中国民族民间舞中级教程 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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钟宁 著

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• 中级教程
• 艺术教育
• 舞蹈技巧
• 文化艺术

出版社： 上海音乐出版社

ISBN：9787552305937

版次：1

商品编码：11578249

包装：平装

开本：16开

出版时间：2014-11-01

用纸：胶版纸

页数：337

内容简介

、安徽花鼓灯）、维吾尔族以及朝鲜族等37个舞蹈组合。在编写体例上，考虑到学生阅读和学习的便利性，每章都包括概述、基本动作介绍与组合三部分。组合部分又分为动作介绍、音乐介绍、组合编排、教学要求四部分。内容素材的选取具有很强的代表性与系统性，同时音乐、动作、讲解融为一体的讲解，具有很强的实用性，是一部适合舞蹈教师、学生及爱好者参考学习的书籍。

作者简介

钟宁，女，壮族，北京舞蹈学院继续教育学院院长，教授。1991年毕业于北京舞蹈学院中国民间舞系.北京市歌舞团任演员，多次参加全国、全省舞蹈比赛并获奖。1993年至2001年在北京舞蹈学院附属中等舞蹈学校民间舞教研室任教，所带学生在全国性舞蹈比赛中多次获奖：其间，参加研究院研究生课程的系统学习。2001年调任北京舞蹈学院基础教育学院。

目录

前言

编写说明

第一章胶州秧歌舞蹈训练教材

概述

第一节基本体态、脚位、扇子部位名

称、持扇法及持巾法介绍

一、基本体态

二、基本脚位

三、扇子部位名称

四、持扇法

五、持巾法

第二节组合

一、正丁字拧步训练组合

二、“8”字扇训练组合

三、平转扇嫚扭训练组合

四、倒丁字碾步训练组合

五、推扇训练组合

六、走场训练组合

七、综合训练组合

第二章维吾尔族舞蹈训练教材

概述

第一节基本体态、脚位、手形及常

用舞姿介绍

一、基本体态

二、基本脚位

三、基本手形

四、基本舞姿

第二节鼓谱

第三节组合

一、步伐、体态训练组合

二、动律训练组合

三、头眼训练组合

四、手腕训练组合

五、三步一抬训练组合

六、垫步训练组合

七、齐克提麦训练组合

八、滑冲步训练组合

第三章安徽花鼓灯舞蹈训练教材

概述

第一节基本体态、脚位、扇子部位

名称、持扇法、持巾法及常

用舞姿介绍

一、基本体态

二、脚位

三、扇子部位名称

四、持扇法

五、持巾法

六、常用舞姿

第二节鼓谱

第三节组合

一、碎步训练组合

二、动律训练组合

三、舀扇与三道弯训练组合

四、起步训练组合

五、车水步训练组合

六、大、小兰花训练组合

七、扇花训练组合

第四章朝鲜族舞蹈训练教材

概述

第一节基本体态、手形、脚位、手位及

常用舞姿介绍

一、基本体态

二、基本手形

三、基本脚位

四、基本手位

第二节鼓谱

第三节组合

一、古格里屈伸训练组合

二、古格里手位训练组合

三、古格里步伐训练组合

四、划手训练组合

五、安旦训练组合

六、扎津古格里训练组合

七、塔令训练组合

第五章海阳秧歌舞蹈训练教材

概述

第一节基本体态、脚位、持扇法及常用舞姿介绍

一、基本体态

二、基本脚位

三、持扇法

四、常用舞姿

第二节鼓谱

第三节组合

一、提沉训练组合

二、提拧训练组合

三、磨拧训练组合

四、裹拧训练组合

五、摆步训练组合

六、跺颤训练组合

七、浪训练组合

八、综合组合

附录常用动作名称目录

前言/序言

书名： 中国戏曲服饰文化研究 简介： 《中国戏曲服饰文化研究》是一部深入探讨中国戏曲服饰的起源、发展、分类、艺术特色及其文化内涵的专业著作。本书旨在通过细致的梳理和系统的分析，揭示戏曲服饰作为一种独特的视觉艺术语言，在中国传统文化传承中所扮演的重要角色。 第一章：戏曲服饰的历史溯源与演变 本章追溯了中国戏曲服饰的源头，从古代的祭祀服饰、宫廷礼仪服饰，到成熟的戏曲舞台服饰的形成过程。重点分析了秦汉以来服饰制度对早期戏曲服装的影响，以及唐宋时期“参军戏”、“杂剧”等早期表演形式中服饰的雏形。 古代服饰制度的影响： 探讨了周代冠服制度、汉代“章服制度”如何渗透并被应用于早期戏曲角色行头的初步设定。 宋元时期的发展： 详述了元代杂剧在服饰上的规范化尝试，以及南戏在地方色彩和民间审美影响下的服饰特点。明代传奇的兴盛如何推动了戏曲服饰的程式化和精细化。 清代京剧的定型与成熟： 详细分析了清代服饰、满汉文化交融对京剧服饰体系的最终确立所起的作用，包括蟒袍、靠、帔、巾、盔等基本形制的最终固定。 第二章：戏曲服饰的分类与形制解析 本章对中国戏曲服饰的复杂体系进行了科学的分类，并对每一类服饰的结构、材质、纹样和穿着方式进行了详尽的图文解析。 按角色行当分类： 结合生、旦、净、丑四大行当的服饰特点，分别论述帝王将相、文官武将、士农工商、神佛妖魔等不同身份的服装特点。例如，蟒袍、靠、褶子、帔、箭衣、靠旗的形制区别与使用场合。 按功能和场合分类： 区分了礼服（如大袍、朝衣）、常服（如褶子、便衣）、军装（如靠、铠甲）和戏装（如蟒、帔）的界限与应用规范。 头饰、盔帽与髯口： 专门研究了头饰在区分角色等级和性格中的作用，包括王帽、乌纱、巾、盔头、髯口（胡须）的制作工艺与象征意义。 第三章：纹样、色彩与象征符号 戏曲服饰并非简单的服装复原，而是高度凝练的符号系统。本章聚焦于服饰上的装饰元素，揭示其背后的文化密码。 色彩的哲学： 深入探讨了中国传统五色观（青、赤、黄、白、黑）在戏曲中的应用，以及特定色彩（如红色象征忠勇，白色象征孝义或奸诈）如何帮助观众迅速识别角色属性。 纹样的寓意： 剖析了龙凤、海水江崖、云雷纹、蝙蝠、宝相花等常见纹样在不同等级服饰上的使用规范，及其与吉祥、权力、品德的关联。 刺绣工艺的传承： 考察了苏绣、湘绣、蜀绣等地域刺绣工艺在戏曲服饰制作中的应用，以及“钉金”、“盘花”等特殊工艺对服装立体感和华丽度的贡献。 第四章：服饰的程式化与舞台呈现 戏曲服饰的价值不仅在于静态的观赏性，更在于其在动态表演中的功能性。本章探讨了服饰如何与戏曲的虚拟性、写意性表演相契合。 “装扮”与“写意”： 分析了戏曲服饰如何通过夸张的比例、鲜明的色彩来弥补舞台空间的不足，实现对角色的“符号化”塑造。 动作与服饰的互动： 探讨了“捋髯”、“抖袖”、“水袖功”等表演技巧与特定服饰（如水袖、靠旗）的相互配合，它们如何强化角色的情绪和力度。 地方剧种的服饰特色： 对比分析了不同地方戏曲（如昆曲、川剧、越剧、秦腔）在服饰上的地域差异和审美偏好，突出服饰作为地域文化载体的作用。 第五章：当代戏曲服饰的传承与创新 本章关注现代社会中戏曲服饰面临的挑战与发展机遇。 保护与研究的必要性： 论述了抢救性保护老戏服实物的重要性，以及数字化建档在服饰文化研究中的应用前景。 舞台视觉的现代化： 分析了当代戏曲舞台设计中，如何在保持传统审美核心的基础上，利用新材料、新工艺对服饰进行适度的创新，以适应现代审美需求和灯光效果。 服饰的跨界影响： 探讨了戏曲服饰元素对当代时装设计、影视美术、动漫设计等领域的启发与借鉴。 结语： 《中国戏曲服饰文化研究》力求构建一个全面、深入的戏曲服饰知识体系，不仅面向戏曲专业人士、服装设计、艺术史研究者，也为热爱中国传统文化的广大读者提供了一扇通往舞台艺术深层意蕴的窗口。本书通过对服饰这一“穿在身上的历史”，展现中国传统美学与哲学思想的巧妙融合。

评分☆☆☆☆☆

我是一名舞蹈教育工作者，一直在寻找一本既能指导学生实践，又能提升教师理论深度的教材。这本书在理论深度上给了我很大的惊喜。它没有停留在简单的动作分解层面，而是深入探讨了中国民族民间舞的“语汇系统”。它将复杂的民族舞蹈动作进行功能性分类和结构分析，比如将“打、点、撇、捺”等基本动作元素在不同民族（如朝鲜族、维吾尔族）中的变体和使用频率进行了对比研究。这种体系化的梳理，极大地提高了教学的效率和针对性。在实操部分，它对一些容易混淆的步法和节奏型进行了细致的区分，甚至配有针对性的训练小练习来纠正常见错误。更让我受益匪浅的是关于“民间舞审美范式”的讨论，它探讨了不同地域的舞蹈如何体现出“质朴美”、“健美”或“柔婉美”，这为我在备课时如何引导学生理解和进入角色提供了坚实的理论支撑。这本书无疑是提升我专业素养和教学质量的一大利器。

评分☆☆☆☆☆

这本《中国民族民间舞中级教程》简直是为我这种半路出家的学习者量身定做的！我之前只学过一些基础的古典舞身韵，对各民族的舞蹈风格了解得非常零散，总感觉自己像是拿着零碎的地图在摸索。这本书的结构安排非常清晰，它没有一上来就堆砌复杂的技巧，而是循序渐进地带领我们进入各个主要民族舞蹈的世界。我特别欣赏它对“地域性”和“文化内涵”的强调。比如讲到藏族舞时，不仅仅是教你“圆群”和“碎步”的动作要领，更会穿插讲解为什么藏族人民的动作要那样舒展、那样充满力量感，与他们的高原生活和宗教信仰是如何紧密联系的。这种由内而外的学习方式，让我的表演不再是单纯的“模仿造型”，而是真正开始理解舞蹈语言背后的情感和故事。尤其是对于中级学习者来说，如何将基础的律动转化为具有民族特色的韵味，这本书提供了大量实用的过渡练习，比如对不同民族“精、气、神”的捕捉训练，我觉得这比单纯死记硬背套路重要得多。我感觉自己正在从一个“舞者”向一个“文化诠释者”转变，非常值得深入研究。

评分☆☆☆☆☆

说实话，一开始我对“中级”这个定位有点犯怵，担心里面会充斥着太多我尚未掌握的高难度技术，比如幅度过大的跳跃或者极其复杂的双手组合。但翻开后发现，编者真是太懂学员的心了！这本书的重点明显放在了“风格化提纯”和“组合衔接”上，而不是炫技。它用大量的篇幅详细对比了不同舞种在“重心控制”上的细微差别。比如汉族秧歌的“松沉”与蒙古族安代舞的“挺拔”之间，那种不同重心高度和支撑点带来的律动变化，以前我总是靠感觉去模仿，现在有明确的图解和文字描述，一下子就清晰多了。我特别喜欢其中关于“手眼身法步”如何与民族特性结合的章节，它不是孤立地讲解“手位”，而是将手的动作与该民族服饰（如长袖、披肩）的特性相结合，展示如何利用服装来延伸和丰富舞蹈语言。这对于我们在舞台上呈现更具层次感和完成度的作品至关重要，不再是空洞地摆出姿势，而是让每一个动作都服务于民族情感的表达。这本书的价值在于它构建了一个从技术到审美的桥梁。

评分☆☆☆☆☆

作为一个常年在外学习的舞者，我最头疼的就是不同流派、不同版本的教学差异。很多教程只是照搬了某一个特定表演团体的动作，缺乏普适性。然而，《中国民族民间舞中级教程》的编纂视角显得格外宏大和兼顾。它没有强行统一所有民族舞蹈的“标准动作”，而是巧妙地采用了“核心特征保留，表演性技巧提升”的思路。例如，在介绍西南少数民族的舞蹈时，它提供了A、B两种不同处理方式的范例，清晰标注了哪种更偏向于田园劳作的原始韵味，哪种更侧重于舞台化的艺术加工。这给予了我们学习者和编导者极大的灵活性和再创造空间。此外，书中对音乐节奏与身体重心的配合讲解，采用了大量的记谱方式辅助理解，这对那些节奏感稍弱的学习者来说简直是福音。它教会我们如何“听懂”音乐的每一个休止符和装饰音，并将其转化为身体的律动，而不是仅仅跟随旋律线的起伏。

评分☆☆☆☆☆

这本书的排版设计和图片质量简直是业界良心！对于中级教程来说，动作的细节呈现至关重要，但很多书籍的插图模糊不清，或者角度单一，导致我们只能靠视频辅助。这本书的插图清晰度非常高，很多关键的身体转折点、关节的打开角度，都使用了多角度的特写照片来展现，甚至标注了肌肉受力的大致方向，这对于纠正那些藏在细节里的“小毛病”太有帮助了。我尤其欣赏它在讲解组合衔接时的“流程图”式说明，将一个相对复杂的段落拆解成若干个易于消化的“动势模块”，让原本看似一气呵成的舞蹈片段变得有迹可循。而且，这本书在配文中没有使用过多晦涩难懂的专业术语，语言流畅而富有启发性，读起来感觉就像是站在一位经验丰富、和蔼可亲的老师身边，手把手地指导你完成每一个精妙的技巧。读完后我感觉自己对身体控制的精确度有了质的飞跃，是那种踏实、可量化的进步，而不是虚无缥缈的“感觉”。