写给老师的中国工艺美术史 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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夏明澄 著

图书标签:

• 中国工艺美术史
• 美术史
• 教育
• 教师
• 文化
• 艺术
• 历史
• 教材
• 礼品
• 中国传统工艺

出版社： 浙江人民美术出版社

ISBN：9787534047053

版次：1

商品编码：11904922

包装：平装

开本：大32开

出版时间：2016-03-01

用纸：胶版纸

页数：198

正文语种：中文

编辑推荐

适读人群 ：教师、广大艺术爱好者、文玩收藏者

　　以凝练的文字、精美的图片、清晰的结构，展现中国工艺美术的演变历程与独特美感。

内容简介

　　本书从中国古典人文品味的视角出发，以历史发展为经，以具有代表性的工艺美术品类及其艺术特质为纬，配以大量精美彩图，简明、生动、清晰地呈现出中国工艺美术的独特美感和文化价值。

作者简介

　　夏明澄，中国美术学院教师。

内页插图

目录

第一章 神秘古朴／001
——史前陶器与玉器
史前陶器／002
史前玉器／008

第二章 瑰丽奇谲／019
——先秦青铜器
商周青铜器／020
春秋战国青铜器／029

第三章 深沉雄大／041
——秦汉丝绸、漆器、青铜器、雕塑和砖瓦
秦汉丝绸／042
秦汉漆器／048
汉代青铜器／056
秦汉雕塑／065
秦汉砖瓦／076

第四章 优雅端庄／085
——魏晋至宋元佛教造像
青州佛像／086
四大石窟／090
宋元木雕佛像／096

第五章 雍容典丽／101
——唐宋瓷器、金银器、铜镜与丝织品
唐宋瓷器／102
唐宋金银器／123
唐代铜镜／129
唐宋丝织品／134

第六章 秀雅沉稳／141
——青花瓷与元明清漆器
青花瓷／142
元明清漆器／151

第七章 错彩镂金／159
——彩瓷、景泰蓝与元明清丝织品
彩瓷／160
景泰蓝／166
元明清丝织品／168

第八章 温文尔雅／179
——明式家具、紫砂陶器与德化窑白瓷
明式家具／180
紫砂壶／184
德化窑瓷塑／188

第九章 质朴生动／193
——传统民间工艺
剪纸、皮影／194

精彩书摘

　　紫砂壶（《写给老师的中国工艺美术史》

　　在明清彩瓷争奇斗艳的同时，一个以体现原料本色为美的陶器新品种开始盛行，那就是江苏宜兴窑场烧造的紫砂陶器。紫砂壶是紫砂陶器的代表，它色泽古朴雅致，“素肌玉骨”，质地坚硬耐用。其外观以紫红色为主色调，由于原料的不同配比，还可以产生朱砂紫、深紫、栗色、梨皮、海棠红、天青、青灰、墨绿、黛黑等不同的颜色。

　　紫砂陶器具有优越的实用功能。紫砂壶用以泡茶不失原味，“色、香、味皆蕴”，使“茶叶越发醇郁芳沁”；紫砂壶使用久后，即使以空壶注入沸水，也有茶味；能经受冷热剧变，寒天冲茶，绝无爆裂之虞，又可用文火炖烧；由于传热缓慢，使用抓提不烫手。加上紫砂壶外观独特的审美功能，因此始创于北宋的紫砂陶器原本默默无闻，自从明正德、嘉靖年间江苏宜兴出产的紫砂壶面世后，随即引起轰动，声名大噪。从此，紫砂器的生产得到长足发展，可谓百品竞新，名家辈出。

　　自晚明至清，紫砂工艺日趋完美，造型洗练大方，色调古朴雅致，意蕴幽深旷远。尤其是历代文人墨客不断参与其间，在壶上题字刻画，各展其才，更使紫砂壶艺术从简单的工艺装饰上升到一种精神意蕴的寄托，大大增加了紫砂壶的艺术韵味。尤其是时为“西泠八家”之一的陈曼生，还亲自设计了众多紫砂壶造型，被称为“曼生十八式”，器形较前人更为简朴大方，线条自然流畅，将紫砂壶艺术提升到一个新的高度。他与当时的名匠杨彭年合作制造的紫砂壶精品极为后人所珍视，世称“曼生壶”（图185—187）。

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前言/序言

　　传统文化中的工艺美术，相当于现在的设计和手工艺。设计是生活的艺术，源于衣食住行的实际需求，却带有独特的美感，在潜移默化中塑造着我们的审美品味和价值观念。回顾往昔，那些匠心独运的作品，不仅记录着心手相应的奇妙创造，而且在中国文化史上也扮演了重要的角色。

　　中国的传统工艺门类众多，陶瓷、玉器、青铜器、丝织品、漆器、金银器、家具等，是其中的重要品种。需要说明的是，无论从制作、功能还是审美的角度来看，中国古代雕塑与西方文化中的雕塑颇为不同，而更接近中国传统工艺美术的范畴，因此我们也将秦汉至隋唐时期的雕塑艺术纳入本书范畴。

　　与西方相比，中国艺术最大的特点是含蓄优雅。这种典型特征也体现在优质的工艺美术中，它们敦厚端庄，着重将造型、质地和色彩作为美的载体；它们温和内敛，反对刻露显豁，讲求象外之意，耐人寻味。本书将从人文品味的视角出发，选择各个时代最具代表性的工艺类别作重点介绍。读者不仅可以了解中国传统工艺中最具代表性的作品，重温“心灵手巧”的迷人之处，而且还能进一步领会中国古代朴素而精致的造物思想。

　　这种工艺思想大致可以表达为如下几点：第一是“重己役物”，人是生命的本体，应理性地控制人造物，不让机巧过分发展；第二是“致用利人”，适应人的需求，强调实用与功能的人道主义精神；第三是“审曲面势，各随其宜”，注重材料和技术条件，善于“因材施教”、因地制宜；第四是“巧法造化”，乐于向自然学习，从中得到启发，从设计到材料的运用都与自然保持和谐，从而形成一种崇尚自然、返璞归真的趣味与风格；第五是“文质彬彬”，强调内容与形式的统一，功能与装饰的谐调。

浩瀚之境：世界艺术的恢弘史诗 图书简介： 《浩瀚之境：世界艺术的恢弘史诗》并非一部专注于某一特定地域或文化艺术史的著作，而是一部以宏大视角和细腻笔触，勾勒出人类文明进程中，全球艺术思潮的交织与演变轨迹的百科全书式巨著。本书旨在超越地域的界限，带领读者进行一场横跨数千年、遍布五大洲的艺术漫游，探究艺术作为人类共通语言，如何在不同的历史时期和文化土壤中，展现其独特的光芒与深刻的内涵。 第一部：文明的曙光与最初的印记（史前至古代早期） 本书伊始，我们将追溯人类艺术活动的源头。从非洲洞穴中粗犷而神秘的壁画，到欧洲旧石器时代的维纳斯雕像，艺术在此刻是生存的记录，是巫术的载体，是与自然界对话的最初尝试。随后，我们将目光投向美索不达米亚（苏美尔、巴比伦、亚述）的楔形文字泥板、权力的象征性纪念碑，以及古埃及尼罗河畔那些对永恒的极致追求——金字塔、神庙浮雕和卡诺普斯罐。重点探讨其宗教信仰如何塑造了程式化且庄严的艺术语言，以及这种语言对后世文明产生的深远影响。 第二部：古典的辉煌与哲学的沉思（古希腊与古罗马） 本卷深入剖析古典文明对西方乃至世界艺术规范的奠基作用。古希腊艺术对“理想美”的不懈追求，从早期的古拙到古典时期的和谐、比例与人体解剖学的精妙掌握，直至希腊化时期情感的爆发，每一步都与彼时的哲学思辨紧密相连。我们详尽分析帕特农神庙的建筑逻辑，以及米隆、波留克列特斯等大师的雕塑理论。接着，视角转向古罗马，探讨其如何继承并发扬希腊的艺术遗产，同时展现出独特的实用主义精神。从庞贝的壁画到万神殿的穹顶结构，再到纪念性雕塑和皇帝纪功柱，罗马艺术成为帝国权力、工程技术与社会现实的完美结合体。 第三部：信仰的构建与精神的殿堂（中世纪的世界艺术格局） 中世纪的艺术不再以人为中心，而是完全服务于宗教信仰。本部分将对比解析三大宗教艺术体系：西方的拜占庭艺术以其神圣的马赛克和圣像画，构建了超越尘世的金色秩序；伊斯兰艺术在严格的偶像禁令下，发展出高度抽象化、几何化和植物纹样的装饰艺术（如阿拉伯式花纹），以及令人惊叹的建筑成就（清真寺与宫殿）；而在基督教世界，从加洛林文艺复兴到罗曼式和哥特式艺术，建筑成为核心。哥特大教堂，以其飞扶壁、尖拱和炫目的彩色玻璃，实现了对光线和空间的极致驾驭，象征着对天堂的向往。 第四部：人性的觉醒与文艺复兴的革命（14世纪至16世纪） 本书的这一核心章节，聚焦于欧洲文艺复兴时期对古典精神的重新发现和对人道主义的肯定。从乔托的“空间感”，到佛罗伦萨的“透视法”革命（布鲁内莱斯基、马萨乔），艺术的焦点重新回到大地之上。我们详细分析达·芬奇对解剖学与光影的掌握，米开朗基罗对人体力量的赞颂，以及拉斐尔对和谐构图的完美演绎。同时，本书也将视野拓展至北欧文艺复兴，探讨北方艺术家对细节的痴迷、油画技法的创新以及宗教改革背景下艺术主题的变化。 第五部：风格的狂想与理性的张力（巴洛克、洛可可与新古典主义） 17世纪的巴洛克艺术，是欧洲强权政治与天主教会反宗教改革情绪的艺术体现。它以强烈的戏剧性、光影对比（卡拉瓦乔）、动态构图和情感张力（贝尼尼）来震撼观众。随后，转向法兰西宫廷的洛可可风格，其轻盈、精致、感性，是对巴洛克宏大叙事的反叛。进入18世纪末，启蒙思想催生了对古罗马共和国道德的推崇，新古典主义以其冷静、清晰的线条和严肃的主题，试图重建古典的秩序与理性。 第六部：浪漫的呐喊与现实的描摹（19世纪的艺术流变） 19世纪是艺术风格爆炸的时代。浪漫主义以其对情感、想象力、自然伟力以及东方异域情调的推崇（戈雅、德拉克洛瓦、透纳）回应了新古典主义的僵化。紧接着，社会变革推动了现实主义的兴起，关注普通劳动者和当代生活（库尔贝、米勒）。而摄影技术的出现，直接冲击了绘画的写实功能，促使艺术家转向对“视觉感知”本身的探索——印象派由此诞生，他们捕捉光影瞬息万变的瞬间；后印象派则在继承印象派色彩的基础上，注入了个体的心理深度和结构性的思考（塞尚、梵高、高更）。 第七部：现代的解构与全球的对话（20世纪至今） 本书的最后部分，处理的是艺术史上最为剧烈和复杂的时期。20世纪初，艺术彻底摆脱了再现的束缚。野兽派的色彩解放、立体主义对多视角的几何解构、抽象表现主义对潜意识的探索，预示着艺术主体性的完全确立。我们系统梳理了达达主义的反艺术姿态、超现实主义对梦境的挖掘、波普艺术对大众文化的挪用，以及后现代主义对“宏大叙事”的质疑。此外，本书特别强调了在这一时期，非西方艺术（如非洲雕塑对早期现代艺术的影响，以及当代亚洲、拉丁美洲艺术的崛起）如何参与并重塑了全球艺术的版图，呈现出一幅真正意义上的“世界艺术”全景图。 《浩瀚之境》的叙事结构力求平衡，避免任何单一文明或地区的主导性。通过对建筑、雕塑、绘画、设计乃至工艺品的跨文化比较分析，本书旨在揭示艺术作为人类精神产物所共有的底层逻辑，以及它在面对不同时代挑战时所展现出的惊人适应性和创造力。它是一扇通往人类集体想象力的宏伟门户。

评分☆☆☆☆☆

阅读这本书的过程，更像是一场跨越时空的深度对话。作者的叙事视角非常独特，他没有采取那种教科书式的平铺直叙，而是仿佛一位经验老到的匠人，娓娓道来那些湮没在历史长河中的技艺细节。尤其是在描述某些特定时期材料的稀缺性与工匠如何因地制宜地发挥创意时，那种紧张感和创造性的迸发，读起来简直让人屏息凝神。文字的韵律感很强，充满了富有画面感的动词和精准的形容词，使得原本抽象的工艺流程变得触手可及。我仿佛能闻到窑火燃烧的气味，感受到凿子与玉石碰撞的微小震动。这种沉浸式的体验，远超出了我阅读一般艺术史书籍的预期，它成功地将冰冷的历史知识，赋予了鲜活的生命力和温度。

评分☆☆☆☆☆

相较于许多侧重于宏大叙事和帝王品味的艺术史著作，这本书的视角显得尤为亲民且贴近生活。它非常注重对日常器物——比如民间竹编、地方扎染、甚至是最常见的木刻门窗——美学价值的挖掘与肯定。作者用朴实的语言告诉我们，真正的“美术”并非只存在于宫廷的珍宝库中，它渗透在每一个寻常百姓的衣食住行里。这种“由小见大”的叙事策略，极大地降低了工艺美术的“门槛”，让人发觉自己身边处处都是历史的遗存和审美的体现。阅读后，我开始用一种全新的眼光去审视家中的老物件，那种对日常之美的重新发现，是这本书带给我最惊喜的附加收获。

评分☆☆☆☆☆

这本书的索引和参考资料部分做得相当扎实，体现了作者严谨的学术态度。我注意到，许多关键概念的引入都附带有清晰的注释和明确的出处指向，这对于希望进行更深层次研究的读者来说，简直是福音。更值得称赞的是，书中对不同地域、不同历史阶段的工艺流派之间的相互影响和借鉴进行了细致的梳理和对比分析。例如，它如何清晰地勾勒出北方青铜器铸造技艺对南方金银错工艺的影响轨迹，这种横向和纵向的交叉比对，极大地拓宽了我的理解维度。它没有将各个门类孤立看待，而是构建了一个相互关联的文化网络，这使得对“中国工艺美术”的整体认知变得更加立体和丰满，绝非简单的元素堆砌。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计着实让人眼前一亮，那种低调的奢华感，光是捧在手里就能感受到制作者的用心。书页的纸张质地非常考究，触感温润而不失韧性，印刷的油墨色泽饱满且细腻，即便是最细微的纹理也能清晰呈现。我特别欣赏它在版式上的处理，留白恰到好处，既保证了阅读的舒适度，又将视觉重心牢牢锁定在那些精美的图版之上。装帧的线索和封面材质的选择，似乎都在无声地诉说着一种对传统工艺美学的尊重与传承，让人忍不住想一页页地翻阅，去探寻每一张插图背后的故事。整体来看，这本书的实体呈现本身就是一件值得收藏的工艺品，体现了出版方对书籍艺术性的极致追求，这无疑为接下来的阅读体验打下了坚实的基础，让人对内容也充满了美好的期待。

评分☆☆☆☆☆

我必须提及书中对“失传技艺复兴”这一主题的探讨，这部分内容给我留下了极其深刻的印象。作者用一种近乎悲悯的笔触，记录了那些因为时代变迁而濒临绝迹的手艺。他并未止步于描述它们的失落，而是着重描绘了当代工艺师们为了“守正创新”所付出的不懈努力和面对的重重困境。读到他们如何艰难地寻找古籍记载的配方，如何花费数年时间重现一个失传的釉色时，我深感震撼。这不再仅仅是艺术史的解读，更像是一部关于文化坚守的当代史诗。它激发了我对本土传统文化保护的责任感，让我意识到，对这些非物质遗产的关注，远比单纯欣赏成品更具意义。