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乐海 著

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• 电子琴
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• 音乐教学
• 乐谱
• 自学

出版社： 同心出版社

ISBN：9787807167563

版次：1

商品编码：11953396

包装：平装

开本：16开

出版时间：2016-06-01

用纸：轻型纸

字数：120000

正文语种：中文

附件：CD

附件数量：1

内容简介

　　《电子琴初学教程》对音乐知识的讲解详细全面，避免了学习中的杂乱枯燥，为学生提供了一个由易到难、循序渐进的学习过程。《电子琴初学教程》语言精炼流畅，讲解周密细致，使初学者在学习电子琴的过程中也能掌握一定的音乐理论知识。《电子琴初学教程》以视唱练习培养学生的欣赏能力，以节奏练习培养学生的协调能力。同时，注重学生技巧性的培养，为以后学习其他乐器奠定了一个良好的基础。《电子琴初学教程》所选曲目都是一些耳熟能详的音乐作品，对于开阔学生的音乐视野、提高学生自身的艺术修养有很大帮助。与其他教材不同的是，《电子琴初学教程》所选曲目分为钢琴曲、民歌改编的电子琴乐曲和流行歌曲改编的电子琴乐曲三部分，这样的设计格局使学生在轻松愉快地学习电子琴的同时，领会到不同风格音乐所带来的身心享受。

内页插图

目录

前言/序言

弦音秘境：西洋古典音乐赏析与鉴赏指南 一部深入探索西方古典音乐宏伟殿堂的深度导览手册，专为渴望超越肤浅聆听，真正领会音乐灵魂的求知者而作。 本书并非旨在教授任何乐器演奏技巧，它是一扇通往西方音乐史的拱门，一座解读古典音乐复杂情感与结构语言的桥梁。我们专注于“听懂”音乐，而非“弹奏”音乐。 --- 第一部分：时代的回响——古典音乐的历史脉络与风格流变 本章将带领读者穿越时空，系统梳理自中世纪晚期到二十世纪初，西洋古典音乐的演进轨迹。我们摒弃枯燥的年代罗列，而是聚焦于风格的内在驱动力与社会文化背景的相互影响。 第一章：中世纪与文艺复兴的奠基（约1100年 – 1600年） 我们将考察早期复调音乐的诞生，从格里高利圣咏的单音线条如何逐步发展出复杂的织体。重点剖析文艺复兴时期“人文主义”思潮对音乐表达的解放，特别是对“均衡”与“清晰”的追求。 焦点解析： 帕莱斯特里那的宗教音乐如何达到对位法的完美平衡，以及无伴奏合唱（A Cappella）在情感表达上的克制与力量。 非讨论内容： 任何关于键盘乐器（如管风琴、羽管键琴）的指法、练习曲或曲目分析。 第二章：巴洛克时期的辉煌与戏剧（约1600年 – 1750年） 巴洛克，意为“奇异的、不规则的珍珠”。本章深入解析这一时期音乐的“情感理论”（Doctrine of Affections）——即音乐如何通过特定的旋律、节奏和和声模式，精确地表达单一且强烈的情感。 核心概念： 什么是“通奏低音”（Basso Continuo）？它是如何构建巴洛克音乐的骨架的？我们将探讨对位法（Counterpoint）在这一时期的集大成。 体裁剖析： 协奏曲（Concerto）、清唱剧（Oratorio）和歌剧（Opera）的早期形态及其结构差异。 非讨论内容： 键盘乐器（如羽管键琴、大键琴）的演奏技巧、指法练习、琶音的分解或和弦的构成法。 第三章：古典主义的理性与平衡（约1750年 – 1820年） 在启蒙运动的光芒下，音乐追求清晰、典雅和形式的完美。本章分析“奏鸣曲式”（Sonata Form）作为古典时期最核心的结构语言，是如何体现理性思辨的。 结构透视： 呈示部、发展部与再现部之间的戏剧性张力。 交响乐的诞生： 海顿、莫扎特如何确立四乐章交响曲的标准范式。 非讨论内容： 任何关于钢琴、键盘乐器音色调整、踏板使用或指法布局的描述。 第四章：浪漫主义的激情与个性的解放（约1820年 – 1900年） 音乐从服从结构转向表达无限的个人情感、自然崇拜和文学想象。本章探讨作曲家如何运用和声的扩展、音域的拓宽以及管弦乐队编制的扩大，来描绘宏大叙事和细腻心境。 文学的融合： 艺术歌曲（Lied）与“标题音乐”（Program Music）如何实现音乐与诗歌、故事的深度交织。 和声的探索： 调性色彩的丰富与不协和音的使用如何制造情感的张力。 非讨论内容： 任何键盘乐器的指法练习、音阶的流畅度要求或和弦的演奏分配。 --- 第二部分：聆听的艺术——曲式、织体与管弦的语言 本部分是本书的核心，旨在训练读者的“音乐耳朵”，使之能够识别并解析音乐作品的内部结构。 第五章：理解音乐的骨架——曲式分析入门 我们不讨论如何演奏，而是讨论如何“看穿”音乐的结构布局。 主导形式解析： 奏鸣曲式（Sonata Form）、回旋曲式（Rondo）和三部曲式（Ternary Form）的逻辑关系。 变奏的魔力： 深入浅出地解析主题如何通过不同的节奏、和声和配器手法进行重塑。 非讨论内容： 和弦如何用手指在键盘上准确触键，或任何关于乐谱标记的演奏性解读。 第六章：织体与配器的奥秘 音乐的“织体”（Texture）决定了听感上的丰富或简洁，而“配器”（Orchestration）则是色彩的魔术。 复调与主调： 如何分辨两条或多条独立旋律同时进行（复调），与一条主旋律被伴奏支撑（主调）的不同听感。 管弦乐的色彩学： 木管、铜管、打击乐和弦乐在不同作曲家笔下扮演的角色转换，以及它们如何共同营造特定场景的氛围（例如：描绘水流、暴风雨或英雄凯旋）。 非讨论内容： 乐器本身的操作原理、维护保养，或任何关于键盘乐器音色的物理或技术性描述。 第七章：歌剧的舞台与人声的极限 歌剧是音乐、戏剧、舞台艺术的综合体。本章着重于声乐的“类型”与“功能”，而非演唱技巧。 角色划分： 宣叙调（Recitative）、咏叹调（Aria）和合唱（Chorus）在戏剧推进中的作用。 戏剧张力： 分析威尔第和瓦格纳如何通过“主导动机”（Leitmotif）来预示人物命运和情节转折。 非讨论内容： 任何关于声乐的呼吸控制、发声位置、共鸣箱训练或音准校正。 --- 第三部分：大师的对话——经典作品的深度导览 本部分精选了不同时期、不同体裁中具有里程碑意义的作品，提供详尽的“背景-结构-情感”三维分析。 贝多芬《命运交响曲》： 分析其如何将一个简单的动机（“命运敲门”）贯彻到四个乐章的结构统一性中。 莫扎特《安魂曲》： 探讨其在宗教题材下所蕴含的个人悲剧色彩与古典形式的对抗与融合。 德彪西的印象主义： 侧重于他如何打破传统功能和声，利用管弦乐和声的“色彩”来描绘光影与氛围，而非叙事。 非讨论内容： 任何关于如何练习音阶、琶音、和弦转换、双手协调，或如何弹奏这些作品中出现的任何音符组合的指导。 本书旨在成为您在古典音乐的海洋中航行的指南针，它引导您发现旋律背后的逻辑、和声中的哲学以及结构中的美学。它不提供工具，只提供理解世界的全新视角。

评分☆☆☆☆☆

这本书最大的亮点在于它的实践性。作为一名喜欢挑战但又容易放弃的人，我需要一本能够让我快速看到成果，并保持学习兴趣的书。《电子琴初学教程》完全做到了这一点。它提供的每一个练习，都能够在我有限的时间内完成，并且立刻能听到自己弹奏出的悦耳旋律。我尤其赞赏书中关于“视唱练耳”的辅助训练，它帮助我建立起对旋律和节奏的直观感知，让我在弹奏时更加自信。书中的一些小技巧，比如如何快速找到琴键上的“do”音，如何用简单的和弦为歌曲伴奏，都让我觉得非常有成就感。我尝试着用书中的方法，为我喜欢的几首流行歌曲进行了简单的伴奏，虽然还很简单，但那种自己创造音乐的喜悦是无与伦比的。这本书的设计团队显然非常了解初学者的心理，他们将学习过程分解成一个个小目标，每一个目标的达成都会带来积极的反馈，从而形成一个正向的学习循环。我感觉自己不再是孤军奋战，而是有一位耐心的向导，带领我在音乐的海洋里遨游。

评分☆☆☆☆☆

这本《电子琴初学教程》真是让我眼前一亮！我一直对音乐抱有浓厚的兴趣，但苦于没有专业的指导，总是在零散的学习中找不到方向。拿到这本书后，我迫不及待地翻阅起来。首先，它的排版设计就非常人性化，清晰的目录和图文并茂的讲解，让我这个完全的初学者也能轻松上手。书中从最基础的乐理知识开始，比如音符、节奏、拍号等等，都用非常通俗易懂的语言进行了阐释，避免了枯燥的理论堆砌。更让我惊喜的是，它还特别设计了许多互动练习，让我能够在学习新知识的同时，立刻得到巩固和检验。我尤其喜欢书中关于指法的讲解，每一个动作都配有详细的图示，让我能够准确地模仿，避免一开始就养成不良的习惯。而且，书中的选曲也很有品味，都是一些耳熟能详的经典旋律，让我学习的动力倍增，每次练习都能感受到进步的喜悦。对于像我一样，想要在繁忙的生活中找寻一份音乐乐趣，并希望能够系统学习电子琴的爱好者来说，这本书无疑是一个非常好的起点。它不仅教授了技巧，更重要的是点燃了我对音乐的热情，让我看到了成为一名合格电子琴演奏者的希望。

评分☆☆☆☆☆

我是一个对音乐有情怀但又对乐器一窍不通的人，一直想学点什么，但总觉得门槛很高。偶然间看到了这本《电子琴初学教程》，抱着试试看的心态入手了。这本书的优点在于它真的做到了“零基础友好”。它没有使用任何晦涩难懂的术语，所有的乐理知识都用最直白、最形象的比喻来解释，比如把音符比作“脚步”，节奏比作“心跳”，瞬间就把抽象的概念具象化了。我最怕的就是枯燥的乐谱，但这本书的乐谱显示非常清晰，并且会标注出每个音符的时值和唱名，配合着书中提供的音频示范，我一下子就能明白怎么弹。更令我惊喜的是，它还鼓励我即兴创作，虽然我目前还只是在模仿，但这种引导性的教学方式让我觉得，学音乐不仅仅是复制，更是表达。这本书的节奏训练部分做得尤其出色，它让我认识到，弹奏的准确性比速度更重要，通过大量的节奏练习，我的双手协调能力得到了显著提升。我感觉自己不再是那个只能看着别人弹琴羡慕的旁观者，而是真正迈出了自己音乐旅程的第一步。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我拿到这本书的时候，并没有抱太大的期望。我之前尝试过一些电子琴的教学视频，但总觉得碎片化，缺乏系统性。然而，《电子琴初学教程》彻底颠覆了我的看法。它不仅仅是一本教材，更像是一位循循善诱的老师。书中的讲解逻辑性极强，从最基础的乐器认识，到如何正确的坐姿和手型，都进行了细致入微的描述。我特别欣赏它对于电子琴内部各种功能的介绍，比如不同音色、节奏模式的运用，这些在初学阶段常常被忽视，但这本书却给予了足够的重视。它并没有急于教授复杂的乐曲，而是花了很多篇幅讲解节奏感和旋律的把握，让我明白了音乐的灵魂在于其律动和情感表达。书中提供的练习曲也很有层次，从简单的单音旋律到双音和弦的配合，都经过了精心设计，能够有效地提升我的手指协调性和独立性。我最喜欢的部分是关于如何“听”音乐的章节，它引导我辨别不同的音程、和弦，培养我的乐感，让我不再只是机械地弹奏，而是能够真正理解音乐的构成。这本书让我深刻体会到，学习电子琴并非难事，关键在于找到对的方法和系统性的指导。

评分☆☆☆☆☆

作为一名有着一定音乐基础，但对电子琴接触不多的学习者，《电子琴初学教程》给我带来了全新的视角。我原本以为自己会直接跳到乐曲弹奏，但这本书让我意识到打好基础的重要性。它详细阐述了电子琴的演奏技巧，比如手指的触键力度、颗粒度，以及如何运用延音踏板来丰富音色。我特别喜欢书中关于“乐句”的讲解，它教会我如何将零散的音符串联成有情感的旋律，让弹奏不再是生硬的机械运动，而是富有生命力的表达。这本书的选曲也很有针对性，它提供的练习曲不仅难度循序渐进，而且涵盖了不同的音乐风格，让我能够体会到电子琴在不同音乐类型中的表现力。例如，它对古典乐的改编处理，让我感受到了电子琴独特的韵味。我还在书中发现了一些关于乐器保养的小贴士，这对于我这样的初学者来说非常实用。这本书的价值在于，它不仅教授了“怎么弹”，更重要的是教会了我“怎么去理解和感受音乐”，让我从“工具”的使用者，逐渐转变为音乐的“表达者”。