新版基本乐理教程//音乐自学丛书.作曲卷(修订版) 晏成佺 童忠良 音乐理论基础乐理知识基 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

图书标签:

• 乐理
• 作曲
• 音乐理论
• 音乐自学
• 教材
• 基础乐理
• 晏成佺
• 童忠良
• 音乐知识
• 修订版

店铺： 文宇图书专营店

出版社： 北京体育大学出版社

ISBN：9787564415150

商品编码：29525007905

出版时间：2014-08-01

商品详情

好的，这是一份关于其他图书的详细介绍，内容不涉及您提到的《新版基本乐理教程//音乐自学丛书.作曲卷(修订版) 晏成佺 童忠良 音乐理论基础乐理知识基》： --- 《和声的思维：从巴赫到德彪西的西方音乐语言演变》 作者： 费尔南德·卡萨德维尔（Fernand Casadevall） 译者： 王丽华，张明涛 出版社： 音乐学苑出版社 出版年份： 2021年修订再版 图书概述 《和声的思维》是一部深入探讨西方音乐和声学发展史的权威著作。它不仅仅是一本枯燥的和声规则汇编，更是一部描绘音乐语言如何随时代变迁而演进的宏伟叙事。本书聚焦于从巴洛克时期晚期到印象主义时期的核心和声实践，旨在帮助读者理解和声的“逻辑”与“文法”，而非仅仅停留在机械的练习层面。作者以其深厚的音乐学功底和清晰的分析能力，将复杂的和声概念，如功能和声、调性中心的确立与瓦解、色彩和声的运用，系统而生动地呈现出来。 内容深度解析 本书的结构清晰，逻辑严密，分为四个主要部分，层层递进，带领读者进行一场跨越三百年的音乐思维之旅： 第一部分：功能和声的根基——巴洛克与古典主义的框架 本部分详尽解析了功能和声体系的建立过程。重点关注了调性（Tonality）的确定性特征，即主-属-下属和弦之间的稳定关系如何成为音乐表达的核心骨架。 七和弦的扩展与终止式分析： 详细分析了七和弦（特别是属七和弦）在构建乐句张力与释放中的关键作用。通过大量的实例分析，阐述了各种终止式（如正、变、伪、不完全终止式）在结构划分上的功能。 和声连接的“逻辑”： 作者强调了和声连接并非随机的堆砌，而是基于特定的“驱动力”。探讨了声部进行中的平行五八度禁忌的深层原因——即为了维持和声的独立性和清晰的线性流动。 奏鸣曲式中的和声布局： 深入剖析了古典主义时期，尤其是在海顿、莫扎特和贝多芬的作品中，如何利用转调、副属和弦以及主导和弦的复杂处理来构建宏大的呈示部、发展部和再现部。 第二部分：浪漫主义的张力——和声的扩张与情感的深化 进入浪漫主义时期，音乐家们开始挑战古典主义的既有框架，寻求更丰富、更具个性的音响色彩。 半音化与远关系转调： 这一部分是本书的亮点之一。卡萨德维尔详细描绘了李斯特、瓦格纳等作曲家如何利用半音和弦（如减七和弦的等音异名和弦）进行频繁、突然且远距离的转调，从而营造出宿命感、梦幻感或强烈的戏剧冲突。 增值与减值和弦的自由运用： 分析了增三和弦和减七和弦在不完全依赖传统功能导向时，如何作为色彩音响或连接模块出现，模糊了调性边界。 李斯特与瓦格纳的和声遗产： 专门设立章节讨论了“特里斯坦和弦”等关键音响的出现，标志着传统调性体系开始动摇，为后来的无调性音乐埋下了伏笔。 第三部分：色彩的探索——德彪西与印象主义的和声革命 印象主义音乐的兴起标志着对传统功能和声的彻底反思。作者将焦点转向德彪西、拉威尔等人的创新实践。 五声音阶与全音阶的和声化： 探讨了非西方音乐（特别是对东方音乐的接触）如何影响法国作曲家，使他们大量采用五声音阶和全音阶。这些音阶的特点是缺乏清晰的半音导向音，从而导致和弦失去了传统的功能性。 平行和声的回归与解放： 深入分析了“平行和弦”（Planar Harmony）的运用，即和弦作为一个整体进行，不考虑内部声部的传统功能连接。这使得音乐的关注点从“运动”转向了“静态的音响画面”。 九和弦、十一和弦与十三和弦的普及： 阐释了如何通过添加高叠和弦音来丰富和声纹理，营造出模糊、朦胧的“色彩感”。这些和弦不再仅仅是装饰，而是构建乐曲氛围的主体。 第四部分：和声分析的工具与方法论 本书的最后一部分是面向实践者的指南，它总结了前三部分所涉及的所有分析技巧，并提供了一套严谨的分析框架。 节奏与和声的互动： 强调了节奏如何影响和声的感知。一个和弦在长时值和短时值上的出现，其听觉效果和功能意义是截然不同的。 线性分析与垂直分析的结合： 提倡使用亨利·申克（Heinrich Schenker）的线性分析思想作为辅助工具，理解和声背后的结构性基础，避免仅仅停留在表面音响的描述上。 历史语境的重要性： 作者反复强调，理解任何和声现象必须置于其产生的历史背景中，脱离了时代背景的分析，将导致对音乐家意图的误判。 本书特色与价值 1. 跨越时代的宏大视角： 成功地将分散在不同时期的和声技巧串联起来，展现了音乐语言的连续性和断裂性。 2. 深度解析而非简单罗列： 书中避开了单纯的规则罗列，而是通过对大量经典乐谱（涵盖了从巴赫的赋格到德彪西的前奏曲）的细致剖析，揭示了和声背后的“驱动力”和“思维模式”。 3. 严谨的学术性与可读性的平衡： 译文流畅自然，术语准确到位，使得非专业人士也能循序渐进地理解复杂的理论，同时也为音乐专业学生提供了深入研究的素材。 《和声的思维》是每一位希望深刻理解西方音乐结构、探索作曲技法精髓的音乐爱好者、学生和教育工作者的必备参考书。它教授的不仅是“如何写和弦”，更是“如何思考音乐”。 --- 《二十世纪配器法：从室内乐到电子音乐的音色实验》 作者： 埃里希·冯·霍尔斯特（Erich von Holst） 译者： 李文涛 出版社： 现代乐谱出版中心 出版年份： 2018年第一版 图书概述 《二十世纪配器法》是一部极具前瞻性和实践指导意义的专著，它完全聚焦于从斯特拉文斯基到后现代主义音乐中，乐器音色、组合方式以及电子技术对传统配器法带来的革命性冲击。本书的核心论点在于，在调性瓦解的时代，音色（Timbre）已经取代了传统和声功能，成为组织音乐材料的首要维度。 内容深度解析 本书内容极为丰富，注重乐器的物理特性、演奏技法创新以及声音景观的构建。 第一部分：传统乐器的声音潜能挖掘 本部分着重于如何拓宽传统管弦乐器在二十世纪音乐中的使用边界。 弦乐的非传统演奏技法： 详细分类和描述了撒斯（Sass）、巴顿（Bartok Pizzicato）、弓杆敲击、非指板泛音等技巧，以及这些技巧在制造噪音或特定音色时的效果。特别分析了利盖蒂·吉奥尔吉（Ligeti György）如何利用弦乐微音程来创造“音响云团”。 木管乐器的“非歌唱性”： 探讨了如何利用木管乐器在气流、呼吸声和喉音等“非音乐性”元素来构建复杂的音色层。分析了勋伯格和韦伯恩对木管组的精细化分层。 打击乐的“交响化”： 记录了从固定音高打击乐器（如马林巴、颤音琴）到各种噪音发生器在二十世纪乐团中的地位提升。配器不再是为旋律或和声服务，而是直接作为独立的音色色彩出现。 第二部分：电子音乐与合成技术对配器的渗透 随着技术的进步，声音的来源不再局限于声学乐器。本部分是本书最具时代特色的内容。 模拟合成器的基础与实践： 解释了振荡器（Oscillators）、滤波器（Filters）、包络发生器（Envelope Generators）等核心模块如何构成声音的“骨架”。书中通过具体的合成案例，演示了如何使用这些模块来模拟或创造全新的音色。 磁带音乐与声音处理： 回溯了早期磁带音乐（Tape Music）中使用的声音剪辑、速度变化、反向播放等技术，以及这些技术如何被应用到传统乐团配器中（如要求演奏者模仿磁带效果）。 电子与原声的融合（Electro-Acoustic）。 讨论了如何平衡电子音源的稳定性和原声乐器的动态范围。重点分析了在实时处理（Live Electronics）中，效果器如何影响乐器之间的平衡和空间感。 第三部分：空间、噪音与微观结构 二十世纪的配器法将空间和噪音视为与音高、节奏同等重要的元素。 空间配器法的实验： 介绍了如何通过舞台布局、扬声器位置（在电子音乐中）以及对演奏者之间距离的精确控制，来制造声音的移动感和三维空间感。 音乐中的“噪音”（Noise as Structure）： 借鉴了路易吉·诺诺（Luigi Nono）等作曲家的思想，分析了如何将随机性、噪音成分系统化地纳入配器设计中，以表达特定的社会或哲学观点。 微音程（Microtones）与声场： 探讨了如何利用乐队中乐器之间的微小音高差异，自然地制造出声音“颤动”或“浑浊”的声场效果，这在无调性音乐中尤为重要。 第四部分：案例研究与作曲实践指导 本书通过对数部二十世纪关键作品的配器分析，将理论转化为实践。 斯特拉文斯基《春之祭》的配器革命： 重点分析了其对铜管组的侵略性使用和对节奏的清晰划分。 梅西安的色彩和声与乐器对应： 分析了梅西安如何将自己的“调式”与特定的乐器音色严格对应，实现对色彩的精确控制。 当代室内乐配器的灵活性： 提供了关于如何为非常规乐器组合（例如：五个打击乐器、一个低音提琴和一个萨克斯风）进行有效配器的实用建议，强调了平衡的艺术在于理解每种乐器的“音色重量”。 本书特色与价值 《二十世纪配器法》是一本面向未来的配器教材。它不仅梳理了已有的创新成果，更重要的是激发读者去思考声音的无限可能性。它告诫读者，在后调性时代，配器不再是“如何让乐器听起来悦耳”，而是“如何利用音色来构建音乐的意义”。本书对于希望突破传统管弦乐配器框架、探索现代音乐声音美学的作曲家和指挥家，具有不可替代的指导价值。

评分☆☆☆☆☆

我一直觉得学习音乐理论是一件枯燥乏味的事情，直到我遇到了这本《音乐自学丛书.作曲卷(修订版)》。说实话，一开始我是抱着试试看的心态，没想到它彻底颠覆了我对乐理的刻板印象。 这本书最吸引我的地方在于它的实用性和趣味性。作者们并没有像很多枯燥的教材那样，一味地罗列公式和规则，而是通过大量的音乐实例，生动地展现了乐理知识在实际作曲中的应用。比如，在讲解和声时，书中会分析不同作曲家如何运用特定的和弦进行来营造不同的情绪，这些分析非常到位，让我仿佛置身于大师的创作现场。 而且，这本书的编排也非常合理，逻辑清晰，结构紧凑。每一个章节都围绕着一个核心的乐理概念展开，然后层层深入，引申出更复杂的技巧。我最喜欢的部分是关于旋律创作的章节，里面提供了很多非常实用的旋律写作技巧和练习方法，让我受益匪浅。现在，我写出来的旋律不再是杂乱无章的音符堆砌，而是有了自己的逻辑和生命力。

评分☆☆☆☆☆

这本《作曲卷(修订版)》简直是为我这样的业余爱好者量身打造的！我之前对作曲一直有着浓厚的兴趣，但总是不知道从何入手，感觉乐理知识太庞杂了，难以消化。 阅读这本书的过程，就像是跟随一位经验丰富的老师进行一对一的指导。作者们没有直接抛出复杂的理论，而是从最基础的概念入手，一步步地引导读者进入作曲的世界。我特别欣赏书中对于“音乐的语言”的阐述，让我明白乐理不仅仅是枯燥的规则，更是音乐情感表达的载体。 书中提供的各种创作练习，更是帮助我把理论知识转化为实践能力。我曾经尝试过按照书中的一些小练习来写一些简单的旋律和和声，虽然作品还很稚嫩，但每一次的尝试都让我更加自信，也更加享受创作的乐趣。我尤其喜欢书中关于“如何发展动机”的讲解，这让我明白了如何将一个简单的音乐想法变得更加丰富和吸引人。

评分☆☆☆☆☆

这本书简直是我的救星！我一直对音乐充满热情，但苦于没有系统学习过乐理，每次尝试创作都感觉像在黑暗中摸索。偶然间翻到这本《新版基本乐理教程//音乐自学丛书.作曲卷(修订版)》，里面的内容简直是为我量身定做的！ 从最基础的音程、音阶开始，到复杂的和弦构建、调式变化，每一个概念都讲解得清晰透彻，而且循序渐进，不会让人觉得突兀。书中的例题和练习也设计得非常巧妙，既能巩固理论知识，又能激发我的创作灵感。我尤其喜欢它关于不同音乐风格的乐理分析，比如古典、爵士、流行，让我能更深入地理解这些风格的独特魅力，并在自己的创作中有所借鉴。 而且，作者们在讲解时，并没有使用过于晦涩的术语，而是用一种非常亲切易懂的方式来阐述，即使是零基础的初学者也能轻松上手。我经常会把书中的例子拿到钢琴上弹奏，听着自己的手指在琴键上奏出美妙的乐章，那种成就感是无与伦比的。这本书不仅教会了我“怎么做”，更重要的是让我理解了“为什么这样做”，让我对音乐的理解上升了一个新的台阶。

评分☆☆☆☆☆

这本《新版基本乐理教程//音乐自学丛书.作曲卷(修订版)》简直是我的音乐启蒙书！我一直对音乐作曲非常着迷，但从来没有接受过正规的乐理训练，所以一直停留在“喜欢听”的阶段。 这本书的内容非常系统，从最基础的音高、节奏、节拍讲起，一直到复杂的曲式结构、配器技巧，几乎涵盖了作曲所需要的所有基础知识。我特别喜欢书中对于不同音乐元素的讲解，比如旋律、和声、节奏如何相互配合，如何共同构建出一段音乐。 更重要的是，这本书不仅仅是理论的堆砌，它还提供了大量的实例分析和练习题，让我能够将学到的知识运用到实际创作中。我尝试着根据书中的指导来写一些简单的旋律，虽然还很粗糙，但已经比以前有了质的飞跃。我非常喜欢书中关于“动机发展”和“和声色彩”的讲解，这让我对音乐的理解有了更深的认识。

评分☆☆☆☆☆

一直以来，我都很想尝试自己写一些音乐，但总是不知道从哪里开始。市面上有很多乐理书，但大多都过于学术化，让人望而却步。偶然间，我看到了这本《作曲卷(修订版)》，它彻底改变了我的看法。 这本书的语言非常通俗易懂，即使是完全没有乐理基础的人也能轻松理解。作者们用一种非常生动有趣的方式来讲解复杂的乐理概念，让我不再觉得枯燥乏味。我尤其喜欢书中关于“旋律的构成”和“和声的色彩”的讲解，让我对如何写出动听的旋律和丰富的情感表达有了更深入的理解。 书中提供的练习题也非常实用，我经常会按照书中的指导来创作一些小片段，每一次的练习都让我对作曲有了新的认识。我非常享受这个过程，也更加热爱音乐了。这本书让我看到了自己创作的无限可能。