完全音乐理论教程 第二版 附2DVD 斯蒂芬G雷兹 音乐艺术 音乐理论在实际音乐作品中的具体用法教 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

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店铺： 磐恒志行图书专营店

出版社： 湖南文艺出版社

ISBN：9787540477608

商品编码：29552236472

丛书名： 完全音乐理论教程

基本信息

图书名称：	完全音乐理论教程 第二版
作 者：	斯蒂芬G雷兹
定价：	168.00
ISBN号：	9787540477608
出版社：	湖南文艺出版社
开本：	16
装帧：	精装
出版日期：	2016-8-1
印刷日期：	2016-8-1

编辑推荐

朱丽亚音乐学院音乐理论与分析系主任斯蒂芬?雷兹（原文）教授编著，牛津大学出版社授权翻译出版。当今，该书已作为朱丽亚音乐学院、伊斯曼音乐学院等欧美音乐院校音乐理论公共课的必修教材，同时也引起国内教学界的高度关注，多次被音乐专业人士所大力推荐。该书由武汉音乐学院孟酋教授、巫娜女士联袂翻译，历时7年终于完成，现已由湖南文艺出版社推出中文版。

内容介绍

《完全音乐理论教程》一开始就全面介绍了基础知识，包括探讨旋律的写作与分析、等级制，以及对位类型。除了自然音与变化半音规程外，调性传统的其它因素也得到了全方位的论述，包括很小的曲式结构（即：动机、乐句、乐段，以及句式）和大型的曲式（二段曲式、三段曲式、回旋曲式，和奏鸣曲式），以及十八世纪与十九世纪调性音乐实践之间的风格差异。 所有的概念都是出现在其常见的音乐语境中，然后立即通过大量的演唱、写作、分析、听曲，以及演奏练习进行强化。这些练习从被动的写作、听曲，和实际操作（如辨识、改错，以及对比）到主动的理解（如非数字低音、旋律的和声配置，以及模句写作），精心设计，拓展这些技能引导学生从认同直到创作。 理论性上来说《完全音乐理论教程》深入浅出，条理清晰。基础乐理、复调、曲式理论等内容以综合的思路在进行呈现。改变了先上基础乐理，然后是和声、复调、曲式，并且都是不同课程的现状，而是把它们有机地整合到了一起。另外，此教程内容丰富的实践性更是令人称道，一改很多音乐学习者和声课程学完只会标记一些纵向上的和弦级数，做一些简单四部和声写作的学习效果。本教程不仅教会学生做这些，更重要的是，它运用了大量的音乐实例阐明了所学音乐理论在实际音乐作品中的具体用法。学习者可以通过对这些音乐作品的聆听与分析，真正帮助自己对音乐作品的了解。

作者介绍

斯蒂芬·雷兹（Steven Laitz） 朱丽亚音乐学院音乐理论与分析系教授、系主任 （Professor and Chair of Music Theory and Analysis, The Juilliard School） 朱丽亚音乐学院负责课程项目的院长助理 （Assistant Dean for Curricular Initiatives, The Juilliard School） 盖尔·博伊德·德·斯特乌林斯基音乐理论教育中心主任 （the Gail-Boyd de Stwolinski Center for Music Theory Pedagogy）， 音乐理论教学在线的执行编辑(Executive Editor, Music Theory Pedagogy Online)

乐理入门与实践：构建音乐理解的基石 作者：[此处填入假设作者名称] 出版社：[此处填入假设出版社名称] ISBN：[此处填入假设ISBN] --- 内容简介： 本书旨在为所有对音乐抱有好奇心，希望系统掌握音乐理论基础，并将这些知识应用于实际听觉、演奏或创作中的学习者，提供一套清晰、循序渐进的学习路径。我们深知，纯粹的理论堆砌往往令人望而却步，因此，本书的核心理念在于“理论为用而生”。我们致力于消除理论与实践之间的鸿沟，让每一个音符、每一个和弦、乃至复杂的调性转换，都能在听觉和作品中找到其清晰的“意义”。 本书内容覆盖了从最基础的乐谱阅读和节奏概念，到复杂和声进行和曲式分析的各个层面，但其独特的视角在于，它始终将理论知识锚定在真实可闻的音乐材料之上。 第一部分：音乐语言的字母表与语法 (基础构建) 本部分聚焦于建立学习者理解西方音乐体系的基石。 第一章：音高、音程与调式 我们从最基本的物理概念——频率与音高开始。详细解析十二平均律的结构，并清晰区分自然音阶、大调与小调的音程关系。不同于仅仅罗列音阶名称，本章将深入探讨调式（Modes）的概念，不仅仅是教会读者弗里吉亚调式或利迪亚调式的音符排列，更重要的是，引导读者通过聆听实例，感知它们各自独特的情感色彩和功能倾向。例如，如何利用利迪亚调式的高升四音来创造一种“漂浮”或“光明”的氛围，这在印象派音乐中尤为常见。 第二章：节奏的结构与律动 节奏是音乐的骨架。本章超越了简单的拍号识别。我们细致讲解复合拍号的内部结构，并引入复节奏（Polyrhythms）的概念，展示在不同文化背景和现代音乐流派中，如何利用节奏的错位来制造张力和律动感。我们将分析巴赫赋格中严谨的节奏骨架，以及爵士乐中切分音和摇摆律动（Swing Feel）是如何打破规则，创造出流动性的听觉体验。 第三章：记谱法与清晰阅读 掌握阅读五线谱是进行专业音乐交流的前提。本章将系统讲解各种谱号、临时升降记号的使用，并重点区分传统记谱法与现代/电子音乐制作中常见的简化记谱方式。我们特别关注力度记号、表情术语（Tempo Markings）的精确含义，以及它们如何直接影响演奏者对音乐意图的诠释。 第二部分：和声的逻辑与色彩 (功能构建) 和声是音乐的色彩与情感载体。本部分是本书的核心，着重于理解和弦的“为什么”而非仅仅“是什么”。 第四章：三和弦与功能和声的基石 本章详细阐述大、小三和弦的构建，并引入功能和声（Functional Harmony）的核心概念：主和弦（Tonic, I）、属和弦（Dominant, V）和下属和弦（Subdominant, IV）。我们不仅会展示这些和弦在C大调中的具体形态，更会通过分析巴洛克时期舞曲的固定低音进行，说明它们如何在听众心中建立“解决感”和“期待感”。 第五章：七和弦的扩展与张力释放 七和弦的引入极大地丰富了音乐的表现力。本章深入探讨属七和弦的强导向性，并详细解析小七和弦、大小七和弦（Major-Minor 7th）以及减七和弦（Diminished 7th）的构建与功能。对于减七和弦，我们将探讨其在古典和浪漫主义音乐中作为转调工具的强大潜力，解释其对称性如何允许音乐在不失连贯性的情况下，瞬间跃迁至遥远的调性。 第六章：和声的连接与进行 本章专注于和弦之间的连接逻辑。除了传统的级进和弦进行，我们将引入替代和弦（Substitute Chords）的概念，例如使用降三级和弦（bIII）来替代主和弦，以增加色彩的柔和感。此外，我们会用具体的亨德尔或莫扎特奏鸣曲片段为例，演示如何识别和弦的“欺骗性”进行（Deceptive Cadences），以及它们如何有效地延长乐句的张力。 第三部分：织体、曲式与分析方法 (结构构建) 理论知识最终必须服务于对宏大音乐结构的理解。 第七章：复调与对位法初探 本章介绍了音乐的织体（Texture）概念，区分主调音乐（Homophony）和复调音乐（Polyphony）。我们将简要介绍对位法的基本规则，并通过聆听巴赫二部或三部创意曲，展示两条或三条独立旋律线如何相互支撑、交织，共同服务于一个统一的结构。这部分旨在培养读者“同时听多条旋律线”的能力。 第八章：基本曲式结构分析 理解音乐的蓝图。本章聚焦于最常见的三种曲式：三部曲式（ABA）、呈示部-发展部-再现部的奏鸣曲式，以及回旋曲式（Rondo）。分析时，我们将不仅仅标注A段和B段结束，而是会深入探讨：在奏鸣曲式中，转调是如何在呈示部完成的？发展部是如何利用动机片段进行“分解”和“重组”的？这些结构性选择如何烘托作曲家的戏剧意图？ 第九章：动机发展与音乐叙事 动机（Motif）是音乐的微小种子。本章讲解如何识别、分离和发展一个核心动机。我们将分析贝多芬如何将一个简单的四音动机（如命运交响曲开头）扩展成整个乐章的建筑材料，展示动机发展（Motive Development）是构建音乐叙事连贯性的关键手法。 结语：理论融入实践的桥梁 本书的最后部分将着重于如何将所学知识转化为实际的应用。我们提供了一套“听力训练框架”，教导学习者如何系统地去分辨和弦的色彩、调性的转换点，以及节奏的重音所在。我们相信，理论学习的终点不是考试，而是能够带着一副“被理论武装的耳朵”，更深入、更丰富地欣赏和体验你所听到的每一段音乐。本书的全部内容都将通过清晰的乐谱示例和推荐的聆听曲目（而非附带的媒体资料）来具体阐释，确保知识的吸收是内在的、可回溯的。 本书为你打开了一扇门，让你能够真正理解音乐家们是如何用这些规则来创造出跨越时空的艺术的。

评分☆☆☆☆☆

这本书真是太棒了，我终于找到了我一直在寻找的那种深入浅出的音乐理论指南。它不仅仅是罗列枯燥的规则和术语，而是真正做到了将理论与实践紧密结合。我特别欣赏作者在讲解那些看似复杂的和声进行时，是如何巧妙地结合具体的音乐实例来阐述的。读完前几章，我就感觉自己对那些老音乐家作品中的“灵光一现”有了更深层次的理解。比如，它对位法的部分，没有用那种高高在上、令人望而生畏的语气，而是像一位经验丰富的导师，一步步引导你领悟其中的精妙之处，让我不再觉得那是遥不可及的学术高墙，而是触手可及的创作工具。我甚至开始尝试在自己的小练习中运用这些新学的技巧，效果立竿见影。这本书的排版和插图也非常用心，阅读体验极佳，让人在学习的苦闷中总能找到一些视觉上的慰藉，这点对于长时间面对乐谱和文字的人来说太重要了。总而言之，这是一本能够真正提升演奏和理解深度的宝典。

评分☆☆☆☆☆

这本书的实用性体现在每一个章节的结尾，它不像一本教科书那样在理论讲解后就戛然而止，而是提供了一系列的“实践挑战”或者“思考任务”。这迫使读者必须走出书本，真正去面对真实的作品。我尤其喜欢它探讨的关于“色彩”和“张力”的章节，这些非常主观的音乐元素，往往是理论书最难量化的部分。然而，作者通过精妙的语言描述和恰当的范例选取，成功地将这些“感觉”转化为可以分析和复用的技术手段。它教会我如何有意识地去“设计”情绪，而不是仅仅依赖于“感觉”的偶然性。这本书已经不再是我的工具书，更像是我的创作伙伴，每当我面对一个空白的乐谱时，我都会翻开它，寻找那种能点燃灵感的火花，它的价值远远超出了其标价。

评分☆☆☆☆☆

我对比了手上好几本不同年代的音乐理论著作，坦白说，这本书在处理现代和声语言时展现出的敏锐洞察力是其他书籍无法比拟的。它没有停留在对古典时期规范的机械重复上，而是勇敢地将目光投向了二十世纪乃至更晚期的音乐语汇。对于那些对印象派、十二音体系或者爵士和声感到困惑的读者来说，这本书提供了一个非常稳健且充满逻辑性的入口。它不回避复杂性，但处理复杂问题的方式极其巧妙，总是能找到一个最符合人类直觉的切入点。作者似乎非常理解现代音乐学习者所面临的知识碎片化问题，所以他提供了一个高度整合的知识体系，让你看到所有看似不相关的流派是如何在更宏大的音乐发展脉络中相互关联的。读完后，我对“什么是创新”有了全新的定义。

评分☆☆☆☆☆

我必须说，这本书的深度和广度都远超我预期的同类教材。市面上很多理论书要么过于侧重学院派的严谨性而脱离实际应用，要么就是流于表面，只教你“是什么”而不告诉你“为什么”。而这本则完美地找到了那个黄金平衡点。它的叙事方式非常具有启发性，不像是在“教”你，更像是在“分享”一种看待音乐的全新视角。尤其是在谈到曲式分析时，它提供的分析框架非常实用，我能清晰地看到一部交响乐是如何呼吸、如何构建情感高潮和低谷的。我过去总是在听音乐时感到信息过载，现在，我能像剥洋葱一样，一层层地剥开作品的结构，欣赏到其内部逻辑的完美。虽然内容量很大，但作者的笔触依然保持着一种令人信服的清晰度，即便是第一次接触某些高级概念，也能通过其严谨的逻辑链条顺利跟上。我强烈推荐给所有希望从“演奏者”蜕变为“思考者”的音乐人。

评分☆☆☆☆☆

这本书带给我最大的惊喜，在于它对“听觉训练”和“理论认知”之间鸿沟的弥合。我们都知道，光靠眼睛看是学不会音乐的，但很多理论书恰恰忘记了这一点。这本书的设计理念显然是反传统的，它非常强调将读到的知识立即转化为耳朵能够识别和辨认的能力。作者在讲解每一个新的调式或和弦特性时，似乎都预设了一个配套的听觉练习，这种无缝衔接极大地加速了我的内化过程。过去我需要花大量时间去“琢磨”某个声音的性质，现在，只要读完那一小节的解释，我立刻就能在脑海中清晰地“听到”它所描述的效果。这种即时反馈机制，让学习过程不再是抽象的符号游戏，而是生动的听觉体验。这对于任何希望提升即兴能力或配器能力的人来说，都是一个不可多得的利器。