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无 著

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出版社： 华东师范大学出版社

ISBN：9787567520776

商品编码：1470537431

出版时间：2014-08-01

作  者:无 著作 朱立元 主编 定  价:56 出 版 社:华东师范大学出版社 出版日期:2014年08月01日 页  数:435 装  帧:平装 ISBN:9787567520776 ●0导论：当代西方文艺理论概观
●0.1两大主潮
●0.2两次转移
●0.3两个转向
●l象征主义与意象派诗论
●1.1瓦莱里以音乐化为核心的象征主义诗论
●1.2叶芝的理性与感性相统一的象征理论
●1.3庞德、休姆的意象主义诗论
●2表现主义
●2.1克罗齐的艺术即直觉即表现论
●2.2科林伍德的表现理论
●3俄国形式主义与布拉格学派
●3.1诗学探索的理论特征
●3.2什克洛夫斯基的陌生化理论
●3.3雅各布森对文学性的语言学阐释
●3.4艾亨鲍姆的科学实证主义文论
●4精神分析批评
●……

内容简介

当代西方文艺理论(第3版教育部面向21世纪课程教材)》由复旦大学朱立元主编，编写组成员均为来自靠前有名高校的专家、学者。本书自1997年编写出版以来，经过2005年的增补，现为修订后的第三版。本书始终秉承持论准确、材料新颖、内容丰富的原则呈现了西方当代文艺理论的整体状况和*新发展。

《现代艺术的基因：从印象派到后现代的演进》 《现代艺术的基因》一书，并非一部传统的艺术史梳理，而是一次深入现代艺术肌理的探险。它以一种更为亲切、更富启发性的方式，带领读者穿越从19世纪中叶的印象派萌芽，直至21世纪初的后现代思潮兴起，这段波澜壮阔的艺术变革历程。本书致力于揭示现代艺术之所以为现代艺术的深层原因，探寻那些驱动艺术形式、观念和创作语汇不断革新的内在动力。 本书不同于许多梳理艺术家和流派的著作，它不以线性时间为主要轴线，而是将焦点置于艺术观念的“基因突变”和“演进枝蔓”上。每一次艺术上的重大转向，都被视为一种新的“基因”的诞生，这种“基因”或为对现实观看方式的颠覆，或为对媒介本身的重新思考，亦或是对艺术本体的质疑。这些“基因”通过艺术家们的实践，如同DNA链上的碱基配对，不断组合、变异，催生出新的艺术现象，并最终汇聚成我们今天所理解的“现代艺术”的庞大族谱。 第一章：光影的革命与主观的苏醒——印象派及其先声 在揭开现代艺术的序幕之前，我们首先回溯至19世纪后半叶的法国。本书将细致描绘那个时代艺术界所面临的保守氛围，以及与学院派僵化教条的对抗。印象派的出现，并非横空出世，而是孕育于对光学原理的科学探索，以及对西方绘画传统的一次大胆“松绑”。 科学的光芒与视觉的真相： 本章将深入探讨布格里沃（Bouguereau）时代的严谨写实与印象派画家们对光线和色彩瞬息万变的着迷之间的张力。我们不会仅仅罗列莫奈（Monet）、雷诺阿（Renoir）等人的代表作，而是探究他们如何运用破碎的笔触、非混合的色彩去捕捉短暂的视觉经验，如何将对自然光影的客观记录，升华为一种充满个体感受的“印象”。我们将分析他们如何借助于当时新兴的科学理论，如色度学（chromatics），来理解色彩的混合与并置，从而打破了传统色彩混合的模式。 从风景到生活： 印象派对描绘对象的热情同样值得深思。它从对历史、神话的宏大叙事，转向了对日常生活的细致观察——街景、咖啡馆、舞会、乡村郊游。这种视角的转变，本身就是一种观念的革命，标志着艺术开始关注当下，关注普通人的生活，为后来艺术的社会化和生活化奠定了基础。 构图的解放： 梵蒂冈（Vatican）的古典构图原则在印象派这里得到了极大的挑战。斜向的构图、被切割的人物、空旷的留白，都模仿了摄影术带来的新视觉体验，也赋予画面一种新的动感和现代感。我们将审视他们如何借鉴日本浮世绘（ukiyo-e）的平面化处理和构图方式，理解东西方艺术的碰撞如何催生了新的视觉语言。 后印象派的深化与裂变： 继印象派的光影革命之后，塞尚（Cézanne）、梵高（Van Gogh）、高更（Gauguin）等艺术家，在继承印象派对色彩和笔触的探索基础上，各自走向了更为内省和理论化的道路。塞尚对形体结构的分析，为后来的立体主义（Cubism）埋下了种子；梵高的情感奔放与主观变形，预示着表现主义（Expressionism）的到来；高更的象征主义（Symbolism）倾向和对原始艺术的迷恋，则开启了通往象征与抽象的另一条路径。本章将聚焦他们如何从“观看”走向“表达”，从“再现”走向“表现”，为现代艺术注入了更深层的主观性和观念性。 第二章：形式的解构与内在的逻辑——从野兽派到立体主义的几何探索 进入20世纪，艺术的变革进入了更为激化的阶段。本章将聚焦于艺术语言本身的“解构”与“重构”，尤其是形式的纯粹化与几何化的探索。 色彩的野性绽放： 马蒂斯（Matisse）、德兰（Derain）等野兽派（Fauvism）画家，以其大胆、未经调和的原色碰撞，将色彩从写实的功能中解放出来，使其成为独立的表现媒介。他们对色彩的“滥用”，实则是一种对视觉感官的直接刺激，是对情感的直接抒发，也打破了色彩的传统象征意义。本书将分析野兽派如何通过纯粹的色彩来表达情绪和主观感受，以及这种对色彩的解放如何影响了后来的抽象艺术。 立体主义的几何革命： 毕加索（Picasso）和布拉克（Braque）领导的立体主义（Cubism），是现代艺术史上最深刻的革命之一。本书将详细解读立体主义如何打破西方绘画几百年来形成的焦点透视法则，将多维度的视角并置于同一画面。我们会分析他们如何将物体解构为几何形状，再重新组合，从而揭示物体的内在结构和本质。从早期的“分析立体主义”（Analytic Cubism）到“综合立体主义”（Synthetic Cubism），我们将梳理其从碎片化到平面化拼贴的演进过程，理解这种对形体的颠覆如何影响了设计、雕塑乃至建筑等多个领域。 未来的召唤与速度的颂歌： 意大利未来主义（Futurism）则将艺术的触角伸向了工业文明的时代洪流。马里内蒂（Marinetti）及其追随者们对速度、机器、城市和战争的狂热崇拜，通过他们充满动感的画面和文字，展现了对未来的大胆想象。本章将探讨未来主义如何试图在艺术中捕捉运动的轨迹，如何将机器的节奏和动力注入绘画，以及这种对现代性的拥抱如何在艺术史上留下深刻的印记。 第三章：观念的转向与意义的追寻——从抽象艺术到达达主义的实验 随着形式上的探索达到新的高度，艺术的重心开始逐渐向观念和意义的层面转移。本章将探讨抽象艺术的兴起，以及达达主义对艺术边界的彻底挑战。 走向纯粹的抽象： 康定斯基（Kandinsky）的“精神在艺术中的精神”的理念，将抽象艺术推向了理论的高峰。他认为色彩和形式本身就具有内在的精神力量，可以绕过具象的媒介，直接触及观众的情感和灵魂。本书将深入分析几何抽象（如蒙德里安 Mondrian 的新造型主义）与抒情抽象（如康定斯基的早期作品）的差异，以及他们如何通过纯粹的形式语言来探索宇宙的秩序、生命的律动和人类的内心世界。 达达的虚无与反叛： 第一次世界大战的创伤，催生了达达主义（Dadaism）的虚无与反叛精神。杜尚（Duchamp）的“现成品”（readymades）将艺术的焦点从技艺转向了观念。本书将深入分析达达主义如何通过挪用、颠覆、戏谑等方式，挑战传统的艺术价值判断，质疑艺术的原创性、权威性和神圣性。我们将考察他们如何运用拼贴、蒙太奇、偶然性等手法，制造出令人不安和引发思考的艺术作品，理解达达主义作为一种“反艺术”的姿态，为后来的观念艺术（Conceptual Art）和波普艺术（Pop Art）铺平了道路。 超现实主义的梦境与潜意识： 达达主义的实验精神，在超现实主义（Surrealism）那里得到了更具想象力和颠覆性的发展。布列塔尼（Breton）及其追随者们，深受弗洛伊德（Freud）精神分析学的影响，致力于探索人类的潜意识、梦境和非理性世界。本书将分析超现实主义如何通过自动写作、梦境描绘、移花接木的拼贴等手法，打破现实与幻想的界限，展现一个既惊心动魄又引人入胜的视觉世界。我们将考察他们如何捕捉潜意识的奇特逻辑，以及这种对内心世界的深度挖掘如何丰富了艺术的表现力。 第四章：大众文化与商业时代的艺术——波普艺术及其回响 20世纪中叶，消费主义和大众文化的崛起，对艺术产生了前所未有的影响。本书的这一章将聚焦于波普艺术（Pop Art）的出现，以及它如何模糊了艺术与日常生活的界限。 从艺术到商品： 安迪·沃霍尔（Andy Warhol）、罗伊·利希滕斯坦（Roy Lichtenstein）等波普艺术家，将广告、漫画、明星肖像、消费品包装等大众文化符号引入艺术创作。本书将分析波普艺术如何通过对这些元素的挪用和复制，打破了精英艺术与大众艺术之间的壁垒。我们将探讨他们对批量生产、商业复制的模仿，以及这种手法背后对消费社会、明星制度和媒体文化的观察与批判。 消费的景观与符号的解读： 波普艺术不仅仅是对流行文化的简单复制，更是一种对消费社会符号的解构与重构。本书将深入分析波普艺术家如何利用鲜艳的色彩、简洁的线条、重复的构图，来模拟广告和漫画的视觉风格，从而让观众在熟悉的图像中感受到艺术的冲击力。我们将探讨他们对“名人”与“商品”之间界限的模糊，以及这种模糊背后对现代人身份认同和价值观念的思考。 艺术的边界拓展： 波普艺术的出现，极大地拓展了艺术的边界。它证明了艺术可以来源于任何地方，任何事物都可以成为艺术的素材。这种对艺术材料和题材的开放性，为后来的观念艺术、装置艺术（Installation Art）等多种艺术形式的发展提供了土壤。 第五章：后现代的解构与身份的多元——解构主义、女权主义艺术与后殖民艺术 20世纪后期，后现代主义（Postmodernism）思潮席卷而来，它对现代主义的宏大叙事、普遍真理和精英主义提出了质疑。本书的最后一章将探讨后现代艺术的多元化特征，以及它在解构、身份和多元文化语境下的新探索。 解构的迷宫： 后现代艺术的一个重要特征是对宏大叙事的解构。本书将分析后现代艺术家如何通过拼贴、挪用、戏仿（parody）、反讽（irony）等手法，打破既有的艺术传统和权威。我们将探讨他们如何质疑原创性、作者的中心地位，以及对历史、文化进行碎片化和重新组合的策略。 性别、权力与身体的解放： 女权主义艺术（Feminist Art）是后现代艺术中一个至关重要的组成部分。本书将考察女权主义艺术家如何挑战男性中心的艺术史叙事，如何通过作品来揭示性别歧视、权力关系，以及对女性身体和经验的重新定义。我们将分析她们如何运用各种媒介，包括绘画、雕塑、行为艺术（Performance Art）、影像艺术（Video Art）等，来表达对父权制社会的反抗和对女性主体性的肯定。 跨越文化与地域的对话： 后殖民艺术（Postcolonial Art）则关注殖民历史遗留下来的权力结构、文化冲突和身份认同问题。本书将探讨后殖民艺术家如何运用西方艺术的语言，但同时又融入本土的文化元素和历史记忆，来挑战西方中心主义的艺术观念，并重新书写被压抑的文化叙事。我们将分析他们如何通过作品来探讨身份的流离失所、文化杂糅以及在全球化背景下的身份构建。 回归与超越： 本章的最后，我们将审视后现代艺术对于现代主义的反思与超越。后现代艺术并非简单地否定现代主义，而是在承认其遗产的同时，对其局限性进行了深刻的批判，并在新的历史语境下，探索了艺术的更多可能性，为21世纪的艺术发展奠定了开放、多元的基础。 《现代艺术的基因》是一部关于思想、观念与视觉变革的书。它旨在激发读者对艺术的独立思考，鼓励读者以一种更开放、更批判的视角去审视我们所处的时代，以及那些不断涌现的艺术现象。本书将是一次充满智识挑战，却又不失趣味的旅程，它将帮助读者理解现代艺术的复杂性，并从中找到属于自己的理解与共鸣。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，最初选择这本书是因为学业需要，但读下来之后，它带给我的惊喜远超预期。我尤其喜欢作者处理不同理论视角时的那种“对话感”。他并不急于给出一个绝对的“正确”答案，而是引导读者去思考不同理论之间的张力与融合。比如，在介绍精神分析批评时，作者巧妙地将弗洛伊德的潜意识理论与文学作品中的象征意义联系起来，又在后来的章节中，讨论了批评家们如何运用荣格的原型批评来解读神话和史诗。这种多角度的审视，让我看到了文学作品的多义性和解读的可能性，也体会到理论工具的强大之处。有时候，我会在读到某个理论时，突然想起之前读过的某部小说，然后尝试用新学到的理论去分析，感觉就像是给作品打开了一扇新的窗口。这本书的语言风格也很吸引人，虽然是学术著作，但并不枯燥，作者在阐述复杂理论时，会穿插一些文学史上的趣闻轶事，或者对一些经典文学作品的精彩点评，让枯燥的理论变得生动有趣，也更容易被读者接受和消化。

评分☆☆☆☆☆

对我而言，这本书就像是打开了一扇通往西方文学理论殿堂的大门。它的内容非常扎实，覆盖了从早期古典主义到当代后现代主义的诸多重要流派。我特别喜欢作者在梳理各流派发展脉络时所展现出的那种严谨的学术态度，但同时又不失其生动性和可读性。他不仅仅是介绍理论，更是对这些理论背后的思想家进行了深入的剖析，让我能够理解理论是如何与人物的经历和时代背景相互交织的。例如，在讲解存在主义时，作者对萨特、加缪等人的思想进行了细致的解读，让我看到了他们如何从个人的存在困境出发，最终构建出独特的文学批评体系。书中还涉及了许多我之前不太了解的领域，比如解构主义、女性主义、后殖民主义等，这些章节让我大开眼界，也让我意识到，文学批评的视角是多么多元和丰富。而且，作者在引用具体文学作品进行案例分析时，选取的都是耳熟能详的经典之作，这使得理论的阐释更加具有说服力，也让我能更直观地感受到理论的魅力。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我的最大收获，或许是它拓展了我理解文学的边界。在读这本书之前，我可能更倾向于从个人的情感体验出发去理解文学作品，但这本书让我看到了，文学的意义远不止于此。它揭示了文学是如何与社会、历史、文化、心理等诸多层面紧密相连的。例如，在介绍马克思主义文艺理论时，我才真正理解了文学作品如何反映了阶级斗争、经济基础与上层建筑的关系，以及文学如何可能成为一种意识形态的载体。作者在阐述这些理论时，并没有回避它们的争议性，而是呈现了不同学派之间的对话与辩驳，这让我认识到，理论本身也是一个不断发展和演变的过程。我记得有一章讲到了接受美学，它强调了读者在意义生成过程中的重要性，这让我意识到，同一部作品，在不同的读者、不同的时代，可能会产生完全不同的解读，而这些解读本身都具有其存在的价值。这本书让我从一个被动的阅读者，变成了一个更主动、更有批判性的思考者。

评分☆☆☆☆☆

这本书就像一位经验丰富的导游，带我游历了西方文学理论的浩瀚星河。初次翻开时，我还在犹豫是否能跟上那些深奥的概念，但作者的叙述方式却出奇地清晰易懂。他并非简单地罗列理论，而是将它们置于历史的脉络中，讲述了从古希腊的柏拉图、亚里士多德，到现代的弗洛伊德、萨特，再到后现代的德里达、福柯，每一个理论流派是如何在特定的社会文化背景下孕育而生，又如何反过来影响了人们对文学的理解。书中对各个理论流派的代表人物及其核心思想的介绍，我都觉得既有广度又有深度，尤其是在探讨结构主义、符号学、后结构主义这些我一直感到模糊的概念时，作者用了很多生动的例子和比喻，让我茅塞顿开。我记得有一个章节专门讲到了新批评，它强调文本的内在自足性，让我重新审视了文本细读的重要性。读完那一章，我再读某些诗歌的时候，感觉自己能够捕捉到更多隐藏在字里行间的意味，不再仅仅是停留在表面的情感共鸣。此外，作者在梳理理论发展线索的同时，也没有忽略它们之间的相互影响和批判，这使得整本书的论述更加立体和全面，不会让人感觉理论是孤立存在的。

评分☆☆☆☆☆

这本书的结构设计得非常合理，就像一个精心规划的迷宫，引领读者一步步深入。我最欣赏的是它在介绍完某个理论流派后，总会配以相应的文学批评实例分析。这些分析并非简单地套用理论，而是深入浅出地展示了理论如何被运用到实际的文本解读中，以及这种解读如何丰富了我们对作品的理解。例如，在讲解女性主义批评时，作者不仅阐述了其核心概念，还引用了对简·奥斯汀、弗吉尼亚·伍尔夫等女作家作品的分析，让我看到了女性主义理论如何揭示了性别权力关系在文学创作和接受中的影响。这种“理论+实践”的模式，大大增强了本书的实践指导意义，也让我更有信心去尝试运用这些理论来分析我自己的阅读。而且，作者在选择的案例上也非常具有代表性，涵盖了不同时代、不同体裁的文学作品，保证了理论的普遍适用性。阅读过程中，我常常会把书中的理论点与我阅读过的其他书籍联系起来，这种跨越式的思考，让我对文学和理论都有了更深刻的认识。