创意设计系列教材:摄影与摄像 李晖 9787303168613 pdf epub mobi txt 电子书 下载 2025

简体网页||繁体网页

☆☆☆☆☆

李晖 著

图书标签:

• 摄影
• 摄像
• 创意设计
• 教材
• 李晖
• 9787303168613
• 设计教育
• 图像处理
• 视听技术
• 艺术设计

店铺： 天乐图书专营店

出版社： 北京师范大学出版社

ISBN：9787303168613

商品编码：29578960833

包装：平装

出版时间：2013-09-01

基本信息

书名：创意设计系列教材:摄影与摄像

定价：35.00元

作者：李晖

出版社：北京师范大学出版社

出版日期：2013-09-01

ISBN：9787303168613

字数：

页码：

版次：1

装帧：平装

开本：16开

商品重量：0.540kg

编辑推荐

---

内容提要

---

　 近些年来， 随着我国人民生活水平的提高．对精神享受的要求与日俱增．同时．随着时代进步和科技发展．电视和网络渐渐地超过了书画和报纸成为主要的大众传播媒体．人们浏览观看图片和视频的数量远远超过了文字．因此．摄影与摄像相关的工作越来越受到重视，影楼、报社、电视台、剧组、影视公司、广告公司等每年都需要大量掌握摄影与摄像技能的工作人员．学校开设摄影与摄像相关课程可以培养学生对周围世界美感的捕捉能力，去探寻美、发现美，促进设计水平的全面提高． 因此．摄影与摄像是摄影、电影、广告、新闻传播等专业的重要学习内容，同时它也是视觉艺术设计、环境艺术设计、产品艺术设计、动漫设计、市场营销等专业的必修课程．
本教材系统地介绍了摄影与摄像的基础知识．使学生由浅入深地掌握摄影与摄像的相关技能。具体的学习重点包括：首先，摄影和摄像基础知识，主要器材基本操作技术和用光技巧；其次，在学习摄影语言基础上进行创作．通过知识点讲述与训练。使学生更深刻地了解和掌握摄影与摄像本身基本的表现语言．掌握摄影与摄像构图设计的方法，掌握进行画面控制的创作能力，发挥学生个体的创造力和想象力．为以后约视频作品创作打下良好的基础；再次．在教学安排中设计有对经典案例的分析．提高学生的鉴赏力和想象力．使学生对摄影与摄像作品初步形成良好的欣赏观和审美观．

目录

---

章 走近摄影、摄像艺术
1.1 成像艺术
1.1.1 摄影成像技术发展过程
1.1.2 摄影和摄像简析
1.1.3 摄影和摄像设备的工作原理
1.1.4 现代数码成像设备的工作原理
1.1.5 课后练习
1.2’解摄影与摄像设备
1.2.1 传统胶片式照相机
1.2.2 数码照相机
1 2.3 传统胶片式摄像机
1.2.4 DV摄像机
1.2.5 数码摄像机
1.2.6 单CCD到3CCD
1.2.7 标清与高清摄像设备
1.2.8 选择适合自己的设备
1.2.9 课后练习
1.3.10　解摄影与摄像周边设备
1.3.1 三脚架
1.3.2 测光表
1.3.3 闪光灯
1.3.4 影室光源
1.3.5 镜头
1.3.6 课后练习
1.3.7 UV镜
1.3.8 滤镜
1.3.9 摄影素材输入设备
1.3.10 数码摄影与摄像的存储设备
1.3.11 计算机及图形编辑软件
1.3.12 课后练习
　……
第二章　摄影基础知识
第三章　摄像基础知识
附录一　摄影常用术语
附录二　摄影网站介绍
附录三　《摄影与摄像》教学大纲
参考文献

作者介绍

---

文摘

---

序言

---

《光影的叙事：深度解析摄影与摄像的艺术语言》 一、 视听艺术的基石：摄影与摄像的起源与演进 摄影与摄像，作为两种截然不同的视觉记录与艺术表达方式，其发展历程本身就是一部科技进步与人类创意交织的历史。在深入探讨两者各自的技法与美学之前，我们有必要追溯其根源，理解它们是如何从最初的科学实验，一步步演变为今天影响深远的艺术形式。 摄影的诞生与早期探索： 摄影术的诞生，并非一蹴而就，而是无数科学家和艺术家长期探索的结晶。从古代的“暗箱”成像原理，到19世纪初尼埃普斯、达盖尔和塔尔博特等先驱者们对感光材料的不断优化，摄影术的每一次突破都标志着人类对光线捕捉能力的飞跃。早期的摄影作品，如达盖尔的银版照片，以其惊人的细节和独特的质感，为人们带来了前所未有的视觉冲击。这些早期摄影师，尽管面临着漫长的曝光时间和笨重的设备，却以其敏锐的观察力和对瞬间的把握，记录下了那个时代的风貌、人物和事件。他们的作品，不仅是技术的展示，更是历史的见证，也为后来的摄影美学奠定了基础。 摄像的萌芽与发展： 摄像，即动态影像的记录与呈现，其发展则与摄影术的演进紧密相连，并进一步融入了时间维度。早在19世纪末，爱迪生发明的“电影放映机”就标志着动态影像的初步实现。早期的电影，多以记录日常生活、戏剧表演或重大事件为主，尚未形成系统的叙事艺术。然而，随着胶片技术、放映技术以及剪辑技巧的不断成熟，电影逐渐展现出其独特的艺术魅力。从默片时代的喜剧大师卓别林，到好莱坞黄金时代的经典叙事，再到新浪潮电影的革新，摄像技术的发展不仅体现在设备本身的进步，更在于电影人如何运用镜头、光影、声音和剪辑来讲述故事、表达情感、塑造人物。 摄影与摄像的融合与分化： 进入20世纪，随着技术的发展，摄影与摄像之间的界限开始变得模糊，又在艺术实践中呈现出更强的独立性。一方面，许多摄影师开始借鉴电影的叙事手法，创作出具有故事性的系列摄影作品；另一方面，电影导演也越来越注重画面的构图、色彩和光影，将摄影的美学原则融入电影的视觉语言。 然而，两者之间也存在着根本性的差异。摄影，作为静态艺术，其核心在于瞬间的凝固，在于通过构图、光影、色彩和景别来传达信息、引发思考。每一张照片都是一个独立的视觉单元，其艺术价值在于瞬间的张力、构图的精妙以及作者思想的凝练。 摄像，则是一种动态的艺术。它通过连续的画面、时间的流动、声音的配合以及剪辑的节奏，来构建一个完整的叙事。摄像的核心在于“运动”与“时间”，在于如何通过画面的组合和节奏的变化来吸引观众、引导情绪、讲述故事。声音在摄像中扮演着至关重要的角色，它不仅是画面的补充，更是营造氛围、烘托情感、推动情节的重要媒介。 理解这两者的起源与发展，有助于我们认识到它们各自的独特性，也为我们后续深入学习它们的技法与美学打下坚实的基础。 二、 摄影的视觉语言：捕捉瞬间，凝固永恒 摄影，作为一门高度依赖观察力、技术以及艺术构思的视觉艺术，其魅力在于能够捕捉生活中的精彩瞬间，并赋予这些瞬间以永恒的生命。掌握摄影的视觉语言，意味着要深入理解构成画面的每一个元素，并学会如何巧妙地运用它们来传递信息、表达情感、讲述故事。 构图的艺术：引导视线，强化主题 构图是摄影的灵魂，它决定了画面中的元素如何排列组合，从而影响观众的视觉感受和对作品的理解。 基本法则的运用与突破： “三分法”、“黄金分割”、“对角线构图”等经典构图法则，为摄影师提供了基本的框架。它们帮助我们平衡画面、引导视线，让主体更加突出。然而，真正的构图大师并非拘泥于法则，而是懂得在恰当的时候打破常规，以更具冲击力和创意的形式来呈现画面。例如，对称构图可以营造出稳定、庄重的美感，而打破对称则可能带来视觉上的冲突和张力。 主体与背景的关系： 主体是画面的焦点，而背景则是衬托或干扰主体的元素。如何处理主体与背景的关系，是构图的关键。虚化背景可以突出主体，强调其重要性；而将主体融入环境，则可以展现更广阔的叙事空间。留白的处理也至关重要，适当的留白能够让画面呼吸，避免拥挤感，并引导观众的视线。 线条、形状与元素的引导： 画面中的线条（水平线、垂直线、斜线、曲线）能够引导观众的视线，赋予画面方向感和动感。形状（圆形、方形、三角形）则能带来不同的视觉感受。学会观察并利用画面中的各种形状和线条，能够让你的照片更具视觉冲击力。 光影的魔术：塑造形态，烘托情绪 光是摄影的生命，影是光留下的痕迹。光影的运用，直接影响着画面的质感、立体感以及情绪的表达。 光线的质感与方向： 硬光（如直射的阳光）能够产生强烈的对比和清晰的阴影，适合表现硬朗、坚毅的风格。柔光（如阴天或通过柔光罩的光线）则能产生柔和的过渡和细腻的层次，适合表现细腻、温婉的风格。不同的光线方向（顺光、侧光、逆光、顶光、底光）会塑造出完全不同的形态和氛围。例如，侧光能够强调物体的纹理和立体感，逆光则能勾勒出优美的轮廓，营造出神秘或梦幻的氛围。 阴影的运用： 阴影并非仅仅是“没有光”的部分，它同样是画面构成的重要元素。巧妙运用的阴影能够增加画面的深度、戏剧性，甚至能够作为构图的引导线。 色彩与光线的关系： 光线本身的颜色（色温）会影响画面的色彩表现。暖色调的光线（如黄昏）能带来温暖、浪漫的感觉，冷色调的光线（如阴天）则可能带来宁静、忧郁的氛围。摄影师需要学会观察和控制光线的色温，以达到预期的视觉效果。 色彩的语言：传达情感，烘托意境 色彩是摄影中最直观、最能触动人心的视觉元素之一。 色彩的心理学效应： 不同的颜色会引发人们不同的情感联想。红色象征热情、活力，蓝色代表冷静、忧郁，绿色寓意生机、宁静，黄色则带来愉悦、温暖。了解色彩的心理学效应，能够帮助摄影师更好地运用色彩来传达作品的主题和情感。 色彩的搭配与和谐： 色彩的搭配可以分为对比色、邻近色、互补色等。和谐的色彩搭配能够让画面更加赏心悦目，而强烈的色彩对比则能产生视觉冲击力。 黑白摄影的魅力： 黑白摄影剥离了色彩的干扰，让构图、光影、质感和情绪更加突出。在黑白摄影中，光影的对比和线条的运用变得尤为重要，能够展现出一种独特的艺术韵味和深邃的思考。 景别与视角：叙事的高度与深度 景别（特写、近景、中景、远景、全景）和视角（平视、仰视、俯视）的选择，直接影响着观众观看被摄对象的距离感和情感代入程度。 景别的叙事功能： 特写能够展现细节，强调情感；近景适合表现人物的表情和动作；中景能够交代人物与环境的关系；远景则能展现宏大的场面和宏伟的景观。 视角的选择： 平视是自然的观察角度，容易产生亲切感；仰视能够让被摄对象显得更加高大、威严；俯视则可能产生一种疏离感或全知的视角。不同的视角能够赋予同一场景截然不同的情感指向。 三、 摄像的动态叙事：时间、空间与声音的交响 摄像，作为一种将时间、空间、声音、画面融为一体的艺术形式，其创作过程更具复杂性与挑战性。它不仅需要捕捉眼前的景象，更需要通过对这些景象的编排和组合，来构建一个能够引发观众共鸣的故事。 镜头语言的运用：构建视觉叙事 镜头是摄像师的眼睛，镜头的运动和切换，是构建视觉叙事的核心。 基本镜头运动： 推（zoom in）、拉（zoom out）、摇（pan）、移（truck/dolly）、升（crane/pedestal up）、降（crane/pedestal down）等镜头运动，能够为画面带来不同的动感和信息。例如，推镜头能够逐渐聚焦于细节，引导观众的注意力；摇镜头能够展现环境的广阔或人物的动态；移镜头则能够跟随被摄对象，营造出一种沉浸感。 景别与视角在摄像中的运用： 与摄影类似，景别和视角在摄像中同样扮演着重要的角色。但摄像中的景别与视角变化，更注重其在时间序列中的流动性，如何通过连续的画面来塑造人物、推进情节。 镜头组合与蒙太奇： 不同的镜头如何组合在一起，是摄像艺术的精髓。蒙太奇，作为一种电影剪辑手法，通过画面的并置和连接，能够产生跳跃式的时间和空间转换，营造出强烈的节奏感和戏剧性。“连续性蒙太奇”用于保持时间和空间的连贯性，而“平行蒙太奇”则用于展现同时发生但发生在不同地点的事件，形成对比或联系。 叙事结构与节奏：引领观众的情感走向 摄像作品的叙事结构和节奏，直接影响着观众的观影体验。 叙事结构： 从经典的三幕式结构（铺垫、发展、高潮），到非线性的叙事方式，不同的结构能够营造出不同的故事节奏和情感张力。 剪辑的节奏： 剪辑是摄像的“二度创作”。快速的剪辑能够营造出紧张、激烈的氛围，适合表现动作场面；缓慢的剪辑则能让观众有时间去感受画面中的细节和情感，适合表现情感细腻或思辨性的内容。音乐和音效的配合，更是剪辑节奏的重要组成部分。 声音的设计：营造氛围，深化主题 声音在摄像中扮演着不可或缺的角色，它不仅是画面的补充，更是营造氛围、传递信息、烘托情感的重要媒介。 同期声与后期配音： 同期声（现场录制的声音）能够带来真实感和现场感；后期配音则提供了更多的创作空间，可以根据画面和情节需要进行精心的设计。 音效的作用： 环境音效能够营造场景的真实感，例如风声、雨声、人群的嘈杂声。而特技音效，如爆炸声、金属撞击声，则能够增强画面的冲击力。 音乐的魔力： 音乐是摄像作品中最直接的情感催化剂。恰当的背景音乐能够烘托画面的情绪，引导观众的情感，甚至能够赋予画面更深层的含义。 色彩与光影在摄像中的动态运用： 摄像中的色彩和光影运用，不再是静态的构图，而是随着时间的推移而变化的动态过程。 场景的色彩设计： 影片的整体色彩风格，能够奠定影片的情感基调。冷色调可能营造出悲伤、压抑的氛围，暖色调则带来温馨、浪漫的感觉。 光线的变化： 随着情节的发展，光线的变化也可能暗示着人物心境的变化或事件的转折。例如，场景从明亮逐渐转为昏暗，可能预示着危险的来临。 四、 创作实践与艺术探索：将理论付诸实践 摄影与摄像的魅力，不仅在于理论知识的积累，更在于将这些理论付诸实践，并通过不断的创作来磨练技艺，形成自己的艺术风格。 主题的确立与构思： 无论是摄影还是摄像，一个清晰的主题是创作的灵魂。在开始创作之前，明确你想要表达什么，想要引发观众怎样的思考或情感。 观察与思考： 培养敏锐的观察力，从日常生活中发现不为人注意的美和故事。学会用批判性的眼光审视周围的世界，并将其转化为你的创作灵感。 器材的选择与运用： 了解不同器材的特性，并根据创作需求选择合适的设备。熟练掌握相机、镜头、灯光、录音设备等工具的使用，是实现创作想法的基础。 后期处理的技巧： 无论是摄影的后期调色、裁剪，还是摄像的后期剪辑、特效，都能够为作品增色添彩，但切记后期应服务于前期创作，避免过度修饰而失去作品的真实感。 学习与交流： 欣赏优秀的摄影与摄像作品，学习他人的长处。积极参与摄影与摄像的交流活动，与其他创作者分享经验，互相学习，共同进步。 持续的实践与反思： 艺术创作是一个不断迭代的过程。每一次的拍摄和剪辑，都是一次学习和成长的机会。通过不断地实践、反思和总结，才能不断提升自己的创作水平，最终形成独具特色的艺术风格。 通过对摄影与摄像的深入理解和不懈实践，我们能够更好地运用光影、构图、色彩、声音和时间等元素，创作出真正能够打动人心的视觉作品，让影像的力量得以充分展现。

评分☆☆☆☆☆

这本《创意设计系列教材：摄影与摄像》真是让人眼前一亮！作为一个对摄影充满热情但又常常感到无从下手的新手，我一直渴望能有一本既系统又实用的入门教材。翻开这本书，首先吸引我的是它的编排方式，非常清晰地将摄影和摄像这两个看似独立却又紧密相连的领域进行了有机融合。开篇就从最基础的摄影原理讲起，比如光圈、快门、ISO这些经典概念，作者李晖用非常形象的比喻和生动的语言去解释，让我这个以前听着就头疼的“小白”都能瞬间理解。而且，书中不仅仅是理论的堆砌，更重要的是，它提供了大量的实例分析，从构图的黄金法则到色彩的运用技巧，再到不同场景下的拍摄建议，都配有精美的图片，让我能直观地感受到理论与实践结合的魅力。更让我惊喜的是，它还触及到了摄像的基础知识，像是景别、运镜、剪辑的初步概念，这对于我这种想拓展技能的人来说，简直是打开了新世界的大门。它没有让我觉得枯燥乏味，反而是激发了我不断去尝试、去实践的动力。

评分☆☆☆☆☆

不得不说，这本书的实用性是我接触过的摄影摄像教材中最为突出的。我通常对那些空洞的理论教材感到厌倦，但《创意设计系列教材：摄影与摄像》却完全不同。它就像一位经验丰富的导师，一步步地引领我走出迷茫。书中针对各种常见的拍摄场景，比如风光、人像、静物、活动纪实等，都提供了非常具体、可操作的建议。而且，它还特别关注了不同器材的特性，从入门级的手机摄影到专业的单反相机，再到摄像机的使用，都有所涉及，并且强调了在不同设备上的创意发挥。我最喜欢的部分是关于后期处理的章节，它并没有止步于基础的调色，而是深入讲解了如何通过后期手段去强化作品的创意表达，如何运用图层、蒙版、滤镜等工具来达到预期的视觉效果，让原本可能平淡的照片焕发新生。对于我这样需要将摄影摄像作品融入到设计项目中的人来说，这本书提供的后期思路和技巧，极大地提高了我的工作效率和作品质量。

评分☆☆☆☆☆

这本书的深度和广度都超出了我的预期。作为一名在设计领域工作多年、对视觉表达有一定追求的设计师，我一直希望能在摄影和摄像方面获得更专业的指导，以提升作品的质感和表现力。李晖老师的这本教材，恰好满足了我这个需求。它在基础概念讲解透彻的同时，更深入地探讨了“创意”的内涵，这正是“创意设计系列教材”的精髓所在。书中关于如何捕捉瞬间的情感、如何运用光影塑造氛围、如何通过镜头语言讲故事的论述，都极具启发性。尤其让我印象深刻的是，它不止步于技术层面，而是着重于如何将摄影和摄像作为一种创意表达的手段。例如，在讲解人像摄影时，书中并没有简单地罗列摆姿和布光，而是强调了如何通过摄影师的视角和技术，去挖掘被摄者的内在气质，传递更深层次的情感信息。同样的，在摄像部分，也从叙事结构、镜头调度等角度，指导读者如何构建一个具有吸引力的视觉故事。读完后，我感觉自己对“拍出好照片、好视频”有了更深刻的理解，不再是机械的技术操作，而是充满艺术思考的创作过程。

评分☆☆☆☆☆

作为一名摄影爱好者，我总是喜欢搜集各种各样的摄影书籍。而这本《创意设计系列教材：摄影与摄像》给我的感觉是，它不仅仅是一本教材，更像是一本精心打磨的“影像修炼手册”。作者李晖老师在书中注入了大量的个人思考和实践经验，使得内容充满了温度和启发性。我特别欣赏书中关于“如何培养摄影眼”的探讨，它不是简单地教你如何按快门，而是引导你去观察世界，去发现美，去理解光影、色彩、线条之间的关系，从而用你的镜头去“说”出你想表达的故事。书中在讲解每一个技术点时，都会穿插一些作者的拍摄心得和感悟，这些“旁白”虽然简短，却能让我感受到作者的匠心独运，并且在潜移默化中提升我的审美情趣。更重要的是，这本书让我明白，摄影和摄像的最终目的，是服务于“创意”和“表达”，而技术只是实现这一目标的工具。这种观念的转变，对我来说意义重大。

评分☆☆☆☆☆

坦白说，我一开始是被“创意设计系列教材”这个名字吸引来的，我以为它会是一本偏重理论、艺术鉴赏类的书籍。但当我深入阅读后，才发现它在技术层面也做得相当扎实。李晖老师在讲解摄影与摄像的结合时，展现了非常好的跨领域整合能力。他并没有割裂地讲述两者，而是找到了它们之间的共同点和互补性。比如，书中在讲解构图时，会提到动态构图在摄像中的运用，而在讲解镜头语言时，又会反过来思考如何将摄像的叙事性融入到静态摄影的创作中。这种融会贯通的讲解方式，让我觉得非常受启发。而且，书中对一些新兴的影像技术，如延时摄影、慢动作拍摄、甚至是一些基础的航拍概念，也都有所涉猎，这让我看到了影像技术的未来发展方向。对于希望掌握前沿拍摄技巧的设计师来说，这本书无疑是一份宝贵的参考资料，它让我能够站在更高的维度去思考摄影和摄像的未来，并提前做好准备。