理解色彩的心理学效应，是摄影师运用的基础。 色彩的协调与对比： 色彩的协调（和谐搭配）能够营造出统一、平和的画面；色彩的对比（强烈冲突）则能增加画面的视觉冲击力和张力。摄影师需要根据想要表达的情感和主题，选择合适的色彩搭配方案。例如，人物服装与背景的色彩关系，便是色彩运用中一个重要的考量点。 色彩的象征意义： 在不同的文化和语境下，色彩也可能承载着特定的象征意义。了解这些象征意义，能够帮助摄影师更深刻地理解和运用色彩，赋予作品更丰富的内涵。 后期色彩的调整： 尽管强调前期拍摄的重要性，但后期色彩的调整也是人像摄影不可或缺的一环。通过调整饱和度、色温、色调，摄影师可以进一步强化画面的情绪，统一风格，或纠正前期拍摄中可能出现的色彩偏差。然而，后期的调整应以服务于前期拍摄的理念为前提，而非盲目地追求某种“流行”的色调。 第五章：与被摄者的连接——信任、引导与共创 人像摄影的成功，很大程度上取决于摄影师与被摄者之间能否建立起有效的连接。这种连接，建立在信任、理解和尊重的基础上。 建立信任的艺术： 镜头前的紧张和不自在，是大多数人都会有的感受。摄影师需要用耐心、真诚和积极的态度，来消除被摄者的顾虑。在拍摄前进行充分的沟通，了解被摄者的想法和需求，并在拍摄过程中给予积极的反馈和鼓励，是建立信任的关键。 引导而非摆布： 真正的引导，是帮助被摄者展现最自然的自我，而不是强行摆布他们的姿势和表情。摄影师可以提出一些开放性的问题，引导被摄者思考，从而自然流露出真实的情感。也可以通过一些小游戏或互动，让拍摄过程变得轻松有趣，从而捕捉到更加生动的瞬间。 倾听与观察： 很多时候，被摄者自身并没有意识到自己最迷人的状态。摄影师需要成为一个出色的倾听者和观察者，捕捉被摄者不经意间流露出的眼神、笑容或动作，并抓住这些瞬间。 共同创造的过程： 理想的人像摄影，是摄影师与被摄者共同创造的过程。被摄者并非被动的“模特”，而是主动的参与者。摄影师应该尊重被摄者的意见，并将其融入到创作中，最终形成双方都满意的作品。 第六章：人像摄影的多元探索——主题、风格与未来 人像摄影的领域广阔，几乎可以涵盖生命的每一个面向。 儿童摄影： 捕捉孩童天真烂漫、充满活力的瞬间，需要耐心、敏锐的观察力以及对儿童心理的理解。 老年摄影： 记录老年人的人生阅历、智慧与从容，需要以尊重和深情去对待。 艺术家人像： 展现艺术家的创作状态、思想深度与个性魅力，需要对艺术领域有一定程度的理解。 职业肖像： 突出个人职业特质和专业形象，需要在场景、道具和姿态上下功夫。 纪实人像： 捕捉真实的生活状态和人物故事，强调现场感和人文关怀。 时尚人像： 追求视觉美学和潮流元素，注重造型、灯光和后期。 概念人像： 表达摄影师的思想观念和情感，形式更加自由和富有创意。 当代人像摄影的趋势： 随着技术的发展和观念的演变，人像摄影也在不断创新。虚拟现实、人工智能等技术，可能会为未来的人像摄影带来新的可能性。同时，对身份认同、性别议题、社会群体等的关注，也将继续驱动人像摄影的探索。 结语 《光影之间：捕捉灵魂的瞬间》所呈现的，不仅仅是关于人像摄影的理论知识和技术技巧，更是一种对生命、对情感、对人性的深刻体悟。我们相信，每一个个体都拥有其独特的光辉，都值得被用心去记录和珍藏。愿这本书能够点燃您对人像摄影的热情，激发您用镜头去发现、去表达、去创造，在光影交织的世界里，捕捉那些触动心灵的瞬间，留下永恒的生命印记。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计简直是灾难性的艺术。我不是说它内容不好，而是从一个纯粹的视觉消费者的角度来看，它几乎是在挑战读者的耐心。大量使用了一种非常细小的衬线字体，行间距也压得极紧，很多长句的阅读体验非常吃力，特别是在光线稍暗的环境下，简直需要眯着眼去辨认。更令人不解的是，一些关键的图例旁边，居然留出了大片的空白页，仿佛是作者在故意制造一种“呼吸感”，但对我这种需要对照文字和图像快速学习的读者来说，这无异于强迫我频繁翻页。不过，话说回来，这种“反主流”的设计也带来了一种独特的沉浸感。当你忍受了阅读的初期障碍后，你会发现作者似乎刻意将“阅读”本身变成了一种需要投入精力的仪式，从而迫使你放慢速度。书中的一些概念阐述得极为晦涩，但当你对照那些极简、留白极多的配图时，往往能产生一种“顿悟”的感觉。它更像是一件需要被“啃读”而不是“快读”的作品，需要你投入时间去品味那种故意制造的阅读阻力背后的匠心。

评分☆☆☆☆☆

这部新出的摄影集实在让人眼前一亮，特别是它对光影的运用达到了令人惊叹的境界。我本来以为这又是一本老生常谈的教科书，翻开后才发现完全不是那么回事。书里对自然光在不同时间段对物体表面的微妙影响做了极其深入的探讨，那些图例简直就像是光影的诗歌。特别是有一组关于清晨薄雾中人脸轮廓的解析，作者通过复杂的色温和曝光补偿描述，将那种稍纵即逝的朦胧美捕捉得淋漓尽致，读起来让人仿佛能亲身感受到空气中的湿润与微凉。更绝的是，书中并未过多纠缠于复杂的后期处理技巧，而是将重点放在了如何通过镜头语言本身去构建氛围。它更像是一部关于“观看”哲学的著作，教你如何真正地去观察光线如何塑造我们所见的每一个细节。对于那些沉迷于后期渲染、却忽略了前期布光基本功的摄影爱好者来说，这本书无疑是一剂清醒剂。我个人最欣赏的是它对“环境”在肖像构建中的地位的阐述，它强调了背景不再是可有可无的点缀，而是与主体共同呼吸、共同叙事的有机组成部分。这本书的纸张质感也相当出色，即便是黑白照片，油墨的层次感也得到了极好的还原，拿在手里阅读本身就是一种享受。

评分☆☆☆☆☆

我通常对那些宣称能“彻底改变你的摄影风格”的书持保留态度，因为大多数都只是换汤不换药的重复。然而，这本书在探讨“眼神交流”这一主题时的处理方式，彻底颠覆了我的认知。它没有用传统的“眼神是心灵的窗户”这类陈词滥调，而是深入研究了不同焦距下，人眼瞳孔的几何变形与观众心理之间的微妙关联。作者用大量的微距图和不同焦段下的对比图，清晰地展示了广角镜头如何夸张化眼部特征带来的侵略感，以及长焦镜头如何通过压缩空间感来营造一种疏离的、被审视的距离感。特别是关于“非直视”的运用，书中的分析已经上升到了社会心理学的高度，探讨了目光回避在不同文化语境下所传递的复杂情绪，从谦卑到抗拒，再到一种内心的疏离。我记得其中有一段，作者分析了如何通过控制眼睛的高光点来引导观众的注意力流向，那段文字的精准度，比很多专业的光学手册还要严谨。这本书对于那些致力于捕捉人物内心活动，而非仅仅是捕捉外在形象的摄影师来说，简直是宝藏。

评分☆☆☆☆☆

这本书最令人称道（同时也最让人头疼）的一点，是它对“不完美”的颂扬到了极致。全书充斥着大量使用高感光度拍摄的图像，噪点清晰可见，边缘锐化也常常显得粗糙，甚至有些照片的曝光还略显不足，整体色调偏冷。这完全颠覆了我们长期以来对“精修肖像”的追求。作者似乎在用这种近乎“粗砺”的视觉语言，挑战那种过度美化、失真人性的商业标准。他似乎在强调，那些不经意间的瑕疵、皮肤的纹理、甚至是略微失焦的边缘，才是真实存在过的证明。书中有一个部分专门探讨了胶片时代那种特有的“颗粒感”与“情感记忆”之间的联系，并试图在数码时代寻找对应的质感表达。这种对“真实性”的执着追求，使得全书的基调非常沉稳、甚至略带一丝忧郁。读完之后，我感觉自己对那些看似“失败”的作品有了新的理解，它们不再是技术上的失误，而成为了特定情绪的载体。对于那些厌倦了“磨皮美白”流水线作业的创作者来说，这本书提供了一种坚定的精神支持和明确的艺术方向。

评分☆☆☆☆☆

我得说，这本书的叙事结构简直是教科书级别的反传统。它没有遵循传统的“器材介绍——基础理论——实战案例”的流水线模式，而是像一部悬疑小说，层层递进地揭示出作者的创作秘密。开篇几章，作者仿佛在故弄玄虚，大量引用了古代艺术史中关于“理想人体比例”的讨论，让我一度怀疑我是否拿错了一本艺术史专著。但随着阅读深入，我才明白，作者是用这种宏大的历史视角来反衬出现代摄影中对“瞬间”的过度追求，并以此为基点，开始拆解如何用经典的美学原则去指导当下的创作。其中关于“动态平衡”的章节尤其精彩，它没有给出具体的参数设置，而是通过一系列看似不相关的运动图像（比如水流、风中的旗帜）来类比人像中的“姿态流动性”。读完后，我立马去实践了一下，效果惊人地自然。这种从哲学层面切入、再落到具体创作的行文方式，使得全书的知识体系非常扎实，而不是浮于表面的“小技巧汇编”。对我而言，它提供了重新审视我自己的摄影思维框架的契机，让我不再满足于仅仅拍出一张“清晰漂亮”的照片，而是开始思考“为什么这样拍会更打动人”。