历代名画宣纸高清大图（金）·武元直：赤壁图 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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古吴轩出版社 编

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• 绘画
• 中国画
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• 高清
• 宣纸

出版社： 古吴轩出版社

ISBN：9787554600078

版次：1

商品编码：11234812

包装：平装

开本：8开

出版时间：2013-04-01

用纸：宣纸

页数：1

正文语种：中文

内容简介

　　《历代名画宣纸高清大图（金）·武元直：赤壁图》系根据宋代文学家苏轼的《赤壁赋》创作而成。昼面长江浩荡，烟波渺茫，两岸峭壁陡立，山势险峻延绵，山顶崖岸间树木葱笼，江中一舟顺流而下，苏轼及同游诸友对坐舱中饮酒，形象地再现了苏轼携友乘舟夜游赤壁（即黄州赤鼻矶）的情景，表现了苏轼受诬遭贬黄州后的清闲生活和豁达胸怀。笔力圆润雄健，画风独具。画作以淡墨勾皴石壁、江流水纹，渲染之后，再以颤续颤断的用笔复勒提描石壁，使得山石效果既坚实又有韵味。此图无款。

内页插图

《江山万里：中国古代山水画的意境与传承》 引言 中国古代山水画，以其独特的东方美学，描绘出壮丽的自然景观，寄寓着深邃的人生哲思与人文情怀。自魏晋以来，历经唐宋元明清，无数画师以笔墨为媒，将“天人合一”的理想、山河的壮美、文人的雅趣融于方寸之间，构建了一个意蕴无穷的视觉世界。《江山万里：中国古代山水画的意境与传承》一书，旨在拨开历史的迷雾，带领读者穿越时空，深入品鉴中国山水画这一辉煌的艺术遗产，感受其在不同时代流转中，所展现出的独特魅力与不朽精神。 本书并非对某一特定画作或某一特定时期进行机械的梳理，而是致力于探讨中国山水画内在的精神内核与外在形式的演变。我们将追溯其源头，探究其在哲学思想、文学创作、社会变革等方面的深远影响，以及这些因素如何塑造了山水画的审美取向与表现手法。本书将以宏观的视角，审视中国山水画在不同历史阶段的代表性风格、艺术思潮以及关键的艺术转折点，力图呈现其跌宕起伏、薪火相传的宏伟画卷。 第一章：山水画的萌芽与早期探索（魏晋至隋唐） 中国山水画的滥觞，并非一蹴而就，而是深植于先民对自然的敬畏与对宇宙的哲学思考之中。早期绘画尚未独立发展出“山水画”这一画种，但山水形象已在人物画、神话传说图卷中悄然出现，展现出对自然景致的初步描摹与情感寄托。 魏晋时期，玄学盛行，士人阶层寄情山水，追求精神的超脱。虽然传世的山水画作品寥寥无几，但顾恺之、宗炳等人的画论，已显露出对山水画“外师造化，中得心源”的深刻理解。他们强调绘画不仅要描绘客观景物，更要注入画家的主观情感与精神意境。陆机的《洛神赋图》中，虽以人物为主，但其对背景的描绘已隐约可见山水元素的雏形，流露出一种空灵飘逸的审美情趣。 隋唐时期，随着社会经济的繁荣与对外交流的拓展，绘画艺术迎来了重要的发展期。山水画逐渐从人物画中独立出来，成为一种独立的画种。展子虔的《游春图》，被视为山水画的开山之作，虽然画面尺幅不大，但已展现出对山峦、水流、树木的生动描绘，以及人物与自然融为一体的和谐景象，标志着山水画从“点景”走向“主体”的转变。 唐代山水画的大家辈出，李思训与他的儿子李昭道的“小李将军”父子，以其金碧辉煌、工整严谨的风格，描绘皇家园林般的壮丽山河，代表了“青绿山水”的极致。而张僧繇、阎立本等人的作品，虽以人物为主，但其背景的描绘已显示出对山水气势的把握。晚唐时期，王洽“泼墨山水”的出现，则预示着一种更为写意、更为强调笔墨韵味的风格即将兴起，它打破了青绿山水的程式化，将水墨的晕染与泼洒发挥到极致，追求“水墨淋漓”、“意在笔先”的艺术境界。 这一时期，山水画的创作与当时的哲学思想、文学创作紧密相连。道家“道法自然”的思想，为山水画提供了理论基础；诗歌中描绘山水的意境，也为山水画提供了丰富的灵感来源。山水画不再仅仅是自然的复制，而是画家借以抒发胸臆、寄托情怀的媒介。 第二章：意境的巅峰与写实精神的勃兴（五代至宋代） 五代与宋代是中国山水画的黄金时代。这一时期，山水画在艺术思想、技法表现、风格流派等方面都达到了前所未有的高度，形成了气势恢宏、意境深远的艺术成就。 五代时期，随着国家的分裂，南方与北方山水画各自发展出独特的风格。南唐的顾闳中、巨然，北宋的荆浩、关仝，以及后来居上的范宽，都是这一时期的杰出代表。 巨然继承了董源的衣钵，以其“淡墨轻岚”、“疏林远岫”的风格，描绘江南水乡的温润与灵秀，画面空灵而富有诗意。他的作品展现了对水墨晕染的精妙运用，将江南烟雨朦胧的美感表现得淋漓尽致。 北方山水则以荆浩、关仝、范宽为代表，他们继承了李思训的严谨，又在笔墨上有所突破。荆浩的《匡庐图》，关仝的《山溪待渡图》，以及范宽的《溪山行旅图》，都以雄伟壮阔的山势、挺拔的山石、繁茂的林木，展现了北方山岳的磅礴气势与巍峨壮丽。范宽更是将“雨点皴”运用到极致，以笔触的刚劲与密集，塑造出巍峨的岩石肌理，其画面中充斥着一种“山欲倒”的气势，将自然的山的雄浑与画家的阳刚之气完美融合。 北宋时期，理学的发展对山水画产生了深远影响。沈括在《梦溪笔谈》中对山水画的论述，强调“笔法”“墨法”的运用，以及对自然山水“形似”与“神似”的追求。宋代山水画出现了“全景山水”与“小景山水”两种风格。“全景山水”以北宋的李成、范宽、郭熙为代表，他们以宏大的构图，描绘出视野开阔、气象万千的山河景象，如郭熙的《早春图》，构图严谨，笔法精湛，将春日山水初生的蓬勃生机表现得淋漓尽致。 与此同时，“小景山水”也逐渐兴起，如宋徽宗时期的马远、夏圭，他们开创了“一角山水”、“边角山水”的风格，画面构图简洁，留白过多，通过有限的笔墨，营造出无穷的意境，将“留白”的艺术手法推向极致，引发观者无尽的想象。他们注重画面的情感表达与人文关怀，将文人的情趣与审美融入山水之中。 宋代山水画的成就，还在于其理论的完善。郭熙的《林泉高致》是中国山水画的经典理论著作，他提出了“君子比德于山水”的观念，将山水画的创作与人格修养、道德情操相结合。他将山水分为“山水有魂”、“无魂”等，强调意境的营造与精神的寄托。 第三章：文人画的崛起与笔墨的解放（元代） 元代，是中国历史上一个特殊的时期。蒙古族统治下的社会变革，使得部分士大夫阶层在政治上受到压抑，转而将精力投入到艺术创作之中，从而催生了“文人画”的兴起。文人画强调“士气”、“逸气”，注重个人情感的表达与笔墨的自由挥洒，与宋代注重“形似”与“写实”的山水画风格形成了鲜明的对比。 元代文人画的代表人物，如赵孟頫、黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙（元四家）。赵孟頫不仅是一位杰出的书画家，更是文人画的倡导者。他提倡“尚古”之风，强调笔墨的传统，复兴了唐宋的绘画技法，并融入了自己独特的文人情怀。他的山水画，以古朴、典雅、逸秀为特色，如《水村图》，画面宁静致远，充满文人的闲适之气。 黄公望的《富春山居图》是中国山水画史上的不朽名作。他以其“卷舒任意，随心所适”的创作方式，将江南山水描绘得如诗如梦，画面笔墨苍润，意境悠远，充分展现了文人画“以书入画”的特点。他运用“披麻皴”等技法，将山石表现得如丝绢般柔和，充满了温润的文人气息。 吴镇的画风沉郁雄浑，笔墨粗放，充满野逸之气。他的作品，如《渔父图》，展现了隐逸的文人情怀，以及对自然的热爱。倪瓒的画风则更为简淡疏朗，追求“逸格”，他的山水画构图稀疏，笔法清雅，如《渔庄秋雪图》，画面中枯木寒汀，寥寥数笔，便勾勒出萧瑟寂寥的秋意，充满了文人的孤高与洁癖。王蒙则擅长描绘山峦叠嶂，层次丰富，笔墨浑厚，如《青卞隐居图》，展现了其高超的构图能力和笔墨功力。 元代文人画的兴起，标志着山水画创作主体和审美取向的深刻转变。它将绘画从纯粹的描摹自然，提升到一种表达个体情感、追求精神自由的艺术实践。笔墨不再仅仅是表现物象的工具，更是画家思想情感的载体，其自由挥洒的韵味，成为评价艺术价值的重要标准。 第四章：集大成与地域风格的演变（明清） 明清两代，中国山水画在继承前代艺术成就的基础上，进一步丰富发展，并形成了更为多元化的风格与地域特色。 明代，山水画在元代文人画的基础上，进一步发展。沈周、文征明、唐寅、仇英（明四家）是明代山水画的代表人物。沈周继承了元代文人画的传统，画风朴实浑厚，意境深远，如《庐山高图》，气势雄伟，笔墨苍劲。文征明则以秀丽、清雅的风格著称，擅长描绘江南的山水，如《山水画册》，画面格调高雅，充满了文人的闲适与雅趣。唐寅的画风则更为奔放、恣肆，充满才气，如《山水画》，画面色彩绚丽，笔墨洒脱。仇英是明代山水画中少有的职业画家，他的画风工整严谨，擅长青绿山水，如《桃源图》，画面色彩丰富，意境优美。 明代中后期，出现了“吴门画派”、“浙派”、“华亭画派”等多个绘画流派，各具特色，共同推动了山水画的发展。同时，一些画家开始关注市井生活与现实场景，为山水画注入了新的活力。 清代，是中国山水画发展的一个重要转型期。一方面，在继承传统的基础上，涌现出许多杰出的山水画家，如“正统派”的王时敏、王鉴、王翚、王原祁（清初四王），他们宗尚古法，以摹古为主要创作方式，追求古雅、苍润的笔墨韵味。王翚的“集大成”之作，如《长江万里图》，集前代名家之长，气势宏伟，笔墨精湛，堪称清代山水画的典范。 另一方面，随着社会思潮的变化，一些画家开始突破传统的束缚，强调个性化表达与创新。石涛是中国山水画史上的“狂僧”，他的画风恣肆奔放，不拘一格，将“笔墨”视为一切，强调“我用我法”，其作品充满强烈的个人风格与革新精神。金农、扬州八怪等画家，也以其奇崛、古拙、色彩浓烈的画风，为山水画注入了新的生命力。 同时，随着中西方文化交流的深入，一些画家开始尝试将西方绘画的透视、光影等技法融入中国山水画，虽然这种尝试在当时并未成为主流，但却为后世的绘画发展埋下了伏笔。 第五章：传承与变革：近现代山水画的探索 进入近现代，中国山水画面临着前所未有的挑战与机遇。西方绘画思潮的涌入，以及社会变革的深刻影响，促使一代代山水画家在继承传统与创新变革之间进行艰苦探索。 黄宾虹是中国近现代山水画的集大成者。他将传统笔墨技法与他对自然山川的深刻体悟相结合，开创了“黑、密、厚、重”的独特风格，其晚年作品，笔墨苍劲，意境深邃，将中国山水画的意境推向了新的高度。 齐白石的笔墨虽以花鸟见长，但他笔下的山水，简练而富有力量，充满了生活气息与真挚情感。傅抱石则以其“抱石皴”等技法，将传统山水与时代精神相结合，创作出既有传统韵味又不失现代感的作品。李可染则在继承黄宾虹的基础上，强调写生与创作的结合，其作品雄浑壮阔，充满民族精神。 新中国成立后，山水画的发展呈现出新的面貌。一些画家强调为人民服务，创作出反映新时代风貌的壮丽山河。同时，一些艺术家则在探索传统山水画的现代转型，寻求中国绘画的民族化与国际化。 当代山水画更是呈现出百花齐放、异彩纷呈的局面。艺术家们在继承传统的基础上，吸收各种艺术营养，在题材、风格、表现手法上都进行了大胆的创新，既有对传统意境的传承与发展，也有对当代社会现实的关注与反思。 结论 《江山万里：中国古代山水画的意境与传承》一书，通过对中国山水画源头、发展、高峰、转折与传承的深入剖析，展现了这一古老画种的强大生命力与不朽艺术价值。从早期对自然的初步描摹，到宋代意境的巅峰，再到元代文人画的兴起，以及明清的集大成与地域风格的演变，乃至近现代的传承与变革，中国山水画始终在与时代同频共振，不断吸收养分，拓展边界。 本书旨在引发读者对中国山水画的深刻思考，不仅仅是欣赏其精湛的笔墨技法，更是理解其背后所蕴含的哲学思想、人文情怀与民族精神。中国山水画，是中华民族对自然、对宇宙、对生命最深沉的表达，是连接过去与现在、东方与西方的桥梁。通过对这些“江山万里”的艺术画卷的品读，我们不仅能够领略中国古代绘画的辉煌成就，更能从中汲取智慧与力量，感受中华民族源远流长的文化底蕴。 本书并非对某个具体画作的详尽阐述，而是致力于呈现中国山水画作为一个宏大艺术体系的整体面貌。我们希望读者在阅读本书后，能够以更加开阔的视野，去欣赏、去理解、去传承这一宝贵的艺术遗产，让中国山水画的“意境”与“精神”在新的时代继续闪耀光芒。

评分☆☆☆☆☆

作为一名业余的中国传统文化爱好者，我一直对历代名画充满了浓厚的兴趣，但真正能够看到高清、原大、并且带有材质触感的作品，对我来说是相当奢侈的。这本书的出现，无疑极大地降低了这种门槛。当我翻阅这本书时，我感觉自己就像是在用一种极其尊重和虔诚的态度，去接触一幅真实的古代艺术珍品。宣纸的触感，那种温润而细腻的质地，让我仿佛能够感受到它承载的历史重量。而画面本身的高清表现，更是让我看到了许多之前从未注意到的细节，比如山石的纹理、水波的动态、人物的神情。我甚至能在一笔一画中，感受到画家当时的心绪。这种体验，是任何数字图像都无法比拟的。它让我不再是隔着一层冰冷的屏幕去欣赏艺术，而是真正用双手去触摸，用心灵去感受。

评分☆☆☆☆☆

我对于书籍的装帧和纸张的选择，一直有着近乎挑剔的追求。而这本书，在这一点上，可以说达到了我的最高标准。封面采用的宣纸，触感温润而有质感，配合金色的书名烫印，散发出一种古朴典雅的艺术气息。翻开书页，内页同样采用厚实高品质的宣纸印刷，这种纸张的天然纹理，与画作本身完美融合，使得整幅《赤壁图》的呈现，不仅仅是视觉上的高清，更是一种触觉和整体氛围上的高度统一。我尤其欣赏书中对画作细节的处理，那些细微的笔触、墨色的渲染，甚至是纸张本身的细微瑕疵，都被清晰地还原出来，仿佛我手中捧着的，就是原作本身。这种对细节的极致追求，让我能够更深入地去理解和感受武元直的创作意图，以及这幅画背后所蕴含的深厚文化底蕴。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计，首先就牢牢抓住了我的眼球。当它静静地陈列在书架上，那“金”字的烫金工艺，在灯光下泛着低调而华丽的光泽，仿佛为整本书注入了一种历史的厚重感和艺术的尊贵感。封面采用的宣纸质感，触手温润，与市面上常见的哑光纸或铜版纸截然不同，带来一种古朴典雅的触感，让人在翻阅之前就已心生敬意。我尤其欣赏封面整体构图的留白艺术，并没有将画面塞得满满当当，而是巧妙地运用了留白，让“武元直：赤壁图”这几个字，以及下方精致的落款，显得更加突出和醒目。这种设计语言，无疑是对原作精神的一种致敬，它暗示着书中不仅仅是图像的堆砌，更蕴含着中国传统绘画的意境和哲学。拿到手中的分量也很适中，既有足够的质感，又不至于过于沉重，方便我在家中无论是案头细赏，还是带到茶馆静心品读。内页的印刷质量更是令人惊喜，那种高清的细节呈现，仿佛让我穿越时空，亲临了画家挥毫泼墨的现场。我迫不及待地想知道，如此精美的外壳之下，又蕴藏着怎样震撼人心的视觉盛宴。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，就像一场穿越时空的对话。我尝试着跟随画中的笔触，去感受武元直在创作这幅《赤壁图》时的心境。那山势的雄浑，那水流的急湍，那江面上点缀的几叶扁舟，以及上面的人物，每一个元素都仿佛在诉说着一段古老的故事。我试图去理解画面的空间布局，画家是如何用寥寥数笔，勾勒出如此开阔而深邃的意境。这种留白的美学，在现代绘画中已经很少见了，但在《赤壁图》中，它却被运用得炉火纯青，给观者留下了无限的想象空间。我仔细观察画中人物的姿态，他们或临江而立，或凭栏远眺，每一个动作都充满了诗意和哲理。我一直在思考，画家在描绘他们的时候，是否也融入了自己对人生、对历史的感悟？这本书的高清呈现，让我得以如此细致地探究这些细微之处，仿佛我就是那个站在画前，与古人神游的观者。

评分☆☆☆☆☆

这本书给我的第一印象，是那种对细节的极致追求。当我小心翼翼地翻开第一页，那宣纸特有的纤维纹理，在微光下清晰可见，仿佛能感受到纸张本身的生命力。而画面本身的呈现，更是达到了我从未有过的期待。那些高分辨率的图像，将原作的每一笔皴擦、每一处渲染，都还原得淋漓尽致。我甚至能看到画家笔尖的细微痕迹，色彩的层次变化，以及纸张与墨迹在时间长河中留下的微妙印记。这种高清的处理，让我有机会近距离地观察原作的构图、线条的走向、人物的表情，以及远山的云雾缭绕。我尝试着将画面放大，每一个细节都经受住了考验，没有丝毫的模糊或失真。这不仅仅是一本画册，更像是一个微观的艺术研究工具，让我能够以一种前所未有的方式去理解和欣赏这幅名画。我一直对中国古代绘画的精妙之处充满好奇，而这本书，无疑为我打开了一扇深入探索的窗户。

评分☆☆☆☆☆

我一直认为，好的艺术品，不应该仅仅被束之高阁，更应该被更多的人所认识、所欣赏。这本书，正是扮演了这样一个桥梁的角色。它将武元直的《赤壁图》以一种前所未有的高清品质呈现出来，并且选择了具有传统文化意义的宣纸作为载体，这本身就体现了一种对艺术的尊重和对大众的诚意。我能清晰地看到画作的皴法，看到墨色的浓淡变化，看到构图的精巧安排。这种高清的呈现，让我得以近距离地学习和研究这幅画，感受中国古代绘画的独特魅力。我不仅看到了画面，更看到了画家背后的匠心独运，看到了中国传统美学的博大精深。这本书，让我有机会将自己置身于历史的长河之中，去感受那一刻的艺术辉煌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，满足了我长久以来对中国古代书画高清化、普及化的渴望。我之前也接触过一些古代画作的图录，但往往因为清晰度的不足，很多细节都无法呈现，也无法真正感受到原作的魅力。而这本《赤壁图》则完全不同，它使用的宣纸材质和高清印刷技术，将画面的质感和细节完美地结合在了一起。我能够清晰地看到画作的笔墨晕染，色彩的过渡，甚至是纸张本身的一些细微瑕疵，这些都构成了原作独一无二的生命力。这种极致的细节还原，让我能够更深入地理解古代画家的创作技法和艺术思想。我甚至可以想象，如果当年我是一位书画爱好者，而当时市面上有这样的作品，那无疑会对我的艺术学习之路产生多么巨大的影响。这本书不仅仅是一件艺术品，更是一份宝贵的文化遗产的传播载体。

评分☆☆☆☆☆

这本《赤壁图》的出版，让我对“高清”这个词有了更深刻的理解。它不仅仅是指图像的清晰度，更是对原作精神的一种高度还原。当我的指尖滑过宣纸粗糙而温润的表面，我仿佛能感受到千年时光的沉淀。画面中的每一处细节，从山峦的轮廓到人物的神情，都清晰得令人震撼。我能清晰地辨认出画家运笔的痕迹，墨色的浓淡变化，以及颜料的层次感。这种细节的呈现，远超我以往接触过的任何一本画册。我常常会放大画面，去仔细研究画中人物的衣着，他们的姿态，以及他们眼神中的故事。这让我觉得，我不仅仅是在看一幅画，更是在与画中的人物进行一场跨越时空的对话。这种沉浸式的体验，让我更加深刻地体会到中国古代绘画的魅力所在。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我着迷的，是它所带来的沉浸式阅读体验。宣纸的触感，本身就带着一种东方美学的韵味，而高清的图像，更是将《赤壁图》的每一个细节都展现得淋漓尽致。我常常会花上半天的时间，仅仅去盯着画面的某一个局部，去揣摩画家是如何构图、如何运笔、如何赋色的。这种细致入微的观察，让我对《赤壁图》这幅画的理解，不再停留在表面的宏大叙事，而是深入到其内在的艺术肌理。我能感受到画面中流动的气息，感受到山水的韵味，感受到人物的动态。这种沉浸感，不仅仅来自于视觉，也来自于手中宣纸的触感，它将我与这幅名画，与这位古代的艺术家，建立起了一种更加亲近的联系。我仿佛能听到江水的澎湃，感受到山风的呼啸，甚至能闻到古人的墨香。

评分☆☆☆☆☆

这本书的出现，不仅仅是一次简单的艺术品复制，更是一种文化的传承和推广。当我在手中感受着宣纸的温润，目光聚焦在那高清细腻的《赤壁图》上时，我仿佛能感受到一种强大的历史能量在涌动。画作中壮阔的山水，和其中的点点人物，在高清的呈现下，每一个细节都显得无比生动。我能清晰地看到画家运用的各种皴法，了解到山石的肌理是如何被塑造出来的。我也能近距离观察画中的人物，他们的服饰、他们的神态，仿佛能听到他们当时的谈话声。这种高度的还原，让我不再只是被动地接受一幅画，而是能够主动地去探索、去理解、去感受。这本书，让我对中国古代绘画艺术，有了更深层次的认识和更强烈的敬意。它不仅仅是一本书，更是一次与历史对话的宝贵机会。