大师镜头(di一二三卷)+大师场景（全4册）大师镜头123 拍电影导演编剧手册摄影教材书籍 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 葫芦弟弟图书专营店

出版社： 中国摄影出版社

ISBN：TZH11023H

商品编码：17136212794

品牌：葫芦弟弟

此宝贝为套装书籍，全套4册，总定价245.00元，分别如下：

《大师镜头DD第1卷》，59元

《大师镜头DD第2卷》，69元

《大师镜头DD第3卷》，68元

《大师场景》，49元

商品参数

书    名:大师镜头(卷)+(第二卷)+(第三卷)+大师场景【4册】

作    者:（澳）步沃斯 著，魏俊彦 译

I S B N :TZH11023

出 版 社:电子工业出版社

字    数:全4册

页    数:全4册

开    本:16开

包    装:平装

原    价:245.00元

目录

《大师镜头DD第1卷》

《大师镜头DD第2卷》

《大师镜头DD第3卷》

《大师场景》

内容推荐

为什么比起好莱坞电影，你拍的片子总是差点什么，总是让人感觉生硬和虚假？你缺少什么？的演员，先进的设备，高超的编剧？还不完全。你还缺少技巧，掌控镜头的技巧DD而且这才是重要的。

《大师镜头:低成本拍大片的100个技巧(第2版)》能给你灵感，让你有冲动去尝试那些复杂的、有创意的镜头。书中引用的例证都来自于大片，那些设备是你买不起的，钱也是你花不起的，但没关系，我们就是想告诉你，只要一台手持摄影机，你也能拍出同样的效果。这些技巧并不能马上让你成为的导演，但了解它们，你才会知道电影怎样拍才有效果。希望本书激发出你更多的拍摄灵感。

即使读者并没有在电影学院深造过，只要对蒙太奇艺术有兴趣，都可以拿起摄影机尝试。另外很多喜欢静态摄影的朋友，也会喜欢这本书。

《大师镜头》问世后，受到读者朋友们广泛关注。此版在原版基础上修订了内容，优化了部分图片。

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好的，这是一份详细的图书简介，内容涵盖了电影制作的多个重要方面，但不涉及您提供的书名《大师镜头（di一二三卷）+大师场景（全4册）大师镜头123 拍电影导演编剧手册摄影教材书籍》的具体内容： --- 电影制作的艺术与技术：从概念到银幕的完整指南 探索电影语言的奥秘，掌握从剧本创作到后期剪辑的全方位技能。 本套丛书汇集了对电影艺术深度剖析的著作，旨在为电影制作的初学者、有志于提升技能的从业者以及对电影幕后充满好奇的爱好者提供一套全面、系统且实用的参考资料。我们深信，一部伟大的电影是技术精准与艺术灵感完美结合的产物。本套书将带您深入了解电影工业的各个环节，助您构建坚实的理论基础，并掌握实践操作的关键技巧。 第一卷：剧本的灵魂——故事的构建与人物的塑造 深入理解叙事结构，创作引人入胜的剧本。 剧本是电影的蓝图和灵魂。本卷专注于剧本写作的精髓，探讨如何将一个最初的想法转化为结构严谨、情感饱满的文本。 核心内容涵盖： 叙事学的基本原理： 深入剖析三幕式结构、英雄之旅、以及各种非常规叙事模式的运用。学习如何设计节奏点、高潮与转折，确保故事张力持续不减。 人物弧光的雕刻： 探讨如何创造立体、复杂且可信的人物。从人物动机、背景故事的挖掘，到对话的设计，确保每一个角色都在故事进程中产生有意义的“变化”（Arc）。我们提供了大量案例分析，展示如何通过潜台词和行动来展现人物的内心世界。 场景设计与视觉化思维： 剧本不仅仅是文字，更是对未来影像的预设。本部分侧重于将抽象的情感和情节转化为具体的、可供摄影机捕捉的画面语言。学习如何撰写有效的场景描述，预先在脑海中构建影院级的视觉效果。 类型片的规律与创新： 无论是惊悚片、喜剧片还是历史剧，每种类型都有其约定俗成的规则。本卷分析了如何遵循这些规则以满足观众预期，同时又不失创新精神，从而创作出既有市场潜力又不乏艺术深度的作品。 剧本的修改与打磨： 强调“重写是写作的一部分”。提供了一套系统的自我审视和外部反馈机制，教您如何辨识剧本中的薄弱环节，并高效地进行修改，直至剧本达到拍摄的最佳状态。 第二卷：导演的视界——镜头语言与调度艺术 掌握如何用镜头说话，实现对画面的终极控制。 导演是电影的首席执行官，其核心任务是将文字转化为可感知的影像。本卷专注于导演的创作思维和技术实践，特别是镜头语言的运用。 核心内容涵盖： 摄影机运动的哲学： 详细解析平移（Pan）、倾斜（Tilt）、推拉（Dolly/Zoom）等基本运动背后的情感含义。探讨在特定情境下，哪种运动能够最有效地服务于叙事目的，避免为运动而运动。 景别与构图的心理学效应： 从特写到远景，每种景别对观众感知的影响是巨大的。本部分结合视觉心理学，教授如何利用构图法则（如三分法、黄金分割、对称与不对称）来引导观众的注意力，并营造特定的情绪氛围。 场面调度（Blocking）的艺术： 深入研究演员在空间中的走位与摄影机位置的协同作用。探讨如何设计复杂的群戏调度，确保所有关键信息都在同一帧内清晰高效地传达给观众。 视听节奏的掌控： 节奏是导演的“心跳”。本卷研究如何通过剪辑点、景深、以及场景之间的过渡，来控制观众的观看体验，处理快速剪辑与长镜头的运用时机。 与技术部门的协同： 导演如何有效地与摄影指导、美术指导和录音师沟通其愿景。学习阅读和理解技术图纸、分镜头脚本，确保团队成员步调一致地执行导演的艺术意图。 第三卷：电影声画的交响——声音设计与后期制作 理解声音的魔力，以及后期流程如何塑造最终的成品。 声音在电影中的地位常常被低估，但它却是构建沉浸式体验的关键要素。本卷将聚焦于声音设计、混音技术，以及后期剪辑与调色的综合流程。 核心内容涵盖： 声音的层次与功能： 区分对白、音效（Foley, SFX）和音乐（Score）在电影中的作用。学习如何构建层次丰富的声场，让观众完全沉浸于电影世界中。 声音在叙事中的隐形作用： 探讨如何通过环境音（Ambience）来暗示地理位置、时间流逝或人物心理状态。案例研究包括如何利用非写实声音来表达主观感受。 非线性剪辑理论与实践： 从剪辑师的角度审视电影的重塑过程。讨论连续性剪辑、跳切、以及如何通过剪辑来控制时间的感知速度。 数字影像的色彩科学： 介绍色彩理论在电影中的应用，包括如何通过色彩分级（Color Grading）来建立电影的整体色调和情绪基调。理解 LUTs（查找表）和色彩空间的重要性。 后期流程管理： 掌握从媒体管理、同步、到交付最终母版的完整工作流程。了解不同格式、分辨率和帧率对最终产品的影响。 第四卷：电影制作的实践与管理——从筹备到发行 从幕后走向台前，理解电影工业的运作机制。 一部电影的成功不仅仅依赖于创意，更依赖于高效的组织和管理。本卷为读者提供了从项目启动到最终面向观众的实操指南。 核心内容涵盖： 制片管理与预算控制： 学习如何制定现实可行的拍摄预算，资源分配的优先级排序。理解不同部门（如美术、服装、特技）的开支结构，以及如何在有限资源内实现最大化的视觉效果。 拍摄现场的组织与安全： 探讨摄制组的层级结构，以及如何建立高效、专业的片场沟通机制。强调安全规范的重要性，确保所有工作人员的福祉。 选角与排练的艺术： 导演如何通过有效的试镜流程找到最适合角色的演员，以及排练如何成为连接剧本与现场表演的桥梁。 电影的发行与营销基础： 了解电影节策略、发行商的运作模式、以及预告片和海报等营销材料如何影响观众的首映选择。探讨数字流媒体时代下，独立电影的生存之道。 法律与道德考量： 涉及版权、肖像权、以及在敏感题材拍摄中需要注意的伦理问题，帮助制片人规避潜在的法律风险。 这套丛书旨在提供一个完整、立体的学习框架，帮助有志于从事电影事业的人士，系统性地掌握从创意萌发到作品完成的每一个关键环节。阅读完本套书籍，您将不仅获得知识，更能培养出一位电影人应有的观察力、执行力和艺术判断力。 ---

评分☆☆☆☆☆

阅读这套书，我最大的感受是，它正在试图建立一套完整的电影制作的“哲学体系”，而不仅仅是一堆技巧的堆砌。我特别喜欢它在探讨“摄影”时，总会回归到“光线与时间”的基本关系上，这让整个叙述显得非常扎实和严谨。我将它视为一本案头的参考书，每当我在拍摄现场遇到关于画面构图或情绪表达的瓶颈时，我都会翻阅相关的章节，试图从中找到一种更本质的解决思路。它的文字风格非常古典和学院派，用词考究，逻辑链条严密到几乎不留任何商榷的余地，这既是优点，也是挑战。对我来说，消化它的内容需要极大的专注力，它要求你像一个建筑师一样去思考每一帧画面的结构和承重。我还在摸索如何将这些宏大的理论有效地转化为日常拍摄的灵感，目前来看，它更像是指引我提升审美高度的一盏明灯，而非直接解决眼前问题的工具。

评分☆☆☆☆☆

我买这套书的初衷其实是想提高我短视频的叙事能力，特别是那些所谓的“场景调度”部分。我原以为“大师场景”会提供很多实用的分镜头脚本案例，或者至少能解析一些经典电影中关键场景的调度逻辑。然而，实际阅读下来，我发现它更多地是在探讨“如何思考”场景，而不是直接“如何拍摄”场景。书里的大量篇幅用来讨论空间感、情绪流转以及如何通过镜头的移动来引导观众的注意力，这些理论确实深刻，但非常抽象。举个例子，当讲到“对角线构图的心理暗示”时，我对着屏幕反复看了好几遍，还是感觉有点摸不着头脑，好像理论和我的实际操作之间隔着一层毛玻璃。我更希望看到的是，某一个镜头是如何从一个想法变成最终画面的详细拆解，而不是停留在概念的阐述上。不过，这本书确实拓宽了我对“场景”这个概念的理解，让我意识到拍摄不只是按快门那么简单。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，这套书的阅读体验有点像是在啃一本学术专著，而不是一本实用的“手册”。我最欣赏的是它对“导演思维”的剖析，它不像市面上那些教你“三脚架怎么架”、“曝光三角怎么用”的书，而是深入探讨了导演在前期创意阶段是如何构建影像世界的。比如，它讨论了如何从剧本的核心冲突中提炼出视觉语言，这一点对我很有启发。但是，这种深度的代价就是阅读门槛非常高。很多涉及到电影史和美学流派的讨论，如果背景知识储备不足，读起来会非常吃力，常常需要停下来去查阅其他资料才能理解作者引用的典故。我个人觉得，这本书更适合已经积累了一定拍摄经验，开始追求艺术表达层次的进阶者。对于我这样的普通爱好者来说，很多内容感觉像是在听顶尖高手之间的对话，虽然能感受到高处的空气，但实在难以企及。

评分☆☆☆☆☆

这套书的装帧设计真不错，拿到手里沉甸甸的，纸张的质感也对得起这个价位。我本来是冲着那些“大师”的名头去的，想着能从中找到一些拍片的“秘籍”。翻开第一卷的时候，我的期望值稍微有点高，感觉像是进入了一个老电影的资料馆，里面充斥着大量的术语和理论分析。我特别花时间去研究了关于景深和焦段的章节，讲得非常细致，甚至连不同镜头厂牌的历史渊源都提到了，对于一个刚入门的爱好者来说，信息量有点爆炸，得慢慢消化。它更像是一本给专业人士准备的工具书，而不是一本轻松易懂的入门指南。我试着将书中的一些光影布局理论应用到我自己的手机拍摄练习中，发现确实能看到一些细微的变化，但要真正内化成自己的直觉，显然还需要大量的实战和反复阅读。总的来说，作为一部知识的集成体，它无疑是值得收藏的，但对于急于求成的新手，可能需要保持耐心。

评分☆☆☆☆☆

我买这全套书主要是为了充实我的“导演编剧”知识库，尤其关注了关于“剧本视觉化”的部分。我发现，这本书对于“镜头语言”的阐述非常系统，它不像一些教程那样零散地介绍运镜技巧，而是构建了一个完整的视觉语法体系。特别是关于镜头选择与人物内心状态的对应关系，这部分我仔细研读了很久，感觉它提供了一种更深层次的观察视角。然而，一个让我感到困惑的点是，书中很多案例都非常依赖特定的电影作品，如果读者对这些作品不熟悉，那么理论的佐证力就会大打折扣。我希望书中能有更多“白板式”的、不依赖任何已知作品的纯粹视觉表达练习，这样能更直接地训练我们的影像直觉。总的来说，它是一本优秀的理论基石，但作为一本“手册”，它的实操指导性稍微弱了一些，更偏向于“为什么”而不是“怎么做”。