視與思:德國造型藝術史 pdf epub mobi txt 電子書 下載 2025

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楊勁 著

圖書標籤:

• 藝術史
• 德國藝術
• 造型藝術
• 視覺文化
• 設計史
• 藝術理論
• 文化史
• 現代藝術
• 藝術教育
• 西方藝術

齣版社： 北京師範大學齣版社

ISBN：9787303222353

版次：1

商品編碼：12286924

包裝：精裝

叢書名： 藝術漫步

開本：16

齣版時間：2017-03-01

用紙：純質紙

頁數：394

內容簡介

　　造型藝術指“以一定物質材料和手段創造的可視靜態空間形象的藝術” ，當然，在視像藝術、行為藝術中，它也發展齣動態的呈現形式。藝術並非理論上的抽象概念——即便概念藝術（Konzeptkunst）也離不開具體的文字呈現形式——，而是感性之物。因此，對藝術的接受應首先訴諸感官。對繪畫作品的欣賞以視覺為主，在建築或雕塑作品中可能會融入觸覺，在視像作品中還會加入聽覺。藝術品應當給我們的感官帶來某種刺激甚或衝擊，這種衝擊並不局限於審美快感，也可能是負麵感覺，比如刺眼、震驚、惡心，關鍵在於它讓你眼前一亮或一驚。在對藝術的欣賞上，我不贊成以“意”害“藝”，即不管藝術作品的錶現形式，以作品的思想內涵為評判準繩，似乎隻要其中蘊含深義，就成其為佳作。其實，我們對藝術品的第一感覺（視覺印象）非常重要，無論這種感覺是愉悅還是驚詫，它所造成的接受心理是喜歡還是厭惡，我們都應十分重視，這是藝術接受的基礎。當然，藝術欣賞不止於一眼望盡的直覺印象，我們還必須通過第二眼及之後的不斷觀看、反復欣賞，琢磨品味作品的局部與整體、形式與內涵之間的關係，糾正或補充第一感覺的片麵或偏頗之處，逐漸獲得對作品的整體印象和深刻領悟。簡言之：視與思。

追尋流變中的形式與精神：十九世紀歐洲繪畫的轉型與革新 本書深入剖析瞭19世紀歐洲繪畫領域所經曆的深刻變革。從拿破侖戰爭的餘波中崛起的浪漫主義，到對古典主義學院派的激烈反叛，再到工業革命背景下社會現實的迫切反映，本世紀的藝術思潮如同奔湧的洪流，以前所未有的速度衝刷著既有的藝術疆界。 第一章：浪漫主義的迴響與個體情感的勃發 19世紀初，歐洲社會在政治動蕩與啓濛思想的理性光芒之間搖擺不定。浪漫主義藝術的興起，正是對盛極而衰的古典主義的有力反撥。它高舉“情感高於理性”的旗幟，將個體的、主觀的內心世界置於創作的中心。 1. 異域情調與曆史的宏大敘事： 這一時期的畫傢們熱衷於描繪那些充滿異國情調的場景，或是重現中世紀的傳奇與曆史的悲壯時刻。德拉剋洛瓦（Eugène Delacroix）的色彩運用達到瞭爐火純青的地步，他通過鮮明、對比強烈的筆觸，捕捉瞬間的激情與戲劇性衝突。《自由引導人民》不僅是對特定曆史事件的記錄，更是對理想與鬥爭精神的頌歌。他的作品中，綫條的清晰性被光影的律動和色彩的張力所取代，預示著現代繪畫對客觀再現的鬆動。 2. 自然的崇高與人類的渺小： 在風景畫領域，卡斯帕·大衛·弗裏德裏希（Caspar David Friedrich）將風景提升到瞭近乎宗教體驗的高度。他的作品中常常齣現背對觀者的孤獨身影，麵對著磅礴的、帶有象徵意義的自然景觀——迷霧繚繞的群山、浩瀚的海洋、古老的廢墟。這種對“崇高”（The Sublime）的追求，強調瞭自然界超越人類理解和掌控的力量，引發瞭觀者對自身存在意義的深層沉思。這不僅僅是對自然景色的描摹，更是對人類靈魂狀態的隱喻。 3. 對“異己”的探索： 浪漫主義的自由精神也延伸到瞭對被邊緣化群體的關注。在西班牙，戈雅（Francisco de Goya）的晚期作品，尤其是他著名的“黑色繪畫”係列，以令人不安的、近乎恐怖的意象，直麵人性的陰暗麵、戰爭的殘酷與迷信的愚昧。這標誌著藝術開始承擔起更尖銳的社會批判職能，為現實主義的齣現埋下瞭伏筆。 第二章：現實主義的崛起——直麵“此時此地” 隨著19世紀中葉社會矛盾的激化和科學實證精神的滲透，一批藝術傢開始厭倦浪漫主義的過度幻想和學院派的陳詞濫調。他們將目光聚焦於當下、普通人的日常生活和勞動場景，強調對客觀世界的忠實記錄，這就是現實主義的誕生。 1. 柯爾和巴比鬆畫派的田園牧歌： 以法國巴比鬆畫派為代錶，藝術傢們走齣畫室，深入森林和農田，試圖捕捉鄉村生活的本質和光綫的微妙變化。米勒（Jean-François Millet）的作品，如《拾穗》，以一種近乎神聖的莊嚴感描繪瞭農民的勞作。他沒有美化貧窮，也沒有過度煽情，而是賦予瞭勞動者一種堅韌不拔的尊嚴。這種對普通人境遇的尊重，是藝術民主化的重要一步。 2. 庫爾貝的“物質性”宣言： 古斯塔夫·庫爾貝（Gustave Courbet）是現實主義運動中最具顛覆性的旗手。他公開宣稱：“繪畫不是一種室內裝飾的藝術，它是一種完全的物質藝術，隻能描繪那些真實存在、眼睛能看到的東西。”他拒絕描繪曆史、神話或浪漫的場景，轉而創作巨幅的《奧爾南的葬禮》和《畫室》，將普通人（甚至是低下的勞動者）置於傳統曆史畫的宏大尺幅之上，這種做法在當時的沙龍引起瞭巨大的爭議。庫爾貝的畫筆下沒有“美化”，隻有坦誠的、未經修飾的物質存在感。 第三章：印象派的革命——光綫、瞬間與視角的解構 19世紀下半葉，攝影技術的齣現對繪畫的記錄功能構成瞭直接挑戰，這迫使畫傢們去探索繪畫自身獨有的、不可被機械復製的價值。印象派的齣現，標誌著藝術史嚮現代性邁齣瞭決定性的一步。 1. 捕捉流動的光影： 印象派畫傢們將焦點從“描繪物體”轉嚮瞭“描繪光綫照射到物體上所産生的瞬間視覺感受”。莫奈（Claude Monet）成為這場運動的代名詞。他癡迷於捕捉同一場景在不同時間、不同天氣條件下的光影變化，例如他對魯昂大教堂和乾草堆係列作品的反復描繪，證明瞭客觀實體的不變性遠不如瞬間光感的易逝性來得重要。他們采用並置的純色筆觸，讓觀者的眼睛在一定距離外進行色彩的“調和”，這極大地增強瞭畫麵的生動感和振動感。 2. 現代都市生活的瞬間切片： 雷諾阿（Pierre-Auguste Renoir）則將印象派的技法應用於對巴黎新興中産階級休閑生活的描繪。在《船上的午宴》中，光斑灑落於人群、樹影和酒杯之上，營造齣一種輕鬆、愉悅、充滿活力的“在場感”。他們贊美都市的浮華與歡愉，記錄瞭新的社會階層如何構建他們的閑暇時光。 3. 構圖的革新與視角的引入： 德加（Edgar Degas）雖然在技法上常被歸類為印象派，但他對運動瞬間的捕捉和獨特的構圖方式，深受日本浮世繪（Ukiyo-e）的影響。他常常采用高角度俯視、裁剪邊緣人物或利用強烈的對角綫構圖，創造齣一種偶然的、非正式的“快照”效果，挑戰瞭傳統西方藝術中那種精心安排的平衡感。 第四章：後印象派的迴歸與個體精神的深化 到瞭19世紀末，部分藝術傢感到印象派對光影的過度關注，使其在深度錶達上有所欠缺。後印象派並非一個統一的流派，而是幾位天纔藝術傢在吸收瞭印象派對色彩的解放後，試圖重新注入結構、情感和象徵意義的探索。 1. 塞尚：在自然中尋找永恒的幾何結構： 保羅·塞尚（Paul Cézanne）被譽為“現代藝術之父”。他認為印象派過於短暫、缺乏永恒的結構。他著手研究自然界的基本形體——圓柱體、球體和圓錐體。他的目標是“用圓柱體來處理自然”，他通過多重視角和對色塊的精確堆疊，試圖在不斷變化的光影錶象下，揭示物體內在的、持久的幾何秩序。他的畫作開始將觀看的經驗和思考的過程並置於畫麵之中。 2. 梵高：色彩的純粹情感錶達： 文森特·梵高（Vincent van Gogh）的藝術是情感的爆發。他不再將色彩用於描摹自然光綫，而是將其作為錶達內心激動、痛苦或狂喜的純粹媒介。他采用厚塗的顔料（Impasto）和充滿律動的、扭麯的筆觸，使畫麵仿佛在震顫。他的星空和嚮日葵，是觀者眼中世界與創作者內心世界的強烈交匯點，標誌著藝術的錶達性進入瞭一個前所未有的高峰。 3. 高更：迴歸原始與象徵的呼喚： 保羅·高更（Paul Gauguin）厭倦瞭西方文明的虛僞和都市的喧囂，前往塔希提島尋求“原始”和“純粹”。他發展瞭“綜閤畫法”（Synthetism），強調從自然中提煉齣基本形狀，並通過符號化的、平麵的大色塊來錶達象徵意義。他使用色彩來傳達主題的情緒和精神內涵，而非模仿可見的現實，這直接為20世紀的野獸派和錶現主義鋪平瞭道路。 通過對這四個階段的梳理，我們看到19世紀的歐洲繪畫不再是一個平滑的發展綫索，而是一係列相互繼承、衝突與顛覆的復雜對話。從對客觀世界的描摹到對主觀感受的極端錶達，藝術傢們一步步瓦解瞭文藝復興以來的視覺法則，為20世紀藝術的全麵爆發奠定瞭結構性與精神性的雙重基石。

評分☆☆☆☆☆

這本書的敘事邏輯簡直是教科書級彆的清晰，作者並沒有采取那種綫性、平鋪直敘的編年史寫法，而是巧妙地構建瞭一張互聯互通的思維網絡。它擅長在宏大的曆史背景下，精準地捕捉到那些決定性的轉摺點，比如某個關鍵人物的齣現，或者某次社會思潮的湧動，如何像漣漪一樣擴散並最終重塑瞭造型藝術的麵貌。我感覺作者的筆觸像一位經驗豐富的導遊，他總能在最恰當的時機，將不同時期、不同地域的設計思想串聯起來，讓讀者不至於迷失在繁復的史料之中。尤其欣賞它對“功能與形式”這一核心議題的深入剖析，那種思辨的深度遠超我預期的入門讀物，它引導我去思考，一件物品之所以成為經典，其背後蘊含的哲學思考究竟是什麼。這種結構上的精妙設計，使得即便是初次接觸這個領域的人，也能構建起一個紮實且富有層次感的知識框架，而不是碎片化的信息點。

評分☆☆☆☆☆

這本書最大的魅力在於其跨學科的視野和強大的融會貫通能力。它不僅僅聚焦於建築或傢具設計，而是將圖形設計、工業産品乃至舞颱美術都納入到一個統一的美學光譜中進行考察。作者在論述不同媒介之間的互相影響時，展現齣瞭一種宏大的史觀，他能清晰地指齣，某個在建築上取得突破性的空間理論，是如何迅速被應用到海報排版，進而影響到字體設計的軌跡。這種視野的開闊性，打破瞭傳統藝術史的學科壁壘，讓讀者能夠從一個更整體、更立體的角度去理解德國造型藝術在現代世界中的整體貢獻。它成功地構建瞭一座橫跨不同領域的設計“高速公路”，讓知識流動起來，避免瞭各分支學科各自為政的局麵。這種綜閤性的論述，對於想要建立全麵認知體係的讀者而言，無疑是寶貴且難得的財富。

評分☆☆☆☆☆

書中對具體案例的分析簡直是細緻入微到瞭令人發指的地步，那種專注於物件本身“身體”的研究態度，令人嘆服。作者似乎對每一件被提及的作品都有著近乎偏執的迷戀，從材料的選擇、接縫的處理、到螺絲釘的朝嚮，每一個微小的設計決策都被置於放大鏡下進行考量。他不會滿足於泛泛地說“這個設計很簡潔”，而是會深入挖掘，這個“簡潔”是如何通過對傳統裝飾的徹底剝離，並輔以特定的幾何邏輯來實現的，甚至會追溯到那位設計師在工廠車間裏與工匠們探討材料特性的具體對話場景。這種“田野調查式”的敘事手法，極大地增強瞭文本的說服力和畫麵感，讓人仿佛能聞到舊木料的味道，聽到金屬敲擊的迴響。對於追求深度研究的讀者來說，這種對“物性”的極緻尊重，提供瞭無數可供延伸思考的切入口，遠比空泛的理論說教來得實在和有價值。

評分☆☆☆☆☆

閱讀這本書的過程中，我被其中那些深入骨髓的文化批判精神深深吸引住瞭。它並非僅僅滿足於對“美”的描述，而是毫不留情地揭示瞭造型藝術是如何被社會權力、經濟結構和意識形態所塑造的。作者的文字犀利而有力，他敢於直麵那些曆史敘事中常常被美化或忽略的矛盾地帶。每一次對某個設計流派的闡釋，背後都隱藏著對時代精神的深刻洞察，比如對工業化浪潮衝擊下美學觀念重塑的描摹，那種既充滿希望又夾雜著焦慮的復雜心緒，被捕捉得淋灕盡緻。這讓我意識到，藝術史絕不是象牙塔裏的純粹審美活動，而是人類應對生存挑戰、錶達集體身份的核心戰場。讀完某個章節後，我需要停下來，反復咀嚼那些關於“真理”與“效率”之間拉鋸的論述，這種被挑戰和引導的感覺，非常過癮，也讓人對當下正在發生的設計現象有瞭更具批判性的眼光。

評分☆☆☆☆☆

這本書的裝幀設計簡直是一場視覺盛宴，從封麵到內頁的排版，都透露著一種嚴謹而又充滿藝術氣息的格調。紙張的質感拿在手裏沉甸甸的，油墨的印刷清晰銳利，即便是那些年代久遠的藝術品圖片，色彩還原度也齣乎意料地高，細節縴毫畢現。我尤其欣賞它在版式處理上的匠心獨運，那些關鍵的理論闡述和圖像展示之間，留白的運用恰到好處，既保證瞭閱讀的節奏感，又不會讓人感到壓迫。這種對“物”的尊重，似乎本身就在嚮德國設計史上那些注重工藝和材料的傳統緻敬。翻閱的過程中，不時能感受到編輯團隊在細節上傾注的心血，每一個章節的過渡都處理得非常流暢自然，仿佛是在引導讀者進行一次精心策劃的博物館之旅，而非僅僅是知識的堆砌。它不僅僅是一本藝術史的教科書，更像是一件值得收藏的藝術品本身，擺在書架上都顯得格調非凡，每一次不經意的觸碰，都能喚起對設計美學的重新審視。