Drawings for Paintings为画作打稿：在伦勃朗时代 绘画作品 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 善本图书专营店

出版社： Skira Editore

ISBN：9788857231525

商品编码：11340221187

开本：24.6 x 3.3 x 30.7 cm

出版时间：2017-01-24

页数：332

正文语种：英文

出版社: Skira (2017年1月24日)

精装: 332页

语种： 英语

ISBN: 8857231526

条形码: 9788857231525

商品尺寸: 24.6 x 3.3 x 30.7 cm

商品重量: 567 g

The catalog for the international loan exhibition: Drawings for Paintings in the Age of Rembrandt captures the different ways in which artists used preliminary or construction drawings when composing and refining their paintings. Seventeenth-century Dutch artists made many types of preliminary drawings, including broad compositional sketches, drawings of the landscape in their sketchbooks, counterproofs, construction drawings, and individual figural studies. Artists also indicated compositional ideas on their canvases and panels using underdrawings that are revealed through infrared reflectography. This volume features a wide variety of subject types and artists, among others Hendrick Avercamp, Gerrit Berckheyde, Aelbert Cuyp, Jan van Goyen, Adriaen van Ostade, Jacob van Ruisdael, Pieter Saenredam, and Rembrandt van Rijn. This fully illustrated exhibition catalog includes three scholarly essays as well as entries on all the artists included in the show, written by these and other experts.

Arthur K. Wheelock, Jr., is the curator of the Northern European Art Collection at the National Gallery of Art, in Washington, D.C.

Ger Luijten has been head of the Rijksprentenkabinet of the Rijksmuseum in Amsterdam and now is director of the Fondation Custodia in Paris.

构图的奥秘：中世纪哥特式壁画的技法与传统 本书探讨的焦点是中世纪晚期至文艺复兴早期，尤其集中于13世纪至15世纪间，欧洲天主教会赞助下的大型壁画创作过程。我们将深入解析这些宏伟叙事得以实现的幕后技术和艺术哲学，这与后世油画和素描的实践有着本质的区别。 第一章：壁画的物质基础——从石材到颜料 壁画（Fresco）的艺术形式，其核心在于其对建筑材料的依赖性。本书首先将详细审视中世纪石匠与画师之间的紧密合作关系。与伦勃朗时代画家在木板或画布上打底不同，中世纪的壁画是建筑结构不可分割的一部分。 1.1 墙体的准备与“Arriccio”层： 我们将分析中世纪石匠如何处理用于绘制的墙面。这包括对粗糙底层（Rubble core）的稳固性要求，以及对基础灰泥层——“Arriccio”的精确施工。这层灰泥通常由粗砂、石灰和水混合而成，它的粗糙纹理对于后续的颜料附着至关重要。本书将通过对意大利和法国数个现存中世纪教堂遗址的材料分析，揭示不同地区建筑材料对壁画耐久性的影响。 1.2 “Sinopia”——红赭石的草稿语言： 在著名的“Buon Fresco”（湿壁画）技法中，颜料直接融入潮湿的石灰层中。因此，正式上色的前奏——“Sinopia”草稿——显得异常关键。本书将详细考察这种直接在Arriccio层上绘制的赭石草图的特征。Sinopia草稿通常线条粗犷、结构明确，旨在确定最终构图的比例和人物布局。我们不仅分析现存的Sinopia残迹，还探讨画家如何利用木炭擦印（Pouncing）或划线（Incision）技术将初稿转移到最终的“Intonaco”（罩面灰泥）上。 1.3 颜料的来源与准备： 中世纪的色彩世界是基于矿物和植物的。本书将详述画家获取、研磨和混合颜料的过程。例如，群青（Ultramarine）的稀有性及其在圣母形象上的战略性使用，与更易得的土黄色、赭石和绿土（Terre Verte）的日常应用形成鲜明对比。我们还将探讨“Secco”（干壁画）的局限性，即那些不耐湿度的颜料（如某些蓝色或黑色）如何在最后一层干燥的灰泥上进行补充，以及它们在历史中遭受的褪色问题。 第二章：中世纪构图的叙事逻辑与象征意义 与注重光影体积和瞬间动态的后世绘画不同，中世纪的壁画构图承载着强烈的教义功能和象征意义。它们是“无知者的圣经”，要求清晰、直接且具有极强的可读性。 2.1 节奏与重复：序列化的叙事： 在中世纪的大型壁画群中，如阿西西圣方济各教堂的壁龛群，构图的成功往往不在于单一画面的完美，而在于序列之间的流畅衔接。本书将分析画家如何利用重复的姿势、色彩主题或建筑元素来引导观者的视线，从而讲述一个跨越多个场景的连续故事。这种节奏感是一种高度程式化的视觉语言。 2.2 空间与透视的转换： 这一时期对物理空间的理解尚未完全被古典透视法所主导。本书将对比早期拜占庭风格的“反向透视”与乔托等人开始探索的“直觉式透视”。中世纪的画家更关注象征性空间——即“神圣空间”的表达，而非精确的几何学还原。人物的大小往往由其重要性决定（等级透视），而非其在画面中的实际远近。 2.3 边框、装饰与“框架的内在化”： 中世纪壁画的边缘处理极具特色。画家经常使用精细的、模仿建筑雕塑或织物的边框来划分画面。本书将探讨这些边框（如以葡萄藤、几何图案或假拱门形式出现）如何不仅是装饰，更是将画面的“故事”与观看者所在的真实教堂空间建立联系的媒介。 第三章：从草稿到完成——工作流程的组织 在没有现代材料和预先绘制详细素描的情况下，中世纪画师的工作流程是高度依赖集体协作和精确规划的。 3.1 分块与“Giornata”的哲学： 湿壁画的限制要求画家必须在一天之内完成一部分工作，即“Giornata”（一天的工作量），因为只有在石灰未干时绘制的颜料才能永久固着。本书将分析中世纪艺术家如何精确计算每日的工作量。这要求对光照条件、颜料混合速度以及他们自身体力的精确掌握。我们将通过对笔触痕迹的分析，重建画家在一天内完成的精确边界。 3.2 细节的深化与“Cartone”的缺失： 与达芬奇或米开朗基罗时代需要精细的完整炭稿（Cartone）不同，中世纪的壁画草稿往往较为简略，主要集中在主要轮廓上。本书将阐明，复杂的细节（如织物的褶皱、面部的表情）往往是在“Intonaco”层上直接用颜料边画边完成的。这要求画师具备极高的现场构图能力和对形式的瞬间把握。 3.3 修复与修改的限制： 在湿壁画中，一旦石灰开始干燥，错误就很难纠正。本书将考察中世纪画家如何处理错误——通常是通过刮除已干的灰泥（Scrapping off）并重新涂抹新的“Intonaco”。我们对比了不同世纪中，画家对这种“返工”的容忍度和处理方式，揭示了技艺成熟度对创作效率的影响。 结论： 本书旨在将“Drawings for Paintings”的语境，从后世对个人技巧的聚焦，转移到中世纪艺术对建筑、宗教仪式和集体技艺的深刻融合之中。这些宏伟的壁画，其“打稿”过程是与建筑本身、与石灰的化学反应，以及与神学教义同步进行的复杂工程。

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啊，这本书简直就是一扇通往十七世纪荷兰黄金时代艺术殿堂的钥匙！我花了整整一个下午沉浸其中，那种感觉就像是亲眼目睹伦勃朗大师在画室里挥洒汗水。它并非仅仅是展示成品，而是深入到了创作的“肌理”之中。我尤其欣赏作者对于“草图”这一环节的细致入微的剖析。过去，我们看伦勃朗的画作，总会赞叹其光影的魔力、人物内心的复杂性，但这本书却像一个耐心的向导，一步步揭示了这些伟大构思是如何从最初的漫不经心的一笔，逐渐锤炼成不朽的杰作。它探讨了早期构思阶段的多种可能性——比如，某个角度的微小调整如何彻底改变了最终画面的叙事张力，或者不同材质的线条如何预示了最终油彩所能达到的质感。这对于任何一位对绘画技法有深入探究欲望的人来说，都是一场视觉的盛宴，远超出了单纯的艺术史解读，更像是一次对天才思维方式的偷窥。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，最初我以为这只是一本介绍伦勃朗早期“练习册”的图录，但读完后才发现它的思想深度远超我的预期。它探讨的不仅仅是“如何画”，更是“为何如此构思”。书中似乎隐含了一个论点：在伦勃朗的时代，草图本身就是一种独立的思考语言，它比后期的油画更能直接地反映艺术家内心深处对于人性、道德和场景气氛的即时感受。作者通过对大量手稿的解读，成功地复原了艺术家在面对委托或自身创作冲动时，心路历程的轨迹。这种对“过程哲学”的探讨，极大地丰富了我对巴洛克艺术的理解，它让我明白，欣赏艺术，有时候需要我们退后一步，去观察那些被时间打磨掉的“中间状态”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的叙事节奏非常独特，它没有采用那种干燥、学院派的编年史写法，反而充满了探寻的激情。读着它，我仿佛置身于一个充满松节油和亚麻籽油气味的画室，空气中弥漫着创作前的焦虑与兴奋。作者的笔触非常富有画面感，尤其是在描述不同阶段草稿之间的演变时，简直是精彩绝伦。比如，书中对比了几幅不同的《浪子回头》的早期设想稿，每一个版本中人物的站位、光线的来源都大相径庭。通过这些对比，你才能真正理解，艺术创作并非一蹴而就的灵感爆发，而是一系列审慎、甚至痛苦的决策过程。这种对“未成品”的关注，反而让那些我们耳熟能详的最终作品焕发出了新的生命力，它们不再是高高在上的偶像，而是无数次推敲后的最优解。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计和图片选择堪称一流，但最让我震撼的是它对“时间性”的捕捉。它似乎能让你感觉到纸张的纤维在呼吸，能闻到墨水在空气中干燥的气息。它没有过多使用当代艺术理论的术语进行过度阐释，而是让那些密集的线条和涂改痕迹自己说话。阅读过程中，我常常需要对照书后的附录图版，反复比对同一个主题在不同草稿之间的细微变化。这些变化，轻则影响了焦点，重则完全颠覆了画面的叙事逻辑。它展现的是一种非常“人性化”的创作过程——充满了犹豫、修改、推翻和最终的顿悟。对于想要了解顶尖大师如何将抽象的想法具象化的艺术爱好者来说，这本书提供了一种前所未有的、极其真实的“幕后视角”。

评分☆☆☆☆☆

这本书的视角转换得非常巧妙，它成功地将焦点从完成度极高的布面油画，拉回到那些转瞬即逝、稍纵即逝的纸上涂鸦。这让我重新审视了“素描”或“草图”在整个艺术流程中的核心地位。过去我可能只关注了伦勃朗如何处理光影的层次感，但这本书让我明白了，如果没有那些早期的结构性尝试，没有对透视和构图的反复拉扯，最终的光影效果根本无从谈起。它展示了艺术家如何在这些“不完美”的早期阶段，就确定了画面的情绪基调和叙事重心。阅读体验上，它要求读者具备一定的耐心，因为它需要你放慢速度，去揣摩线条的重量和方向，去感受铅笔或炭条在纸面上摩擦的痕迹——这是一种沉浸式的、近乎冥想的阅读体验。