历代名画临摹大图范本 二二 梧竹秀石图 元 倪瓒? pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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江西美术 著

图书标签:

• 绘画
• 临摹
• 中国画
• 元代
• 倪瓒
• 梧竹
• 秀石
• 艺术
• 图谱
• 范本

出版社： 江西美术出版社

ISBN：9787548052647

版次：1

商品编码：12200574

包装：平装

开本：6开

出版时间：2017-05-01

用纸：胶版纸

内容简介

　　

　　《梧竹秀石图》成书展开尺寸：168cm*38cm，作品尺寸105cm*36cm。

　　《梧竹秀石图》，立轴，纸本，水墨，纵95.5厘米，横36.5厘米，现藏于北京故宫博物院。

　　综观画面，画家是以极其冷漠的心态来观照现实世界，创作此画时作者清冷幽寂之旨已是融于画面之中。因此画面给人的第一感觉便是孤凉、幽怨，带有一种远离世间烟火的哀伤。与以往画家惯用干淡松秀笔墨表现不同的是，全画用大胆的墨笔写成，颇具苍润淋漓之妙。梧叶用阔笔、湿墨侧抹而出，莽苍超忽，而清阴如覆；树干、秀石的表现亦以侧笔写成，湖石用浓墨皴出，其浑厚有北苑之意。这幅画为倪瓒画风成熟期少见的变体之作，是倪瓒重要代表作品之一。

　　

作者简介

倪瓒（1306~1374），元代画家、诗人。初名珽，字泰宇，后字元稹，号云林，还有很多别号，如萧闲仙卿、海岳居士、朱阳馆主、幻灵子、如幻居士、无住庵主、浄名居士、荆蛮民、曲金叟、沧浪漫士等，其中云林是广为人知的号。倪瓒的山水画一直被评为逸品，其笔墨松秀古淡，经营布势简略，多半只做一个开合，设色作品很少，多做长篇楷书题跋，作品给人一种静谧、空旷、萧索、荒寒的感觉。他的诗、书、画极为著名，且“人品即画品”，从不流于污俗，洁身自好，他的画风不同于历代前朝山水之美，而独具个人特色，对后世影响很大，与黄公望、王蒙、吴镇合称"元四家"。

内页插图

《墨韵幽篁：中国古代文人画的山水意境与笔墨情怀》 卷首语： 在中国浩瀚的艺术长河中，文人画以其独特的审美追求、深邃的哲学意涵和超逸的笔墨韵味，占据着举足轻重的地位。它不仅是物质世界的摹写，更是精神世界的投影，是艺术家心性、情志、学养的集中体现。文人画的魅力，在于其“以形写神，神在形外”的精妙，在于其“笔墨当随时代”的活泼，更在于其“逸格”的追求，将个人的情感、理想与自然融为一体。 本书《墨韵幽篁》旨在深入探究中国古代文人画的核心精神与艺术特质。我们将以详实的史料考证，精美的图例鉴赏，以及富有洞察力的理论分析，带领读者走进文人画的殿堂，感受其博大精深的艺术魅力。本书并非简单地罗列画作，而是力求揭示文人画之所以成为文人画的内在逻辑，梳理其在不同历史时期、不同地域、不同画家的发展脉络，从而勾勒出一幅全面而深刻的文人画全景图。 第一章：文人画的源起与精神内核 文人画的种子，可以追溯到魏晋南北朝时期，士人阶层对自然山水的向往与寄托。东晋顾恺之的“以形写神”，已为后世文人画奠定了理论基础。至唐宋，随着文官制度的成熟，一批具有较高文化素养的士大夫开始涉足绘画，他们将文学、书法、诗歌的素养融入绘画创作，逐渐形成了不同于宫廷画和民间画的独特风格。 文人画的精神内核，可以归结为以下几个方面： “逸格”的追求： 这是文人画最核心的美学追求。与工整严谨的“界画”或描绘真实场景的“写实画”不同，文人画更注重主观的抒发和意境的营造。画家追求的是“气韵生动”，是笔墨的自由挥洒，是画面的“不可言说”之处，这是一种超越形似，直达神韵的艺术境界。 “书画同源”的理念： 文人画强调书法在绘画中的重要性。书法家的线条、笔势、墨韵，都直接体现在绘画的笔墨之中。点、线、面的运用，讲究力量、速度、节奏，以及墨色的浓淡干湿，都蕴含着书法的功力。“以书入画”，使得文人画的笔墨具有了独特的生命力和表现力。 “诗情画意”的融合： 文人画往往与诗歌、书法紧密结合。诗歌的意境、情感，可以通过绘画的构图、色彩、笔墨来表现；绘画的景象，也可以激发观者的诗意联想。这种“诗画合璧”的特点，使得文人画具有了更强的文学性和感染力。 “寄情山水”的情感寄托： 对于远离官场、追求隐逸的文人来说，山水成为了他们寄托情怀的理想空间。山水画中的崇山峻岭、潺潺流水、幽深林木，都成为了他们表达对自然的热爱、对自由的向往、对世俗的超脱的载体。山水不再是简单的自然景物，而是被赋予了艺术家丰富的情感与思想。 “托物言志”的象征意义： 文人画中的许多题材，如梅、兰、竹、菊（四君子），松、鹤、石等，都具有丰富的象征意义。它们被赋予了高洁、坚韧、虚心、傲骨等品格，成为文人借以表达自身品德、操守的象征。 第二章：文人画的发展脉络与代表人物 本书将梳理文人画自萌芽、发展、成熟直至衰落的历史进程，重点关注各个时期的代表性画种和画家。 宋代： 宋代是文人画发展的第一个高峰期。宋徽宗的“宣和画院”虽然以院体画为主，但也孕育了“文人画”的基因。苏轼、文同、米芾等文人画家，以其诗书画俱佳的才能，极大地推动了文人画的发展。他们的作品，如苏轼的《枯木竹石图》、文同的《墨竹图》，展现了对自然景物的写意把握和对笔墨韵味的探索。米芾父子更是开创了“米点山水”，以其独特的皴法和墨法，表现烟雨朦胧的江南风光。 元代： 元代是文人画的鼎盛时期。蒙古族统治下的社会环境，使得许多汉族文人将绘画视为抒发情怀、寄托民族情感的重要途径。赵孟頫在继承传统的基础上，革新了山水画的笔墨技法，倡导“尚古”，开创了“元四家”的先河。而“元四家”——黄公望、王蒙、倪瓒、吴镇，则将文人画推向了新的高度。 黄公望： 其《富春山居图》以其精妙的笔墨、深远的意境，成为中国山水画的巅峰之作，体现了“平淡天真”的艺术境界。 王蒙： 以其“解索皴”闻名，构图繁密，意境幽深，作品中蕴含着深厚的文化底蕴。 倪瓒： 以其“干笔皴擦”、“简淡疏离”的画风著称，尤善画“疏林”、“枯树”、“湖石”。他笔下的山水，空灵、宁静，极富哲思，体现了他孤高绝俗的品格。本书将详细剖析其作品的笔墨特点和意境表达。 吴镇： 其画风雄浑苍劲，墨色淋漓，作品充满野逸之气，对后世影响深远。 明清： 明代文徵明、唐寅、仇英等“吴门四家”，在继承元代文人画的基础上，发展出更为细腻、典雅的风格。清代“扬州八怪”，如郑燮、金农等，则以其奔放、个性的画风，打破了传统文人画的窠臼，注入了新的活力。 第三章：文人画的笔墨技法与表现力 本书将深入探讨文人画的笔墨语言，解析各种皴法、点法、苔点、墨法的运用及其所蕴含的丰富表现力。 皴法： 皴法是中国山水画特有的表现技法，用以表现山石的纹理和质感。本书将详细介绍披麻皴、荷叶皴、斧劈皴、牛毛皴、解索皴等经典皴法，并结合具体画作，分析其在不同画家笔下的演变和创新。 点法： 点法在文人画中同样至关重要，它不仅用于表现树叶、草丛，更被用来增强画面的墨韵和层次感。如米芾的“米点”，将墨点化为云烟，营造出朦胧湿润的江南意境。 墨法： 墨法是中国画的灵魂。墨色的浓淡干湿变化，决定了画面的空间感、层次感和生命力。“积墨”、“破墨”、“宿墨”等技法的运用，能够产生丰富多变的墨韵效果。墨法不仅是技法，更是艺术家情感和心境的直接流露。 线条的表现力： 文人画的线条，往往刚柔并济，刚劲有力而又不失灵动。线条的粗细、曲直、顿挫，都蕴含着书法的功力，能够传达出物体的形态、质感，更能表现出画家的精神气质。 第四章：文人画的意境营造与文化内涵 文人画的最高境界在于意境的营造，即“言有尽而意无穷”。本书将探讨文人画如何通过构图、留白、笔墨等元素，创造出富有诗意和哲理的意境。 构图的哲学： 文人画的构图并非写实的复制，而是经过艺术家的提炼与选择。留白的处理，更是中国画的独特之处，它不是“空”，而是“虚”，是引发观者想象的空间，是“景外景”。 留白与空灵： 留白是中国画不可分割的一部分，它通过“有”来表现“无”，通过“静”来衬托“动”。文人画家善于利用留白，营造出空灵、悠远的意境，让观者在画面的虚处，感受画家的心境和思想。 文人画中的哲学思想： 文人画深受中国传统哲学思想的影响，如道家的“道法自然”，禅宗的“顿悟”，都体现在画家的创作中。画家通过山水，表达对宇宙人生的感悟，对超脱世俗的追求。 文人画的教育与传承： 本书还将探讨文人画的教育体系，如师徒相授、临摹范本等，以及文人画在不同历史时期的传承与演变。 结语： 《墨韵幽篁》希望通过对文人画的深入解读，帮助读者不仅看到画面的“形”，更能感受到画面的“神”；不仅欣赏到精妙的笔墨，更能理解其中蕴含的深厚文化底蕴和艺术家独特的情感世界。文人画是中国传统文化的一颗璀璨明珠，它的艺术价值和哲学内涵，至今仍具有重要的启示意义。希望本书能为读者打开一扇窗，窥见文人画背后那片宁静致远、充满诗意的精神家园。

评分☆☆☆☆☆

作为一个业余的书画爱好者，我一直苦于找不到好的范本。市面上很多临摹本，要么印刷粗糙，细节模糊不清，要么就是将原作进行过度优化，失去了原作的本真。而这本书，则真正做到了“忠实于原作”。它没有试图去“美化”或者“修饰”倪瓒的画作，而是以一种敬畏的心态，将原作最真实的面貌呈现给读者。这使得我们在临摹的时候，能够直接接触到大师的笔墨技巧，而不是被二次加工后的图像所误导。

评分☆☆☆☆☆

这本书的价值，不仅仅在于它是一本临摹的范本，更在于它是一扇窗，让我们得以窥见元代文人画的艺术世界。倪瓒的“梧竹秀石图”，是那个时代文人精神的写照，那种遗世独立的淡泊，那种对自然景物的细腻体悟，都通过他的笔墨得以展现。通过这本书，我仿佛能够感受到那个时代的空气，听到那个时代的声响，这是一种非常独特的体验。

评分☆☆☆☆☆

对于任何一个热爱中国传统书画，尤其是对元代文人画感兴趣的读者来说，这本《历代名画临摹大图范本 二二 梧竹秀石图 元 倪瓒》都是一本不可或缺的宝藏。它的印刷质量、细节呈现、以及对原作的尊重，都达到了极高的水准。我毫不犹豫地推荐给所有希望深入学习和欣赏倪瓒画作的朋友们。

评分☆☆☆☆☆

这本书的装帧设计也让我印象深刻。它采用了传统的线装方式，每一页都像是精心制作的卷轴，打开的过程本身就充满了仪式感。书页的材质选择，也是我非常喜欢的，那种带着微微粗糙感的纸张，非常适合用毛笔进行临摹，能够很好地感受到墨色在纸上晕染开来的变化。这种细致入微的考量，足以证明出版方的用心，也让我更加珍视这本作品。

评分☆☆☆☆☆

深入研究“梧竹秀石图”的构图，我被倪瓒的巧思所折服。看似简单的几笔，却营造出极强的空间感和层次感。梧桐的疏影，石头的错落，以及它们之间留白的处理，都恰到好处。书中的大图范本，使得我能够逐一分析他的构图方式，学习他如何通过疏密、虚实的变化，来达到一种均衡而又富有生命力的画面效果。这对于我自己的绘画创作，也提供了极大的启发。

评分☆☆☆☆☆

当第一幅“梧竹秀石图”以如此逼真的尺寸呈现在眼前时，我几乎被深深地震撼了。那不是简单的复制，而是一种对原作神韵的再现。倪瓒笔下的梧桐，疏朗有致，枝干的转折处，墨色的浓淡变化，都仿佛凝固了时间，让我能细细揣摩每一笔的落墨之处。而那几块嶙峋的石头，更是他“瘦硬”风格的极致体现，线条的勾勒，皴法的运用，没有丝毫的拖泥带水，每一笔都仿佛饱含着画家的心意。我迫不及待地拿出了笔墨，尝试着去临摹，那种感觉就像是穿越了时空，与倪瓒本人一起坐在画案前，感受他创作时的心境。

评分☆☆☆☆☆

总而言之，这不仅仅是一本画册，更是一份宝贵的艺术遗产的传承。通过这本范本，我不仅学习了倪瓒的绘画技巧，更重要的是，我被他的艺术精神所感染。那种追求简淡、超然物外的生活态度，以及对艺术的执着追求，都让我受益匪浅。这本书陪伴我度过了许多美好的临摹时光，也让我对中国古典绘画有了更深层次的理解。

评分☆☆☆☆☆

在临摹的过程中，我常常会停下来，仔细观察倪瓒是如何处理笔下的墨色。他的用墨，看似简单，实则变化万千。淡墨的晕染，浓墨的勾勒，飞白的运用，都带着一种自然的韵味。这本书的高清印刷，使得我们可以清晰地看到他墨色的层次感，以及笔锋的起伏变化。这让我不仅仅是模仿他的线条，更是去体会他运笔时的力量和节奏。

评分☆☆☆☆☆

这本书最让我称道的是其细节的处理。它不仅仅是将原作放大，更重要的是，在放大之后，我们能够清晰地看到原作的“气韵”。比如，倪瓒在画石头时，那种干湿浓淡的过渡，那种飞白的应用，在普通印刷品上往往被模糊处理，但在本书中，这些微妙之处被毫不保留地展现出来。这对于想要真正理解倪瓒绘画技法的学习者来说，简直是如获至宝。我反复对着原作的细节，研究他的用笔方式，是如何通过简单的几笔，就能勾勒出石头坚硬的质感，又如何通过留白，营造出空灵的空间感。

评分☆☆☆☆☆

初拿到这本《历代名画临摹大图范本 二二 梧竹秀石图 元 倪瓒》时，内心是充满了期待的。我一直对中国古典绘画，特别是元代文人画有着浓厚的兴趣，而倪瓒的山水画，以其萧散简淡、意境高远的风格，更是我心头所爱。这本书的封面设计就透着一股古朴典雅的气息，淡淡的色彩搭配，以及恰到好处的留白，都让我觉得它并非市面上那些浮华炫目的画册。翻开书页，第一感受是纸张的质感，厚实且带着微微的纹理，这对于临摹来说至关重要，因为好的纸张能够更好地承载墨色，也更方便我们用毛笔去感受原作的笔触。