中国美术史·大师原典系列：蓝瑛·澄观图册十二开、仿古山水册十二开 、画花鸟册十二开 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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蓝瑛 著

图书标签:

• 中国美术史
• 蓝瑛
• 明代绘画
• 山水画
• 花鸟画
• 绘画技法
• 艺术史
• 大师作品
• 古画
• 图册

出版社： 中信出版社 ， 中信出版集团

ISBN：9787508673004

版次：1

商品编码：12047937

品牌：中信出版

包装：盒装

丛书名： 中国美术史·大师原典

开本：8开

出版时间：2017-04-01

用纸：纯质纸

产品特色

编辑推荐

说起绘画大师，你的脑海里是否马上会出现毕加索、凡·高、达·芬奇、米开朗基罗……要问起中国画的大师，除了历史课本曾提到的聊聊数人，你还能想起谁？

事实上，千年绘画传承，中国拥有数不清的大画家，只是长期以来，这些画作多在博物馆中，图书印刷品又少有高清大图，成系列的就更少。

“中国美术史·大师原典”丛书正是在这种背景下诞生。从画史上有名有姓的*人东晋顾恺之开始，历唐宋元明清，到现代徐悲鸿，遴选中国绘画史上*优秀的大师及其原典，复制级高精印刷，多彩时尚设计，用细节破解中国元素、中国图像、中国美学的“源代码”，展现华夏民族的美学基因。

由于传统中国画的尺幅多为长卷、册页、竖轴，因此该丛书采用两种不同的装帧形式：

以经折装的形式来表现中国长卷画（全套45册已出版）；

以盒装单页的形式来表现册页和竖轴画（2017年陆续出版），并附有画作精彩局部配诗文，可临摹，可装框，亦可诗画共读。

内容简介

精选三套册页共38幅作品，包括花鸟、山水等。蓝瑛山水法宗宋元，又能自成一家。师画家沈周，落笔秀润，临摹唐、宋、元诸家，师黄公望尤为致力。晚年笔力蓊苍劲。《澄观图册十二开》中，蓝瑛凭借深厚的艺术功底准确地表现出江南水乡的秀美和北方山岳的壮丽。《仿古山水册十二开》风格以临黄公望为主，每幅均可见蓝瑛中年绘画之风格。《画花鸟册十二开》展现了蓝瑛独树一帜的花鸟画，将山水画的苍劲雄奇应用于花鸟画中。

38幅大师杰作+38个精彩局部配诗文，每幅画单独成张，高清大图，纤毫毕现，既可以读诗赏画，也方便取出作为临摹范本，还可以装在框中，置于案头或挂在墙上。

作者简介

蓝瑛（1585-约1666），明末清初画家。字田叔，号蝶叟、石头陀。钱塘（今浙江杭州）人。他一生以绘画为职业，漫游南北，饱览名胜，对自然界有深切体会，注重习古，山水师法黄公望、吴镇，兼采南宋院体画法。

早年笔墨较秀润，后漫游南北，风格一变，下笔苍老坚劲，气象崚嶒，近沈周而稍显刻露。兼工人物、花鸟、兰竹。虽力追古法，但能融会贯通，自成风范，对明末清初绘画影响很大，成为武林画派创始者。

精彩书评

数码图像呈现的细节、质地、幅面、气息，使所昏暗的古画获得全新的观看机会。而且，每个人都能面对并拥有清晰的美术史文本，就在自己家里、手中，与辉煌的华夏绘画同在。

——陈丹青 （作家、画家、木心美术馆馆长）

中国古代的文化成就，是我们这个东方大国五千年辉煌历史的重要组成部分，是基本国情，应成为常识，宜家喻户晓。

——孙机 （国家文物鉴定委员会副主任委员）

过去，由于历史条件的限制，这些杰作往往深藏不露，普通读者难以一睹全貌，更无缘亲近赏鉴。本丛书企望“旧时王谢堂前燕”，得以“飞入寻常百姓家”。愿大师原典的灼灼华彩，成为读者的案头锦瑟、枕边韶华。

——张子康（中国美术馆副馆长）

目录

澄观图册十二开

仿古山水册十二开

画花鸟册十二开

精彩书摘

古人学画，向来以临摹为法。对于蓝瑛，同代人评价其临摹能力超强，赞其为如黄公望“翻身出世”。蓝瑛的题款常署仿某家之作，如“仿某某”“法某某”“用某法”等。《仿古山水册十二开》每幅均可见蓝瑛中年绘画之风格，此山水画册的风格以临黄公望为主，笔触粗短，用笔方折，山石少皴，偶用折带、荷叶皴，略加修饰，山石敷以淡青绿和浅绛，加浓墨苔点醒神，用笔简练，设色淡雅。时人评价“自晋唐两宋，无不精妙，临仿元人诸家，悉可乱真”。蓝瑛在临古之余，遍访名山胜川，中晚年在传统画风基础上形成了自己的独特风格。

蓝瑛在《澄观图册十二开》中，凭借深厚的艺术功底准确地表现出江南水乡的秀美和北方山岳的壮丽。“澄观”一语出自六朝山水画家、画论家宗炳《画山水叙》。宗炳认为山水画的功用在于“澄怀观道”，即通过欣赏山水画以涤除心胸之垢，进入平和无我的高尚境界。由于画家遵循“外师造化，中得心源”的创作原则，在创作过程中达到“澄观”的目的，所以在此图册中无法找到任何与自然界相对应的具体景观。蓝瑛在师法自然的基础上又对自然山水的某些形式结构及色彩等进行了分解和重新组合，使之化作了自己的“胸中丘壑”。

除了山水画，蓝瑛的花鸟画也是独树一帜，是我国绘画大师中极少能将山水画的苍劲雄奇应用于花鸟画中的画家之一。蓝瑛一生，勤奋刻苦，作品丰厚，终于成就为武林画派（武林乃杭州别称）的创始者和中心人物。

前言/序言

瀚海星辰：中国古代文人画的境界与传承 本书旨在深入探究中国古代文人画自魏晋以来的精神内核、审美范式及其在历史长河中的演变脉络。不同于聚焦于特定画家或断代风格的传统画史著作，本书力求构建一个宏大而细致的知识体系，以期展现中国文人“写意”精神如何渗透于山水、花鸟、人物等各个画科，并成为东方艺术哲学的核心载体。 第一章：魏晋风骨——文人画的肇始与精神基石 本章追溯了中国文人画的源头，探讨了“士”阶层在艺术领域中自我定位的转变。重点分析了魏晋时期对个体生命体验和“气韵生动”的强调如何脱离了唐代院体的“形似”追求。我们将细致梳理如顾恺之的“传神论”与宗炳、王微的山水画理论，阐述其如何奠定了以“胸中丘壑”为核心的绘画本体论。这一时期的艺术，是士大夫对政治失意和人生哲思的审美化表达，其清高孤傲的底色，为后世文人画定下了基调。 第二章：唐代转折——青绿的盛景与水墨的萌芽 唐代是中国艺术的巅峰时期，但对于文人画而言，它是一个关键的过渡期。本章首先考察了李思训、李昭道父子的青绿山水所代表的富贵气象，分析其如何利用重彩与界画技巧，构建出庙堂气象的极致。随后，笔锋转向吴道子，探讨其“吴带当风”的笔墨变化，以及对水墨意境的初步探索。更重要的是，本章将深入剖析王维的“画中有诗，诗中有画”理论如何首次将禅宗思想和诗歌意境引入绘画实践，标志着水墨写意逐渐从辅助地位走向独立的主流。 第三章：五代至宋——理学兴盛下的审美自觉 宋代是中国文化史上的一个重要转折点，理学思潮的兴起深刻影响了艺术的走向。本章将围绕“理”与“意”的关系展开论述。 山水画的格局构建： 详细解析了荆浩、关仝、李成、董源等“北派”和“南派”大师的创作理念。北派（如荆浩的“气势”与李成的“静穆”）侧重于对北方山川的雄伟结构的把握，强调笔墨的力度与法度。南派（如董源的“平淡天真”）则开创了以披麻皴、点苔等技巧表现江南温润地貌的先河，预示了元代文人画的松弛之美。 花鸟画的觉醒： 阐述了黄筌与徐熙的“黄家富贵”与“徐家野逸”之争，并着重分析了宋徽宗时期院体花鸟画的集大成，其对自然物象的科学观察与审美提炼，为后世写意花鸟提供了精准的造型基础，尽管其本质仍偏向写实，但其对“神态”的捕捉已具备写意倾向。 第四章：元代嬗变——元四家的“尚意”与笔墨的解放 元代，随着文人与政治的彻底分离，绘画彻底回归到个体精神的自娱自乐，史称“尚意”时代。本章是全书的重点之一。 笔墨的本体化： 探讨了赵孟頫“复古”思想对元初画坛的影响，及其对唐宋笔法的重新诠释。重点分析了“元四家”——黄公望、吴镇、倪瓒、王蒙的独特贡献。黄公望的“皴法”如何演化为浑厚朴茂的“中庸之笔”；吴镇的“墨竹”如何以禅机入画，达到“一笔不苟，不类物象”的境界；倪瓒的“折笔”与“空寂”，如何将山水简化为符号化的意象，表达疏离与孤傲；以及王蒙的繁密叠嶂，如何将师承融会贯通，展现内在的复杂性。 竹石的象征主义： 专门开辟部分探讨文人画中“四君子”的象征意义，特别是竹子和梅花如何成为文人操守的替身，其“不着色相，但取意态”的画法，是文人画“以书入画”的最高体现。 第五章：明清的流变——雅正与个性的交锋 明清两代，文人画体系趋于成熟，但内部的分化也日趋明显，形成了两大对立而又相互影响的画派。 明代文徵明与吴门画派的集大成： 分析了沈周和文徵明如何继承元四家，确立了吴门画派的雅正地位。探讨其如何以文人趣味将“院体”的精细融入到“写意”的框架中，形成一种典雅、精到的风格。 董其昌的理论与影响： 深入剖析董其昌提出的“南北宗论”，这一理论如何构建了中国画的谱系图，将文人画置于历史的主流地位，并强调“以书为画”的终极目标。 清初“四僧”的叛逆与探索： 重点分析了弘仁、朱耷（八大山人）、石涛等对既有范式的颠覆。八大山人的“孤、拙、丑”如何以极简的造型表达对时代和个体的深刻反思；石涛的“我自成一家”与“笔墨当戏”，如何打破传统法度的束缚，引入更具表现力和游戏性的笔墨语言，为近代艺术的革新埋下伏笔。 结语：超越技法，探寻东方“心画”的永恒魅力 本书最终将回归到对中国文人画核心精神的总结：它不是一种单纯的绘画技法，而是一种以哲学和诗歌为支撑的生活方式和修养境界。它关注的是“胸中之气”的抒发，是人与自然的和谐共鸣，是超越客观物象、直指生命本质的“心画”探索。通过对数百年间不同风格流派的对比分析，读者可以体悟到，无论是雄浑的北方山水，还是淡远的江南意境，其背后共同流淌的，是对独立人格的坚守与对生命意义的永恒追问。

评分☆☆☆☆☆

这部画册的体量感和分量，拿在手里就让人心生敬畏，它绝非那种可以随意丢在茶几上的消遣读物，而是一本需要你郑重对待、慢慢品味的“器物”。我喜欢它在版式设计上所展现出的克制与大气，留白的处理非常得当，既突出了主体艺术品，又给予了观者足够的视觉休息空间。这种处理方式体现了中国古典审美的“虚实相生”，避免了视觉上的拥挤感。此外，装帧上的细微处理，例如锁线的牢固程度和书脊的弹性，都显示出制作者对长期保存和频繁翻阅的考虑，这使得它不仅仅是一次性的阅读体验，更像是一件可以陪伴我多年的研究和欣赏的工具书。

评分☆☆☆☆☆

作为一名对传统文人画有初步涉猎的爱好者，我关注的重点往往在于笔墨的“气韵”是否得以保留。市面上很多摹本，最容易在处理浓淡干湿的变化时功亏一篑，画面显得平板而僵硬。然而，在这部画册中，我惊喜地发现，那些晕染的层次感，尤其是水墨在宣纸上自然洇开的“湿度”，被极好地捕捉了下来。这使得画面拥有了呼吸感和深度，仿佛能感受到空气在画中流淌。那种需要极高技巧才能达成的“一笔下去，万象生焉”的瞬间感，也通过细致的放大和高清晰度的呈现得到了最大限度的再现。这让我对艺术家的精湛技艺有了更为具体和深刻的体悟，不再是停留在书本描述的抽象概念上。

评分☆☆☆☆☆

翻开这本画册，我立刻被其编排的逻辑性所吸引，它并非简单地将作品堆砌在一起，而是似乎在讲述一个连贯的故事。那些并置的作品之间，那种微妙的呼应关系和风格的演变，引导着我的目光在不同的时期和主题间穿梭。我体验到一种“漫游”式的阅读感受，不需要强迫自己去理解复杂的学术术语，而是通过视觉的直观感受，慢慢体会到不同主题——比如山水与花鸟——在同一位艺术家手中是如何交织并相互影响的。这种编排方式非常高明，它尊重了读者的独立思考空间，允许我们在作品的并置中自行构建理解的脉络，而不是被生硬的文字解读所局限。对我而言，这种沉浸式的视觉体验远胜于干巴巴的理论说教。

评分☆☆☆☆☆

这部画册的装帧设计简直是艺术品本身，从封面到内页，无一不透露出对中国传统美学的深刻理解。纸张的质感极为考究，那种略带粗粝却又温润的手感，让人在翻阅时仿佛能触摸到时光的痕迹。特别是油墨的印刷效果，色彩的层次感把握得恰到好处，即便是对于那些看似随意的笔触，也能清晰地看到画家在纸上“呼吸”的轨迹。我特别留意了那些细节的处理，比如那些钤印的朱红与墨色的对比，在复印件中往往会显得呆板，但在这一册中，却依然能感受到那种活泼的生命力。装帧的工艺显示出出版方对“原典”二字的敬畏，这不仅仅是印刷品，更像是一次珍贵的文物重现。它成功地为我们这些非专业人士搭建了一座通往古代大师创作现场的桥梁，让欣赏门槛大大降低，这对于推广传统艺术的价值是极为重要的贡献。

评分☆☆☆☆☆

这次的观赏经历，更像是一次与古代艺术精神的“私密对话”。画册的选材和呈现方式，成功地剥离了许多不必要的、现代的解读噪音，让观者能够更纯粹地聚焦于作品本身的语言。那些看似不经意的细节——比如颜料在时间冲刷下的自然褪色痕迹，或是装裱时留下的轻微折痕——都被细致地保留了下来，这反而增加了历史的真实性。我从中感受到的，是一种超越技法层面的东西，那是一种对自然秩序的敬畏，以及在有限的材料中表达无限意境的东方哲学。这本书的价值，在于它提供了无数个“慢”下来的瞬间，让我们得以从快节奏的生活中抽离出来，沉浸于那份宁静而深远的艺术境界之中。

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速度没得说。书也是我想要的。

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开本较大，纸张稍次。

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好