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赵萌 著

图书标签:

• 雕塑
• 中国艺术
• 艺术史
• 雕塑艺术
• 文化
• 美术
• 中国文化
• 艺术
• 历史
• 雕刻

出版社： 人民美术出版社

ISBN：9787102063621

版次：1

商品编码：11284625

包装：平装

开本：16开

出版时间：2013-07-01

用纸：胶版纸

页数：140

正文语种：中文

内容简介

　　雕塑艺术是以空间体量和物质载体，通过视觉及触觉的感观体验来实现的审美活动，而用文字对其进行转换时就难免出现一些“失语”。同样，用“体量”一词形容，具体到汉代、唐代雕塑的“体量”，其实际内涵和视觉呈现的效果就存在着明显的差异，更何况艺术创作很大程度上基于人们的感观经验、心理活动、情感与精神等难以量化的因素。一方面使艺术创作本身充满变数，一方面使艺术作品的最终结果因人而异，仁者见仁、智者见智，最终反响也不同，成为约定俗成的一种规则，中国雕塑艺术也无例外。

内页插图

目录

绪引
第一章 中国雕塑的生成与传统文化背景
第一节 雕塑起源的追溯
一、语汇的成因
二、起源的辨析
笫二节 境遇与审美的影响
一、雕塑的境遇
二、儒家精神
三、道家神采
四、佛性像教
五、绘画理论的渗融

第二章 中国雕塑的美学价值与艺术风格
第一节 雕塑的一般概念
一、雕塑的空间
二、雕塑与建筑
三、雕塑的特质
第二节 中国雕塑的美学价值
一、“虚实相生”的空间
二、“尚大为美”的造型
三、“充实为美”的体量
第三节 中国雕塑的艺术风格
一、“主静”的造型基调
二、“形象”的程式依据
三、“平面感”的视知系统
四、“影像化”的表现方式
五、“绘画性”的作用呈现

第三章 中国雕塑的发展历程与风格演进
第一节 艺术发展的分期
第二节 神灵的宇宙——中国雕塑的早期
一、艺术发生的源头
二、陶器时代的雕塑
三、青铜时代的雕塑
第三节 人生的世界——中国雕塑的形成期
一、春秋战国的雕塑
二、秦朝的雕塑
三、两汉的雕塑
第四节 来世的转换——中国雕塑的发展期
一、南北朝的雕塑
二、隋唐的雕塑
第五节 现世的复归——中国雕塑的衰弱期
一、宋朝的精神主体
二、宋朝的雕塑
三、元明清的雕塑
四、并非结束的尾声
后记

前言/序言

史诗的序章：从古埃及到文艺复兴的西方建筑史纲 图书简介 本书旨在为读者构建一幅宏大而精微的西方建筑艺术发展全景图，聚焦于自古埃及文明肇始，至文艺复兴盛期达到高峰的建筑思想、技术革新与文化内涵的演变历程。我们不探讨雕塑艺术本身，而是将建筑视为承载人类精神、社会结构和技术智慧的“凝固的音乐”，通过对空间、结构、材料和装饰的深入剖析，揭示不同时代文明的内在驱动力。 第一部分：奠基与永恒——古代世界的建筑语言（约400字） 本部分将追溯人类最早的建筑实践如何确立了西方文明对“永恒”与“秩序”的追求。我们将从美索不达米亚的齐库拉塔（Ziggurat）的垂直雄心开始，分析其宗教功能如何与体量感结合。随后，焦点将转移至尼罗河畔的古埃及。我们不会详述具体的雕塑作品，而是着重研究金字塔群和卡尔纳克神庙的建造逻辑：巨石的运输与堆叠技术、轴线对称的几何学原理，以及如何通过方尖碑这一特定形制，将法老的神权意志与天体运行精确对齐。这些建筑不仅仅是纪念碑，更是宇宙模型在人间的投射。 接着，我们将深入研究古希腊的建筑革命。这不仅是关于柱式的演变，更是关于理性与和谐的哲学表达。我们将详细拆解多立克、爱奥尼和科林斯三大柱式的比例规范，分析帕特农神庙在视觉校正（Entasis）上的精妙计算，探讨神庙如何作为城邦精神的载体，体现了人与神之间的理想距离。在这里，建筑的“美”被量化为数学比例。 第二部分：权力、实用与宏伟——罗马的工程奇迹（约450字） 进入古罗马时期，建筑的重心从神圣的理想转向了世俗的实用与帝国的宏大叙事。本部分的核心是罗马工程学的突破。我们将着重探讨混凝土（Opus Caementicium）的发明及其对建筑可能性的颠覆性影响。正是这种新材料，使得罗马人能够摆脱希腊的梁柱系统束缚，大规模建造拱、券与穹顶。 我们会详细分析这些结构如何应用于万神殿（Pantheon）的巨大无支撑穹顶，探讨其内部空间如何通过中央开口（Oculus）与天光连接，创造出一种宇宙化的内部体验。此外，本书将分析罗马帝国为服务其统治与民生而建立的建筑类型：巴西利卡（后来的教堂原型）、公共浴场的复杂水力系统、高架引水渠的精确坡度设计，以及凯旋门如何作为纪念性政治宣传的典范。罗马建筑的精髓在于其“无所不能”的工程实力与对空间控制的极致追求。 第三部分：信仰的升华与光线的渗透——中世纪的垂直追求（约400字） 中世纪建筑是人类对超越性精神的集体想象。我们将划分出两大主要阶段： 首先是罗马式建筑（Romanesque）。此阶段的特点是厚重的墙体、较小的开窗和半圆拱。这种“堡垒式”的结构反映了动荡时期的安全需求，教堂内部光线昏暗，营造出一种神秘而肃穆的朝圣氛围。我们将分析其如何在欧洲广阔的地域内，通过修道院网络传播技术与风格。 随后，我们将聚焦于哥特式建筑（Gothic）的革命性突破。本书将细致阐述飞扶壁（Flying Buttress）、肋拱（Rib Vault）和尖拱（Pointed Arch）三要素如何协同作用，最终将墙体的承重功能解放出来。这种解放的直接结果是墙面可以被几乎完全替换为彩色玻璃。我们将探讨光线如何被“过滤”和“彩绘”，将世俗空间转化为一个充满神圣叙事的光影剧场，实现了建筑向天空的极致垂直冲刺。 第四部分：复兴古典的理性回归——文艺复兴的建筑师（约250字） 进入15世纪的意大利，建筑思潮开始从对天国的向往回归到对人类自身尺度与古典和谐的重新审视。文艺复兴建筑师们推崇古罗马的理性秩序，并将其与新发现的数学原理相结合。 我们将重点分析布鲁内莱斯基在佛罗伦萨圣母百花大教堂穹顶上的技术创举，探讨他如何借鉴古代知识体系解决了实际工程难题。随后，本书将深入研究阿尔伯蒂的理论贡献，特别是他将建筑视为一种结合了“美学”（Venustas）和“功能”（Firmitas）的学科。最后，我们将考察帕拉第奥对古典建筑原则的系统化整理和再创造，分析其对后世（尤其是新古典主义）产生的深远影响。文艺复兴的建筑，是通过精确的几何网格，试图在地上重现天堂的和谐蓝图。 本书始终坚持将建筑视为一个独立的技术、美学与文化复合体，力求详尽勾勒出从石器到混凝土，从大地之上的庙宇到直插云霄的尖塔所蕴含的文明密码。

评分☆☆☆☆☆

老实说，我通常对国内出版的艺术通史类书籍持保留态度，总觉得它们在叙事上容易陷入某种宏大叙事下的扁平化处理，或者在对“官方”认可的流派进行过度拔高。但《中国雕塑艺术》这本书的独特之处，在于它非常擅长运用“个案分析”来串联起宏观的历史脉络。比如，书中花了大量篇幅去解构一件宋代罗汉雕像的“世俗化”倾向，通过分析其面部表情的微妙变化，如何从早期的庄严转变为一种带着人间烟火气的慈悲，从而侧面反映了宋代市民阶层的兴起和审美趣味的变迁。这种由微观到宏观的叙事策略，使得历史不再是抽象的年份和皇帝的名字，而是活生生的、可以触摸的艺术品。此外，书中对雕塑家群体的关注也很有启发性，它努力去还原那些名字淹没在历史长河中的工匠们的工作状态和技术传承，而不是将所有成就都归功于某个“时代精神”。这本书的学术视野很开阔，它没有回避中外交流对中国雕塑的影响，反而将其视为一种活力的来源，这让整部作品的论述显得更加立体和可信。

评分☆☆☆☆☆

我不得不说，这本书在装帧设计和图版质量上达到了一个惊人的高度，这对于一本艺术史著作来说，简直是至关重要。我通常在阅读艺术类书籍时，对印刷的精细度非常挑剔，很多廉价的影印版根本无法还原原作的质感，但《中国雕塑艺术》在这方面做到了极致。当我翻到关于唐代金铜佛像的那一章节时，那些复杂的花丝镶嵌工艺和鎏金的微光，几乎透过纸面就能感受到。作者在文字中对材料的敏感性也体现了这一点，他们不仅仅描述“这是铜像”，而是探讨“某种合金在不同光线下如何影响观者的心理感受”。我特别欣赏作者处理那些“破碎”或“残损”作品的方式——他们没有刻意去“修复”或美化，而是将残缺本身视为历史的印记，并从残缺中解读出雕塑家当时的技法限制或审美倾向。这种尊重历史原貌的态度，让整本书的学术价值提升了一个台阶。对于那些想要进行高精度学术研究的读者来说，光是这些高清的、不同角度拍摄的图版，就已经物超所值了。这本书证明了，严肃的学术研究与精美的艺术呈现完全可以完美结合。

评分☆☆☆☆☆

这本书的阅读体验，与其说是在“学习”，不如说是在进行一场关于“凝固的时间”的对话。作者的文笔极具感染力，尤其是在描述那些经历了千年风霜的青铜或石刻作品时，文字仿佛带有了一种温润的光泽。他们擅长使用富于画面感的语言，比如描述北魏时期那尊著名的微笑观音像时，作者没有堆砌形容词，而是通过对光线在雕像特定部位投射角度的细致描摹，将那份“寂静中的动态”捕捉了下来。更让我感到欣慰的是，这本书对于“材料学”和“修复学”的引入，它解释了为什么某种石材在特定气候下会产生怎样的风化纹理，以及古代工匠如何利用材料本身的特性来增强作品的生命力。这使得我们观看雕塑时，不再仅仅是欣赏形象，而是能理解其“存在”的物质基础。总而言之，这是一部兼具学术严谨性、视觉享受和深层文化洞察力的作品，它成功地将冰冷的石头和木头，重新注入了炽热的历史与人文温度，值得反复品读和珍藏。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国雕塑艺术》真是让我眼前一亮，作为一个对东方美学情有独钟的爱好者，我原本以为自己对中国雕塑的了解已经算得上颇有涉猎，但这本书的深度和广度完全超出了我的预期。它没有仅仅停留在对著名作品的罗列和简单的年代划分上，而是深入挖掘了不同历史时期雕塑背后的文化土壤与精神内核。比如，书中对于魏晋南北朝时期石窟造像的分析，不再是空泛地赞美其“神韵”，而是细致地剖析了犍陀罗艺术与本土佛教思想碰撞、融合的具体路径，书中配图的细节放大，配合文字对“秀骨清像”风格的成因进行溯源，让我对那个“审美革命”的时代有了全新的认识。尤其是对那些地方性、非主流艺术形式的挖掘，比如西南少数民族的木雕、以及民间信仰中的泥塑，这些在主流艺术史中常常被忽略的角落，作者都给予了极大的关注，展现出一种罕见的学术勇气和人文关怀。阅读体验非常流畅，文字功底深厚，既有学者的严谨，又不失文人的雅致，读起来完全没有晦涩感，反而像是在听一位博学的长者娓娓道来一段段尘封的往事。我强烈推荐给所有想真正理解中国艺术精神的人，它绝不仅仅是一本“工具书”，更是一部带领我们穿越时空的文化之旅的指南。

评分☆☆☆☆☆

初次翻阅这本书时，我感觉自己的知识体系受到了挑战，因为作者不仅聚焦于传统上被尊为正宗的佛教与皇家雕塑，还大胆地将目光投向了明清时期江南地区的民间丧葬雕塑，以及带有强烈地域色彩的“土楼”或宗祠中的木雕。这种对“非主流”艺术的关注，极大地拓宽了我对“中国雕塑”这一概念的理解边界。以往的认知中，雕塑似乎总是与宗教场所绑定，但这本书展示了雕塑如何渗透到日常的社会结构和私人情感表达中。例如，书中对某些地方戏曲场景题材的木雕分析，其人物造型的夸张程度和情绪表达的直接性，与宫廷造像的含蓄内敛形成了鲜明的对比，这种对比论述手法非常高明，让人能清晰地辨识出不同社会阶层对艺术形式的需求差异。这本书的结构安排也很有心思，它并非完全按时间顺序推进，而是按照主题和地域风格进行划分，这使得读者在阅读过程中可以根据自己的兴趣点进行深度探索，而不是被动地接受信息流，非常适合希望进行专题性研究的读者。

评分☆☆☆☆☆

好书学习了使劲学学学

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中国雕塑艺术 好书值得购买

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