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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 人民邮电出版社

ISBN：9787103031513

商品编码：29525007579

出版时间：2016-01-01

商品详情

 

音乐理论与实践的全面探索 《和声的奥秘：从巴赫到德彪西的演变》 本书旨在深入剖析西方音乐和声学发展的宏大历程，从巴洛克时期的严谨对位规则，到浪漫主义时期的色彩拓展，再到印象主义对传统调性的解放与重构。它不是一本基础的和声练习手册，而是侧重于对历史语境下和声语言的深入理解和批判性分析。 第一部分：古典和声的基石与规范 (1700-1820) 本部分将详细考察路易斯·阿姆斯特朗（Louis Armstrong）和约翰·塞巴斯蒂安·巴赫（Johann Sebastian Bach）时代所确立的核心和声语法。我们将跳出枯燥的“解决 V 级和弦”的练习，转而研究巴赫赋格曲中声部进行如何体现其对位法的逻辑，以及莫扎特奏鸣曲中主调结构的清晰性是如何通过精确的和声布局实现的。 赋格与对位： 深入分析巴赫《平均律键盘曲集》中，主题的呈示、应答、转调以及对位织体中的不协和音处理。重点探讨纯粹的对位法（如帕莱斯特里那风格）与功能和声结合的早期尝试。 功能和声的建立： 详细梳理卡农（Canon）与协和（Consonance）理论的演变，探讨如何通过主、属、下属三和弦构建起清晰的调性中心。分析海顿四重奏中，如何利用转调和终止式来划分乐章的结构层次。 早期配器法的色彩初步： 虽然重点在和声，但我们将触及古典时期乐队的配置特点，考察管弦乐配器如何服务于清晰的和声线条，以及早期管弦乐作品中对木管乐器音色的运用是如何丰富和声色彩的。 第二部分：浪漫主义的扩张与情感的张力 (1820-1900) 浪漫主义时期，音乐家们开始挑战古典和声的边界，寻求更强烈的情感表达和更广阔的色彩范围。本书将此阶段视为和声语言“爆炸性增长”的时期。 半音化与色彩和弦： 详尽分析舒伯特和肖邦作品中副属和弦（Secondary Dominants）、增六度（Augmented Sixth Chords）和变化和弦的密集使用。重点剖析如何通过这些和弦实现情绪的跌宕起伏和远距离转调。 瓦格纳与“无限旋律”： 特别设立章节探讨理查德·瓦格纳（Richard Wagner）在歌剧《特里斯坦与伊索尔德》中对“特里斯坦和弦”的运用。我们将分析这个和弦如何模糊了调性中心，预示着未来调性系统的瓦解，并探究其对后世作曲家的深远影响。 民族乐派的和声尝试： 考察德沃夏克、穆索尔斯基等作曲家如何将民间音阶（如五声音阶、四音音阶）融入传统功能和声框架，形成独特的民族色彩。 第三部分：现代主义的解构与重塑 (1900 至今) 进入二十世纪，和声语言经历了最剧烈的变革。本书将聚焦于作曲家们如何系统性地打破传统调性结构。 印象主义的和声实验： 深入分析德彪西（Claude Debussy）和拉威尔（Maurice Ravel）对传统的打破。考察他们如何大量使用全音阶、五声音阶，以及如何将和弦本身作为纯粹的音色块（Tone Cluster）而非进行的功能单位来使用。 第二维也纳学派与十二音体系： 系统介绍勋伯格（Arnold Schoenberg）如何从自由无调性转向有组织的十二音列技术。这部分将精确分析“音列（Row）”的原始形式、倒影、逆行和逆行倒影的构建与运用，及其对声部组织和织体构建的影响。 斯克里亚宾的神秘和弦： 探讨亚历山大·斯克里亚宾（Alexander Scriabin）晚期作品中使用的“神秘和弦”（Prometheus Chord）及其在调性之外构建个人色彩系统的尝试。 非传统音响与后调性实践： 简要介绍拉赫玛尼诺夫晚期的后浪漫主义和声风格，以及斯特拉文斯基在不同创作时期对不同历史风格（如新古典主义）的和声借鉴与重塑。 本书的独特之处： 本书的重点在于“为什么”和“如何演变”，而非“如何写”。它假定读者已具备基础的音程、三和弦识别能力。我们着重于历史背景、哲学思辨以及和声语言在特定时代下所承载的文化意义。全书配有大量的乐谱示例分析，这些示例均取自原典版本，旨在引导读者直接与大师们的和声决策进行对话。 目标读者： 音乐史研究者、高级音乐学院学生、对西方音乐发展脉络有深厚兴趣的音乐爱好者，以及希望拓宽自身和声视野的作曲家。本书是理解音乐“语法”如何从规则走向自由的权威指南。

评分☆☆☆☆☆

说实话，之前我对“歌曲写作”这件事的理解非常模糊，总觉得能写出好听的歌词和旋律是天赋使然，不是靠学习就能达到的。但《歌曲写作教程》这一册，彻底改变了我的想法。它没有神话化创作过程，而是将歌曲的构成元素拆解得清清楚楚，从“主歌-副歌”的经典结构，到“桥段”在情绪递进中的作用，再到如何运用“押韵”和“节奏”来增强歌曲的感染力，都讲得非常到位。我特别受益于它关于“如何寻找创作灵感”的章节，里面提供了一些实用的方法，比如从日常观察、个人经历、甚至是一张照片出发，都能激发创作的火花。书中还包含了很多不同风格的歌曲分析，从流行到民谣，从摇滚到R&B，让我看到了歌曲创作的无限可能性。我尝试着按照书中的指导，写了第一首简单的歌曲，虽然还很粗糙，但那种从无到有的成就感，真的是无与伦比。这本书让我觉得，写歌不再是遥不可及的艺术，而是可以通过系统学习和不断练习就能掌握的技能。

评分☆☆☆☆☆

作为一名音乐爱好者，我一直渴望能更深入地理解音乐背后的原理，而这套《正版 音乐自学丛书》的“作曲卷”恰好满足了我的需求。我个人特别喜欢其中关于“配器法”的部分，它并没有仅仅停留在理论层面，而是通过大量的实例分析，让我们了解不同乐器如何协同工作，产生丰富的音乐效果。我尝试着去听一些书里推荐的经典作品，并且对照书上的讲解，惊讶地发现，我以前只是“听”到声音，而现在却能“听懂”声音的构成和组合。此外，“歌曲写作教程”也让我对流行音乐的创作有了更深刻的认识，它教会了我如何构建引人入胜的旋律和歌词，以及如何运用不同的音乐元素来表达情感。最让我惊喜的是“基本乐理教程”，它以非常易于理解的方式，将抽象的音乐理论知识变得生动具体，比如对和弦进行和调式变化的讲解，让我能够更清晰地感受到音乐的情感色彩。总而言之，这套书的编排非常合理，内容循序渐进，无论是对于有一定基础的学习者，还是像我这样的初学者，都具有很高的参考价值。它让我对音乐创作的理解，从“凭感觉”上升到了“有章可循”。

评分☆☆☆☆☆

我一直对“作曲”这个概念感到好奇，但总觉得它离我太遥远，像是属于那些天才的领域。《作曲卷》整体给我的感觉就是“化繁为简，引人入胜”。它并没有直接教我如何写出“伟大”的作品，而是从最基本的“旋律创作”开始，循序渐进地引导我探索音乐的语言。我喜欢它在讲解“动机发展”和“主题构建”时，用到的那些经典的音乐片段作为例子，让我能够模仿和学习。书中的“曲式分析”部分也让我大开眼界，原来一首完整的作品，背后都有着严谨的结构和逻辑。我尤其喜欢它在“赋格”和“奏鸣曲式”等比较复杂的曲式讲解时，依然保持了清晰的思路和易于理解的语言，并且提供了很多可以自行尝试的练习。这本书让我明白了，作曲并非是灵感的爆发，更多的是技巧的运用和对音乐结构的把握。它给了我一种“原来我也可以”的信心，让我敢于迈出创作的第一步。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得基础乐理是音乐学习的基石，但以往接触到的教材要么过于晦涩难懂，要么过于浅尝辄止，总让我提不起兴趣。《基本乐理教程基础入门教材》这一册，在这一点上做得相当出色。它没有上来就丢一堆抽象的概念，而是从最基本的音高、音程、和弦开始，用清晰易懂的语言和大量的图示进行讲解。我特别喜欢它在讲解“调性”和“和声”的部分，通过一些简单的旋律和和弦进行，让我能够直观地感受到不同调性带来的“色彩”差异，以及和弦如何推动音乐的情绪发展。书中还详细讲解了各种“节奏型”和“拍号”，并且提供了大量的练习题，让我能够及时巩固所学内容。我印象最深的是它关于“五线谱”的讲解，终于让困扰我多年的读谱问题迎刃而解。这本书真的是为零基础的学习者量身定做的，它让枯燥的乐理知识变得生动有趣，并且能够真正地理解和运用，为我后续的学习打下了坚实的基础。

评分☆☆☆☆☆

这套《正版 音乐自学丛书》的“作曲卷”真的让我眼前一亮，尤其是在我一直想尝试自己写点东西，但又不知从何下手的时候。我之前也零散地看过一些乐理资料，但总觉得不成体系，学习起来断断续续，效果不佳。这套书的光是“配器法基础教程”这一部分，就给了我一个全新的视角。它不像我之前看到的那种枯燥的理论罗列，而是通过大量生动具体的例子，循序渐进地讲解不同乐器在音色、音域、表现力上的特点，以及如何在不同乐器组合中达到最佳的融合效果。我尤其喜欢它讲解“如何让你的旋律在管弦乐队中‘歌唱’”的部分，让我第一次体会到，原来不同的乐器组合，真的能给同一个旋律带来如此丰富的情感和色彩。书中的配器示例也很有代表性，从巴洛克时期的对位技巧到浪漫主义时期的宏大织体，都有涉及，让我对不同时期作曲家的配器风格有了更清晰的认识。总而言之，这本书对于想深入理解音乐“质感”和“色彩”的初学者来说，绝对是一份宝藏。它不仅仅是教授技巧，更是引导我去聆听、去感受音乐的深层魅力。