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店铺： 文宇图书专营店

出版社： 现代出版社

ISBN：9787239428018

商品编码：29560825180

出版时间：2007-10-01

商品详情

 

《古典钢琴演奏技巧与曲目赏析》 第一章：钢琴的起源与发展 本章将带领读者追溯钢琴这一乐器自巴洛克时期诞生以来的漫长发展历程。我们将从早期的羽管键琴（Clavichord）和古钢琴（Harpsichord）的构造与音色特点讲起，深入探讨克里斯托弗里·斯特拉迪瓦里（Bartolomeo Cristofori）发明现代钢琴的革命性意义——特别是击弦机制的引入如何赋予了乐器前所未有的力度变化（Dynamics）控制能力。 我们将详细分析18世纪中期，从古典主义时期到浪漫主义时期，钢琴制造技术如何随着音乐需求的提升而不断革新。这包括对琴弦张力、音板材料、以及金属框架应用的探讨。理解钢琴的物理构造，是理解作曲家创作意图和演奏家技巧形成的基础。例如，勃拉姆斯和肖邦对钢琴音色和触键感的要求，是如何推动了钢琴制造商如斯特雷彻（Streicher）和布鲁斯纳（Blüthner）的技术进步。 第二章：基础乐理与视唱练耳的精深训练 本章聚焦于构建坚实的音乐理论基础，但其深度远超初级教材的范畴。我们将侧重于和声学的深入分析，涵盖从基础的三和弦、七和弦到复杂的九和弦、增减和弦的构成与功能。重点讲解调式（Modes）的实际应用，如利底亚调式在德彪西音乐中的色彩运用，以及弗里吉亚调式在西班牙风格音乐中的体现。 节奏与节拍方面，本章将深入探讨复调音乐中复杂节奏的精确划分与表现，如巴赫赋格曲中的交叉节奏处理。视唱练耳部分，不再局限于简单的音阶和三和弦，而是引入了无调性音乐（Atonality）的听觉训练，如施恩伯格十二音体系的音高关系识别，以及对复杂对位结构的听辨练习。训练目标是使演奏者不仅能“看到”音符，更能“听见”音乐的内在结构和情感张力。 第三章：古典钢琴演奏技巧的精细打磨 本章是为有一定基础的钢琴学习者准备的，核心在于将技术训练提升到艺术表达的高度。 1. 触键与音色控制（Touch and Timbre）： 我们将探讨不同触键方式对钢琴音色的决定性影响。从指尖的接触点、手腕的支撑、到手臂的重量传导，如何实现从“玻璃般透明”到“深沉如大提琴”的音色转换。详细分析了“手指独立性”的最高境界——即在快速音阶和琶音中，依然能清晰分辨出每一根手指的重量分配。 2. 音阶与琶音的超越： 传统的音阶练习被赋予了特定的音乐语境。例如，肖邦练习曲中对特定调性音阶的快速、均匀、且富于歌唱性的演奏方法；以及李斯特作品中对超宽幅度的琶音连接与换指技巧。我们提供具体的练习方案，旨在克服速度与均匀度的矛盾。 3. 八度与和弦的稳定性： 如何在不僵硬的前提下，演奏出稳定、连贯的八度和弦，尤其是在大跳和快速的交替进行中。重点解析手掌、前臂肌肉的放松与瞬间发力技巧，以避免运动损伤。 第四章：巴赫的复调艺术与演奏诠释 本章将聚焦于约翰·塞巴斯蒂安·巴赫的作品，将其视为钢琴演奏者理解对位法的核心教材。 我们将以《平均律键盘曲集》（The Well-Tempered Clavier）为基础，深入剖析赋格曲（Fugue）的结构逻辑：主题的呈示、引申、与转调的内在规律。演奏巴赫的重点在于“清晰度”与“线条感”。我们将提供详细的指导，如何通过不同的触键力度和时值处理，在多声部进行中，清晰地勾勒出每一个独立声部的旋律走向，避免“一团浆糊”的声响效果。此外，对巴赫键盘作品中踏板使用的历史考证与现代实践进行了探讨，强调在不失其清澈度的前提下，适度使用延音踏板以增强连接性。 第五章：古典主义时期的结构与平衡 本章涵盖了海顿、莫扎特、以及贝多芬早期作品的演奏精髓。古典主义音乐的核心在于“形式感”和“清晰的比例”。 1. 奏鸣曲式分析： 对呈示部、展开部、再现部的结构进行详细解构，理解主题在不同功能区的变化。演奏者必须清晰地表达出主部主题的个性与副部主题的抒情性，以及展开部中紧张的冲突感。 2. 莫扎特的歌唱性（Cantabile）： 探讨如何在钢琴上模仿人声歌唱的美感。这要求极其细腻的力度变化（如P到MP的微妙过渡）和对乐句的完美呼吸控制。 3. 贝多芬的力度对比： 分析贝多芬作品中标志性的“突然强弱”（Sforzando）和极端力度对比（如pp到ff的瞬间转换）的演奏要求，这需要对键盘的反应速度有极高的掌握。 第六章：浪漫主义的激情与诗意表达 本章进入钢琴文献的黄金时代，重点研究肖邦、李斯特、舒曼等人的作品。 1. 肖邦的“鲁巴托”（Tempo Rubato）： 鲁巴托不仅仅是速度的自由，更是一种内在的、富有诗意的呼吸。本章详细区分了“真鲁巴托”（旋律先行，伴奏保持稳定）和“伪鲁巴托”，并结合肖邦夜曲和玛祖卡分析其实际操作。 2. 李斯特的炫技与管弦乐化： 探讨如何将钢琴的技巧推向极限，同时不沦为纯粹的技巧展示。重点分析其作品中对交响乐织体的模拟，如如何通过踏板的精确控制，营造出宏大的和声色彩和“管风琴般”的音响效果。 3. 舒曼的内心独白： 关注舒曼作品中“人物面具”（Florestan与Eusebius）的切换，这要求演奏者能够快速在激情迸发与内省沉思之间自由切换，声音的质感也需随之变化。 第七章：20世纪及现代钢琴文献的探索 本章面向寻求拓展曲目的演奏者，介绍德彪西、拉威尔、巴托克以及当代作曲家的作品特点。 1. 印象主义的色彩： 德彪西作品中对踏板的运用达到了前所未有的自由度，旨在模糊音高间的界限，创造水波、光影般的听觉效果。本章将教授如何使用踏板来“混合”和“模糊”和声，而非仅仅是延长音高。 2. 新古典主义与原始主义： 对拉威尔的清晰度要求和巴托克对民间节奏的吸收进行分析，这要求演奏者重新审视技术，以适应更锐利、更具冲击力的节奏型。 第八章：音乐史与文献考据 本章强调“版本选择”的重要性。我们将分析不同版本（如布索尼版、海涅版、考尔特版）在指法、速度记号、以及踏板处理上的差异。鼓励学习者深入研究原作手稿或首版乐谱，理解作曲家创作时的意图，从而形成自己独立且有说服力的音乐诠释。本章还将涉及钢琴家录音分析，通过聆听大师（如鲁宾斯坦、古尔德、阿劳）的不同演绎，反思自身演奏的局限性与可能性。 结语：演奏者的自我完善 最后，本书将引导读者思考如何将所学的技术与理论知识融入日常练习，建立一套高效且具有艺术洞察力的自我评估体系，最终实现从“演奏乐谱”到“再创作”的飞跃。

评分☆☆☆☆☆

我对教材的排版和印刷质量要求比较高，因为长时间盯着看，纸张的反光度和字体大小非常影响体验。这本书在这些方面做得相当到位。纸张不是那种廉价的、摸起来很糙的纸，而是略微哑光的那种，在灯光下看也不会觉得刺眼，长时间练习下来眼睛不容易疲劳。字体的选择也很大方，不像有些教材把音符塞得满满当当，让人看了就头疼。这本教材的版面设计非常“呼吸感”，音符和节奏的标记清晰分开，即使是第一次接触五线谱的人，也能相对轻松地辨认出音高和时值。更让我感到贴心的是，它在讲解节奏型的时候，会用一些口诀或者形象的比喻来帮助记忆，而不是生硬地给出节拍器的数字。比如，对于连音和附点音符的处理，它会用“连起来弹，时间要长一点”这种非常直白的语言来解释，完全没有高深的学术腔调。这种对学习者友好度的极致追求，让我愿意把它放在手边，而不是塞进书架深处。

评分☆☆☆☆☆

我之前买过一本号称“零基础”的教材，结果内容厚得像字典，里面各种五线谱、复杂的节奏型一股脑全砸过来，我光是看懂那些符号就花了好几天，最后直接束之高阁了。这本书给我的感觉完全不同，它简直是为像我这样，只对“快速上手”有要求的人量身定制的。它的重点非常明确，就是让你尽快地用双手在键盘上找到感觉。教材内容组织得非常紧凑和实用，比如关于和弦的介绍，没有长篇大论地解释和声学原理，而是直接告诉你，想弹出“欢乐”的感觉，就按这几个键，想弹出“忧伤”，就试试那几个组合。这种“结果导向型”的教学方式，对于急于看到学习效果的成人来说，简直是福音。我最满意的是它对一些基础曲目的编排，那些耳熟能详的儿歌或者简单的民间小调，配上清晰的指位图和手型参考，我真的第一次靠着教材，不借助外力，自己摸索着把一首曲子弹了下来，虽然弹得磕磕绊绊，但那种成就感是无可替代的。这让我确信，这本书的重点不在于培养古典音乐家，而在于让普通人享受弹奏的乐趣。

评分☆☆☆☆☆

这本教材的封面设计得挺吸引人的，色彩明快，一看就是为新手准备的。我原本对手指不灵活这件事挺焦虑的，总觉得音乐这东西得从小培养，自己这把年纪学估计也晚了。然而，翻开第一页，那种亲切感就来了。它没有上来就抛出一堆复杂的乐理知识，而是像一位和蔼的老师，一步步地领着你认识电子琴的每一个按键，告诉你哪个键是中央C，哪些是高音区，哪些是低音区。图文并茂的方式，让抽象的键盘瞬间变得具体起来。我特别喜欢它对基础指法练习的讲解，那些小小的技巧，比如如何保持手型放松，如何均匀用力，都是平时看视频容易忽略的细节，但这本书却用非常细致的图示和文字说明，让你在练习时心里有底。而且，它还穿插了一些小故事或者小提示，让学习过程不至于那么枯燥乏味。比如讲到 C 大调时，会稍微提一下这个调式在流行歌曲里有多常用，一下子就激起了我学习的兴趣，感觉自己真的在朝着“弹奏”靠近，而不是单纯地在“认识”乐器。这种循序渐进的引导，极大地降低了我对电子琴的畏难情绪，让我觉得，也许我真的能学会。

评分☆☆☆☆☆

作为一名喜欢尝试各种学习方法的“终身学习者”，我深知工具书的价值不在于知识的深度，而在于它能否在关键时刻，用最有效的方式解决我当前遇到的具体问题。这本书完美地扮演了“快速入门工具箱”的角色。它没有试图把我培养成一个钢琴演奏家，它只是提供了一条清晰、无障碍的路径，让我能够在短时间内，从一个完全不懂乐理的门外汉，变成一个可以自己弹奏一些简单旋律的人。它的知识点密度控制得极好，每一章的内容都聚焦于一个具体技能点的突破，比如“如何弹奏三和弦”、“如何加入简单的伴奏型”，然后立刻通过简短的范例来巩固。这种模块化的学习结构，让我可以根据自己的兴趣和时间灵活安排进度，今天想练习左手伴奏，就直接跳到对应的章节，不用担心遗漏了什么“必须先学”的内容。这种高度的灵活性和实用性，是很多传统教材所不具备的，它真正做到了“轻松自学”的承诺。

评分☆☆☆☆☆

说实话，我购买这套教材时，其实是抱着试一试的心态，因为我更偏向于视觉学习，单纯看文字对我来说效率太低了。然而，这本书的配套资源（虽然我不能提及具体是什么资源，但其作用是弥补了纯文字教材的不足）设计得非常贴合教材内容，几乎是教材每一页的延伸和演示。我发现，当我在书上看到某个指法或者某个分解和弦的练习时，只要参考配套的演示材料，那些原本模糊的概念立刻就清晰了。特别是对于一些手型和触键力度的问题，光靠文字描述是很难把握的，但配合观看演示，我能立刻模仿出正确的姿势。这种“看、读、做”三位一体的学习闭环，极大地提升了我的学习效率。我不再需要到处去搜索视频来理解教材中的某个难点，因为需要的辅助信息已经被整合进这个学习体系中了。对于那些不擅长自我摸索，需要明确示范的人来说，这种配套支持是决定性的优势，让学习过程少走了很多弯路，可以说是把“自学”的门槛拉低了不少。